tag:blogger.com,1999:blog-59565013862031406542011-12-06T17:31:54.758-02:00História da Arte, para quem gosta e quer aprender sobre a arte no mundo.Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.comBlogger1421100tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-31677119955630744142010-06-30T16:52:00.001-03:002010-06-30T16:52:05.630-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A era romântica&#160; de 1800-50 foi a <em><strong>Idade da Sensibilidade</strong></em>. Tanto escritores como artistas optaram pela emoção e pela intuição no lugar de objetividade racional. Como escreveu o paisagista romântico alemão Caspar David Friedrich,<em><strong> “o artista deve pintar não só o que vê à sua frente, mas também o que vê dentro de si”.</strong></em> Os românticos perseguiam sua paixão a pleno vapor. Mas viver intensamente, em vez de sabiamente, tinha seu preço. Poetas e compositores românticos como Byron, Keats, Shelley, Chopin e Shubert, todos morreram jovens.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O Romantismo tirou seu nome de um renovado interesse nas lendas medievais chamadas romances. Estavam na moda histórias de horror “góticas”, combinando elementos do macabro com o oculto (foi durante esse período que Mary Shelley escreveu Frankenstein), assim como a arquitetura que revivia o gótico de torres e torreões das Casas do Parlamento de Londres. Na decoração, armas e armaduras estavam in. Sir Walter Scottt e o romancista Horace Walpole mandaram construir castelos pseudogóticos. Este último sempre dizia: <em><strong>“Contemple brinquedos góticos&#160; através de lente gótica.</strong></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Outra marca do Romantismo foi seu culto à adoração da natureza. Pintores como Turner e Constable elevaram o status da pintura de paisagem dando a cenas naturais tons excessivamente heróicos. Tanto o homem como a natureza eram vistos como se tocados pelo sobrenatural e era possível vislumbrar&#160; sua divindade interior, assim rezava a cartilha romântica, confiando no instinto</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:112187cf-9c34-490c-b1ff-e6a39663c5ca" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Romantismo" rel="tag">Romantismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/idade+da+sensibilidade" rel="tag">idade da sensibilidade</a>,<a href="http://technorati.com/tags/g%c3%b3ticos" rel="tag">g&#243;ticos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pseudog%c3%b3ticos" rel="tag">pseudog&#243;ticos</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Os 14 grande murais em negro, marrom e cinza de 1820-22 apresentam monstros assustadores engajados em atos sinistros. <em><strong>“Saturno Devorando Seus Filhos”</strong></em> retrata&#160; um gigante voraz com olhos abertos, lunáticos, enfiando o corpo&#160; dilacerado, decapitado, do seu filho no papo. A&#160; técnica&#160; de Goya&#160; era tão radical quanto sua visão. A certa altura, executou afrescos com esponjas, mas suas pinturas satíricas foram feitas com pinceladas amplas, ferozes, tão ardentes quanto os eventos retratados.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TCkgmwqxmII/AAAAAAAAQZk/bIFrSLoBaaE/s1600-h/Saturno%20Devorando%20Seus%20Filhos%2C%20%20Francisco%20de%20Goya%5B7%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Saturno Devorando Seus Filhos, Francisco de Goya" border="0" alt="Saturno Devorando Seus Filhos, Francisco de Goya" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TCkgo8fLp6I/AAAAAAAAQZo/PDwuEBEG7D8/Saturno%20Devorando%20Seus%20Filhos%2C%20%20Francisco%20de%20Goya_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="376" height="484" /></a><em>“Saturno Devorando Seus Filhos”, Francisco de Goya </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Goya morreu na França, num exílio auto-imposto. Teve vinte filhos, mas não seguidores. Seu gênio&#160; era por demais único e suas simpatias intensas demais para se repetirem.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:192b6b69-55cb-48f4-b149-eb5d8093a9e5" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Goya" rel="tag">Goya</a>,<a href="http://technorati.com/tags/sofrimento" rel="tag">sofrimento</a>,<a href="http://technorati.com/tags/decad%c3%aancia" rel="tag">decad&#234;ncia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pinturas+negras" rel="tag">pinturas negras</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Suas 65 gravuras <strong><em>“Os Desastres da Guerra”</em></strong>, de 1810-14, são francos <em>exposés</em> das atrocidades cometidas por ambos, o exército francês&#160; e o espanhol, durante a invasão da Espanha. Com precisão sangrenta, reduziu cenas de tortura bárbara ao básico horror. Seu olhar sobre a crueldade humana era firme: castrações, desmembramentos, civis degolados empalados em árvores nuas, soldados desumanizados contemplando indiferentemente corpos linchados.</font></p> <p align="center"><a title="&quot;O 3 de Maio de 1808&quot;, Francisco de Goya, 1814" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="O 3 de maio de 1808, Francisco Goya, 1814" border="0" alt="O 3 de maio de 1808, Francisco Goya, 1814" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TCTs2Byp7pI/AAAAAAAAQZY/gqoKs9cHfj0/O3demaiode1808FranciscoGoya18146.jpg?imgmax=800" width="554" height="421" /></a> <em><font size="2" face="Verdana">“O 3 de Maio de 1808, Francisco Goya - 1814</font></em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong><em>“O&#160; 3 de Maio de 1808”</em></strong> é a resposta de Goya ao massacre de cinco mil civis espanhóis. As execuções eram represálias a uma revolta contra o exército francês em que os espanhóis foram condenados sem se levar em conta culpa ou inocência. Aqueles que possuíam um canivete ou uma tesoura&#160; (“armas portáteis”) foram obrigados a marchar diante do pelotão de fuzilamento em lotes.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A pintura tem o aspecto imediato do fotojornalismo. Goya visitou o cenário fazendo esboços; no entanto, porque se desvia do Realismo, dá a ela uma força adicional.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Ele iluminou a cena noturna colocando no chão uma lâmpada que projeta uma luz forte. No fundo, a igreja está escura, como se toda a luz da humanidade tivesse se extinguido., Cadáveres ensanguentados se lançam em direção ao expectador, enquanto uma fila de vítimas se estende na distância. As vítimas do momento constituem o foco de interesse, com um homem de camisa branca de braços bem abertos num gesto desafiador, mas impotente, lembrando o Cristo crucificado. As sombras ácidas e a ausência de harmonia na cor sublinham a violência do evento.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em outras pinturas daquela época, a guerra era sempre apresentada como um espetáculo glorioso e os soldados como heróis. Goya contrastou os rostos das vítimas e os gestos desesperados com as figuras sem rosto, parecendo autômatos, do pelotão de fuzilamento. Apesar de a surdez ter isolado Goya da humanidade, ele comunica apaixonadamente seus fortes sentimentos a respeito da brutalidade e da desumanização da guerra.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:915547a1-a4cd-46ca-b4ed-9508843f8f49" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Goya" rel="tag">Goya</a>,<a href="http://technorati.com/tags/protestos" rel="tag">protestos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pintura" rel="tag">pintura</a>,<a href="http://technorati.com/tags/atrocidades" rel="tag">atrocidades</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com.multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Então tornou-se pintor de Carlos IV da Espanha, cuja corte foi notória pela corrupção e pela repressão. Observar o vício da corte e o fanatismo da igreja transformou Goya num amargo e satírico misantropo.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TCI3pxVjgtI/AAAAAAAAQZE/FVDo8WzFkjk/s1600-h/A%20fam%C3%ADlia%20de%20Carlos%20IV%2C%20Goya%2C%201800%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A família de Carlos IV, Goya, 1800" border="0" alt="A família de Carlos IV, Goya, 1800" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TCI3u5qXW7I/AAAAAAAAQZI/ToJ1w0eX2KQ/A%20fam%C3%ADlia%20de%20Carlos%20IV%2C%20Goya%2C%201800_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="437" /></a><em> “A Família de Carlos IV”, Francisco de Goya, 1800</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Sua obra era subjetiva como a dos românticos do século XIX, no entanto Goya é saudado como o primeiro pintor moderno. Suas visões de pesadelo expondo a maldade da natureza humana e sua técnica original de cutiladas nas pinceladas o tornam um pioneiro da angustiada arte do século XX.</font></p> <p align="justify"><font size="2"><font face="Verdana"><em><strong>“A Família de Carlos IV”</strong></em> de Goya é uma pintura de corte diferente de todas. O rei robusto, de rosto vermelho, carregado de medalhas, tem ar de suíno, o trio de olhos aguçados à esquerda (incluindo uma senhora idosa, com uma marca de nascença) tem aparência completamente predatória, e a rainha parece insipidamente distraída. Os críticos se maravilharam com a estupidez dos 13 membros de três gerações da família por não terem dado conta do quão incrivelmente Goya expôs sua afetação. Um crítico assim descreveu o grupo:<em> “Um dono de mercearia e sua família, tendo acabado de ganhar o grande prêmio da loteria.”</em>&#160; A pintura era uma homenagem do artista à obra “As meninas” de Velázquez. Goya – como seu antecessor colocou-se à esquerda atrás de uma tela, registrando impassivelmente o desfile de arrogância real.</font></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:f3539fd1-48d3-493d-9d53-de9925aad34d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/GOYA" rel="tag">GOYA</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Recusava-se a seguir receitas estabelecidas para pintar pele, dizendo que não ia se curvar a mestre algum, mas “<em>descobrir por minha conta o que é a natureza e vê-la com os meus próprios olhos”</em>. Ele&#160; usava todas as cores para se aproximar do tom de pele, mas sem misturar, o que achava que fazia a pele ficar com aparência de lama, feito sela de couro. Uma espécie de pré-impressionista, Stuart fazia a pela parecer luminosa, quase transparente, através de pinceladas rápidas em vez de camadas de verniz. Cada pincelada brilhava através das outras como sangue através da pele, dando um brilho de pérola aos seus rostos. A carne, disse Stuart, “<em>não se parece com nenhuma outra substância debaixo do céu. Tem toda a alegria de uma loja de seda, sem sua pompa e seu lustro, e toda sobriedade de mogno antigo, sem sua tristeza.”</em></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TAZtWt6a9DI/AAAAAAAAQXs/Xz3izBd_RCA/s1600-h/George%20Washington%20%28O%20Retrato%20de%20Athenaeum%29%20Gilbert%20Stuart%20-%201796%5B7%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="George Washington (O Retrato de Athenaeum) Gilbert Stuart - 1796" border="0" alt="George Washington (O Retrato de Athenaeum) Gilbert Stuart - 1796" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/TAZtX24kNTI/AAAAAAAAQXw/9L1wGKxTJy8/George%20Washington%20%28O%20Retrato%20de%20Athenaeum%29%20Gilbert%20Stuart%20-%201796_thumb%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="340" height="402" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>George Washington, Stuart, 1796 </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Stuart foi equivalente ao pintor da corte para a nova república. Sua contribuição está em simplificar a retratação, descartando togas e gestos passageiros com o fim de enfatizar aspectos intemporais. Stuart pintou rostos com tanta acuidade que Benjamin West&#160; chegou a dizer: Stuart <em>“prega o rosto na tela”. </em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:64c9bb0d-e937-4bce-8740-1f6399db5a14" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Estados+Unidos" rel="tag">Estados Unidos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Gilbert+Stuart" rel="tag">Gilbert Stuart</a>,<a href="http://technorati.com/tags/estilo" rel="tag">estilo</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Não havia grandes edifícios a serem enfeitados nem grande riqueza que comprasse peças de luxo. Prata e acessórios exibiam perícia artesanal, e a arquitetura federal era bonita. Mas a escultura era praticamente desconhecida, com exceção da estatuária para cemitérios. </font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os primeiros pintores norte-americanos foram, em geral, retratistas ou pintores autodidatas de tabuletas. Seu trabalho era linear com contornos rígidos e ausência de ponto focal. Não era de surpreender que o retrato fosse a mais procurada forma de arte, já que a política enfatizava respeito pelo indivíduo. Os iluminadores itinerantes, como eram chamados os primeiros artistas, pintavam retratos individuais ou de grupos, sem rostos no inverno e, na primavera,&#160;&#160;&#160; procuravam clientes e preenchiam os vazios.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:a12f66c3-2d7b-4f15-9ba1-a3300ae64848" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/EUA" rel="tag">EUA</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/in%c3%adcio" rel="tag">in&#237;cio</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Puritanismo" rel="tag">Puritanismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/preconceito" rel="tag">preconceito</a>,<a href="http://technorati.com/tags/imagens" rel="tag">imagens</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O conjunto incluía uma rotunda à maneira do Panteon e pavilhões na forma dos templos romanos. Jefferson usava as ordens dórica, jônica e coríntia para demonstrar aos estudantes os vários estilos de arquitetura.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na escultura, as figuras antigas em estilo idealizado, clássico, também estavam na onda. Uma das mais aclamadas obras do século XIX foi a<em><strong> “Escrava Grega”</strong></em> (1843), de <em><strong>Hiram Power</strong></em>, estátua de mármore de uma menina nua acorrentada, que ganhou fama internacional. Horatio&#160; Greenough aplicou a doutrina neoclássica com menos sucesso. O prático público norte-americano riu de sua estátua de um George Washington de peruca, torso nu e sandálias romanas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O primeiro pintor nascido na América do Norte a receber aclamação internacional foi <em><strong>Benjamin West</strong></em> (1738-1820). Seu trabalho era um somatório do estilo neoclássico. Ficou tão famoso pelas cenas de batalha que se tornou presidente da <em><strong>Academia Real Britânica</strong></em>. West fez toda a sua carreira na Inglaterra, e seu ateliê em Londres era parada obrigatória para os pintores norte-americanos de visita.</font></p> <p align="center"><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font>.</font></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:3432179f-033c-47f5-b662-7d0a6f25cee8" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/neoclassicismo" rel="tag">neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/EUA" rel="tag">EUA</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Rivers combinou&#160; as pinceladas livres, vigorosas do Expressionismo Abstrato com temas de diversas fontes, indo da publicidade às belas artes. A cor, e não o tema, de acordo com Rivers, “é o que tem significado”. Sua versão de “Odalisca” de Manet dá uma nova cara a um conceito com séculos de idade.</font></p> <p align="center"><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font>.</font></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:d61a2783-f5c3-4175-9000-63a9257f3d95" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Odaliscas" rel="tag">Odaliscas</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Manet" rel="tag">Manet</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Larry+Rivers" rel="tag">Larry Rivers</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O primeiro nu feminino deitado como tema artístico foi do veneziano Giorgione, um pintor renascentista sobre o qual pouco se sabe. É provável&#160;&#160;&#160; que tenha pintado “Vênus Adormecida”, em 1510, ano de sua morte precoce, de peste. Diz-se que Ticiano terminou a obra, acrescentando a paisagem arcádica e os panos. É comum ver associados a esse gênero popular de pintura um cenário simples, uma pose relaxada – a mulher recostada sobre travesseiros – e ausência de história. Giorgione era bonito e namorador, grande amante da beleza feminina, no entanto, retrata sua Vênus como uma figura de inocência, sem consciência de estar sendo observada.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol. Strickalnd. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:1d7a9159-91dd-47c4-90fe-f089e9c9a3aa" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/V%c3%aanus" rel="tag">V&#234;nus</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Giorgione" rel="tag">Giorgione</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a></div> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso Feed. 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O título quer dizer <strong><em>“coquete nua”,</em></strong> e a imagem totalmente erótica de Goya causou furor na recatada sociedade espanhola. Acredita-se que a modelo é sua amiga e patrona – a aristocrática, porém muito pouco convencional, condessa de Alba. Existe também uma réplica vestida da figura, em pose idêntica, mas esboçada muito apressadamente. Diz-se que Goya a pintou quando o conde estava a caminho de casa, para justificar todo o tempo que tinha passado na companhia da condessa. É provável que Goya tenha se inspirado na versão “Vênus Rokeby” de Velazquez, um nu deitado visto de costas. Embora uma sufragette ofendida tenha cutilado (dado golpes de cutelo) a Vênus de Velazquez, o nu&#160; de Goya é muito&#160; mais sedutor, com a carne suave, macia, contrastando com a pincelada ondeada do lençol de cetim e dos babados de renda.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:6b2ae5dc-1fcc-490d-8ac3-c3517b553d2f" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/nu" rel="tag">nu</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Goya" rel="tag">Goya</a>,<a href="http://technorati.com/tags/frontal" rel="tag">frontal</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Recebi de presente algumas de suas obras, como homenagem ao dia das mães, o que me deixou muito feliz. Este artista é&#160; meu neto André (6 anos). Vejam suas obras e a homenagem recebida. Ganhei uma casa muito linda, um carro (sem rodas), mas um carro, e um coração muito delicado com a dedicatória mais sublime já recebida do artista em questão. </font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong><em>Gostaria que&#160; meus leitores avaliassem e comentassem a qualidade das obras.</em></strong></font></p> <p align="justify">&#160;</p> <p align="justify">&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-bDvxEB7AI/AAAAAAAAQRw/h3Cx77CSzso/s1600-h/presente%202%20dia%20das%20m%C3%A3es%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="presente 2 dia das mães" border="0" alt="presente 2 dia das mães" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-bD1pTglpI/AAAAAAAAQR0/JrhSNP_Oi7U/presente%202%20dia%20das%20m%C3%A3es_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Casa</em></font></p> <p align="center">&#160;</p> <p align="center"><a title="carro (sem rodas) mas é um carro..." href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="presente 3 André" border="0" alt="presente 3 André" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-bD3PywpdI/AAAAAAAAQR4/KsqunRDmq1U/presente%203%20%20Andr%C3%A9%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="114" /></a> </p> <p></p> <p></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>O carro (sem rodas, rs), acho que ele esqueceu!</em></font></p> <p align="center">&#160;</p> <p align="center"><a title="presente dia das mães" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="presente dia das mães André" border="0" alt="presente dia das mães André" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-bD677izRI/AAAAAAAAQR8/QWtfuRJs4CM/presente%20dia%20das%20m%C3%A3es%20Andr%C3%A9%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="456" /></a> </p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>o mais belo, delicado e importante de todos </em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:3c1a0399-0757-41de-8be9-2da0328916f0" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/homenagem" rel="tag">homenagem</a>,<a href="http://technorati.com/tags/artista" rel="tag">artista</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Andr%c3%a9" rel="tag">Andr&#233;</a>,<a href="http://technorati.com/tags/neto" rel="tag">neto</a>,<a href="http://technorati.com/tags/obras" rel="tag">obras</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Aqui se vê como alguns artistas deram seu toque individual a esse tema tradicional.</font></em></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-XmPev7SWI/AAAAAAAAQRo/g66dc-mk82M/s1600-h/Olympia%2C%20Manet%2C%201863%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Olympia, Manet, 1863" border="0" alt="Olympia, Manet, 1863" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-XmXQQmN4I/AAAAAAAAQRs/_zMou1Dljsw/Olympia%2C%20Manet%2C%201863_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="504" height="339" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“Olympia”, Manet, 1863</em></font>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A <em><strong>“Olympia”</strong></em> de Manet, causou gritaria pública. Com seu olhar audaz, apreciador e traços individualizados, obviamente não era uma deusa idealizada, mas uma pessoa de verdade. Um crítico a chamou de<em><strong> “gorila fêmea”.</strong></em> Outros atacaram a técnica não acadêmica de Manet. “A menos bonita das mulheres tem ossos, músculos, pele e alguma forma de cor. Aqui não há nada” “As sombras são indicadas”, escreveu outro, “por grandes lambuzadas de preto.” A maioria considerou&#160; a sensualidade do quadro imoral. “A arte que desce tanto nem merece reprovação.”</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Enormes multidões afluíram o Salão para ver o que estava acontecendo. Depois que a tela foi atacada fisicamente, penduraram-na fora do alcance, por cima de uma porta. Um espectador reclamou: “Mal se sabia o que se estava vendo – um&#160; pedaço de carne nua ou um monte de roupa na lavanderia. “Manet tornou-se o líder reconhecido da vanguarda devido ao <em>succès de scandale</em> <em>de <strong>“Olympia”.</strong></em></font></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pre-História ao Pós-Moderno</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:287cafb9-6da1-453e-9bed-c7103af53c51" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Odaliscas" rel="tag">Odaliscas</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Manet" rel="tag">Manet</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Olympia" rel="tag">Olympia</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedbvurner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Isso porque, de acordo com a Igreja, o verdadeiro autor era Deus, que, por meio dos seres humanos, expressava suas ideias e vontades.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-QlnvydvHI/AAAAAAAAQRY/ZS4U0bfcZds/s1600-h/Tape%C3%A7aria%20de%20Bayeux%2C%20final%20do%20s%C3%A9culo%20%20XI%5B7%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Tapeçaria de Bayeux, final do século XI" border="0" alt="Tapeçaria de Bayeux, final do século XI" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-QlpfUTSVI/AAAAAAAAQRc/Y8OKgsue460/Tape%C3%A7aria%20de%20Bayeux%2C%20final%20do%20s%C3%A9culo%20%20XI_thumb%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="504" height="352" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Tapeçaria de Bayeux, século XI, representa a conquista da Inglaterra pelos normandos </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na pintura, destacavam-se miniaturas, ou iluminuras, feitas para ilustrar os manuscritos, tapeçarias e os murais, também chamados de afrescos. Os murais era pinturas feitas nas paredes geralmente retratando cenas religiosas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Havia também as esculturas que decoravam o interior dos templos.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Nelson Piletti, Claudino Piletti. Thiago Tremonte. História e vida integrada.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:836659f5-f481-4f09-985e-b2b53d13090c" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Idade+M%c3%a9dia" rel="tag">Idade M&#233;dia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/tape%c3%a7arias" rel="tag">tape&#231;arias</a>,<a href="http://technorati.com/tags/afrescos" rel="tag">afrescos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/esculturas" rel="tag">esculturas</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O jovem discípulo nunca deixou que suas pinceladas aparecessem, dizendo que a tinta tinha que ser lisa como a “casca da cebola”. Ingres, porém foi além do mestre na devoção aos antigos. Na obra inicial, usou as pinturas de vasos gregos como modelo e desenhou figuras planas, lineares, que os críticos condenaram como sendo <em><strong>“primitivas” e “góticas</strong></em>”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Então apareceram em cena <em><strong> Delacroix</strong></em> e <em><strong>Géricault </strong></em>campeões da emoção e da cor, em vez de intelecto e perícia no desenho como base da arte. Contra o <em>“barbarismo”</em> desses “<em>destruidores”</em> da arte. Ingres se tornou o porta-voz da ala conservadora, advogando a antiga virtude da qualidade técnica.<em><strong> “O desenho é a probidade da arte”,</strong></em> era seu manifesto. Ele pedia cuidado contra o uso de cores fortes, quentes, para se obter impacto visual, dizendo que eram <em>“anti-históricas</em>”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A disputa acabou virando xingamento, com Ingres rotulando Rubens, o herói dos românticos, de <em><strong>“aquele açougueiro flamengo</strong></em>”. Ele considerava Delacroix o “diabo encarnado”. Uma vez, quando Delacroix saiu do Salon, depois de pendurar uma pintura, Ingres comentou:<em><strong> “Abram as janelas, está cheirando a enxofre.”.</strong></em> Por sua vez, os românticos chamavam as pinturas de Ingres e sua escola de <em><strong>“desenhos coloridos”.</strong></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Ironicamente esse arqueiro defensor da fé neoclássica às vezes se desviava dos princípios de sua devoção. É verdade: Ingres era desenhista impecável, cuja linha intrincada influenciou Picasso, Matisse e Degas. Mas os nus femininos de Ingres estavam longe do ideal grego ou do Renascimento.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Ingres era atraído por exóticos, eróticos como a menina do harém, em<em><strong> “Odalisca</strong></em>”. Os críticos atacaram a pintura pela cabeça pequena e o traseiro anormalmente longo. “Ela tem vértebras a mais”, disse um deles. “Não tem osso, não tem músculo, não tem vida”, disse outro. Sem dúvida, Ingres alongou os membros para aumentar sua elegância sensual</font>.</p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-HVIbifqKI/AAAAAAAAQQ4/fM1yZoOW3AU/s1600-h/A%20Grande%20Odalisca%2C%20Ingres%2C%201814%5B10%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Grande Odalisca, Ingres, 1814" border="0" alt="A Grande Odalisca, Ingres, 1814" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S-HVKDqRpGI/AAAAAAAAQQ8/0CcC76VWEi4/A%20Grande%20Odalisca%2C%20Ingres%2C%201814_thumb%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="504" height="281" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Odalisca”, Ingres, 1814</em></font></p> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Ingres pregava a lógica, no entanto, o poeta romântico <em><strong>Baudelaire </strong></em>notou que os melhores trabalhos de Ingres eram “<em>produto de uma natureza profundamente sensual”</em>. De fato, Ingres era mestre em nus femininos. Ao longo de toda sua carreira pintou banhistas, dando à beleza&#160; de porcelana de sua carne um estilo mais suave que o de David.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:bfecd41c-a0fe-48e1-8789-ca038cad3bb9" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Ingres" rel="tag">Ingres</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Assim, destacava-se à arquitetura, com a construção de templos, igrejas, mosteiros e também castelos.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a title="Catedral de Worms, Alemanha, estilo românico (século XII)" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Catedral de Worms, Alemanha, estilo românico, século XII" border="0" alt="Catedral de Worms, Alemanha, estilo românico, século XII" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9s4lbALudI/AAAAAAAAQP8/0xI850relzk/Catedral%20de%20Worms%2C%20Alemanha%2C%20estilo%20rom%C3%A2nico%2C%20s%C3%A9culo%20XII%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="336" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Catedral de Worms, Alemanha, estilo românico, século XII </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na Idade Média europeia predominaram dois estilos arquitetônicos: o <em><strong>românico</strong></em> e o <strong><em>gótico</em></strong>. As construções em estilo românico (século X, XI e XII)&#160; caracterizavam-se por arcos redondos, paredes grossas, grandes colunas, janelas pequenas e interior pouco iluminado. </font></p> <p align="center"><a title="Catedral de Chartres, França, estilo gótico" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Catedral de Chartres, França, estilo gótico, século XII" border="0" alt="Catedral de Chartres, França, estilo gótico, século XII" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9s4ohoasNI/AAAAAAAAQQE/qw5EMkHsMrE/Catedral%20%20de%20Chartres%2C%20Fran%C3%A7a%2C%20estilo%20g%C3%B3tico%2C%20s%C3%A9culo%20XII%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="336" height="473" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Catedral de Chartres, França – estilo gótico</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">As construções em estilo gótico (final do século XII até o século XV) caracterizavam-se pelos arcos em formato ogival, janelas maiores e mais numerosas, paredes altas e interior iluminado.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Nelson Piletti. Claudino Piletti. Thiago Tremonte. História e vida integrada. </em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:4ad0d325-99c8-42ba-bcbf-6042944b5159" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/g%c3%b3tico" rel="tag">g&#243;tico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/rom%c3%a2nico" rel="tag">rom&#226;nico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/idade+m%c3%a9dia" rel="tag">idade m&#233;dia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arquitetura" rel="tag">arquitetura</a></div> <p></p> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Ingres chegou naturalmente ao Neoclassicismo, tendo sido o mais famoso pupilo de David.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9g4RHSgPgI/AAAAAAAAQOc/lRjuBbE5jTY/s1600-h/Retrato%20da%20Princesa%20de%20Broglie%2C%20Ingres%2C%201853%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Retrato da Princesa de Broglie, Ingres, 1853" border="0" alt="Retrato da Princesa de Broglie, Ingres, 1853" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9g4S08AUyI/AAAAAAAAQOg/aHd9-xbLcMs/Retrato%20da%20Princesa%20de%20Broglie%2C%20Ingres%2C%201853_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="611" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Retrato da Princesa de Broglie”, Ingres, 1853</em></font></p> <p>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O segundo foi&#160; Eugène Delacroix (1798-1863), defensor ardoroso do Romantismo</font>.</p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="&quot;Cavalos Àrabes Lutando Numa Estrebaria&quot;, Delacroix, 1860.jpg" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Cavalos Árabes lutando numa estrebaria, Eugène Delacroix, 1860" border="0" alt="Cavalos Árabes lutando numa estrebaria, Eugène Delacroix, 1860" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9g4USUky7I/AAAAAAAAQOk/NMk0ljwI8G4/Cavalos%20%C3%81rabes%20lutando%20numa%20estrebaria%2C%20Eug%C3%A8ne%20Delacroix%2C%201860%5B36%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="362" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Cavalos Árabes Lutando Numa Estrebaria”, Delacroix, 1860 – obra tardia do pintor.</em></font></p> <p></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:c698c707-0178-45a9-8884-ac3a02e56744" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Ingres" rel="tag">Ingres</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Delacroix" rel="tag">Delacroix</a></div> </p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Sua arte foi propaganda em prol da república, com a intenção de<em><strong> “eletrificar”,</strong></em> disse ele, e <em><strong>“plantar as sementes da glória e da devoção para com a terra paterna”</strong></em>. O retrato do líder&#160; assassinado, <em><strong>“Morte de Marat”,</strong></em> é sua obra-prima. Marat, amigo íntimo de David, foi um revolucionário radical, que morreu apunhalado por um contra-revolucionário durante o banho. <em>(Antes da Revolução, enquanto se escondia da polícia nos esgotos de Paris, Marat contraíra psoríase e tinha que trabalhar imerso num banho medicinal, usando um caixote como escrivaninha.)</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Logo após o assassinato, David correu para o cenário do crime, para registra-lo. Embora o fundo seja friamente vazio, a pintura de David enfatizou o caixote, a toalha manchada de sangue e a faca que, como objetos reais, foram cultuados pelo público como relíquias sacras. David retrata Marat como um santo, numa pose similar à de Cristo na “Pietà” de Michelangelo.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9c0M1bM1AI/AAAAAAAAQNQ/e6OA-RMIxh8/s1600-h/Morte%20de%20Marat%2C%20David%2C%201793%5B5%5D.jpg"><font color="#69656f" size="2" face="Verdana"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Morte de Marat, David, 1793" border="0" alt="Morte de Marat, David, 1793" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9c0O_Ipr4I/AAAAAAAAQNU/gBf7ksub0SA/Morte%20de%20Marat%2C%20David%2C%201793_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="578" /></font></a> <font size="2" face="Verdana"><em>“Morte de Marat”, David,&#160; 1793</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Quando Robespierre foi guilhotinado, levaram David preso. Mas, em vez de perder a cabeça, o flexível pintor tornou-se chefe do programa de arte de Napoleão. Mudou das composições simples do seu período revolucionário para a pompa e a nobreza das pinturas das conquistas do pequeno imperador, tais como <em><strong>“Coroação de Napoleão e Josefina”</strong></em>. Embora suas cores tenham se tornado mais vivas, David se ateve ao que também aconselhava aos alunos: <em><strong>“não permitir que as pinceladas apareçam”.</strong></em> Suas pinturas têm um acabamento limpo, brilhante, liso como verniz. Durante três décadas, a arte de David foi o modelo oficial do que se considerava ser a arte francesa e, por extensão, a arte europeia.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:36c12155-dd9e-409f-afd1-e4f0a1e452fe" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Fran%c3%a7a" rel="tag">Fran&#231;a</a>,<a href="http://technorati.com/tags/David" rel="tag">David</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis. 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Disse sentir-se como se<em><strong> “tivesse sido operado de catarata”</strong></em>. Avidamente desenhou mãos, olhos, orelhas e pés de toda escultura antiga que encontrava dizendo: “Quero trabalhar num estilo grego puro.” Em pouco tempo, os discípulos de David jogavam migalhas de pão na <em><strong>“Peregrinação a Citera”,</strong></em> de Watteau, para mostrar seu desprezo&#160; pelo que achavam que era arte “artificial”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9YqjZ2GPuI/AAAAAAAAQNI/Q8xxE2IDjCI/s1600-h/Juramento%20dos%20Hor%C3%A1cios%2C%20David%2C%20%201784%5B5%5D.jpg"><font size="2" face="Verdana"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Juramento dos Horácios, David, 1784" border="0" alt="Juramento dos Horácios, David, 1784" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9YqlPfm4bI/AAAAAAAAQNM/e4injY826es/Juramento%20dos%20Hor%C3%A1cios%2C%20David%2C%20%201784_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="444" /></font></a><font size="2" face="Verdana"> <em>“Juramento de Horácios”, David, 1784 – Essa obra marcou a morte da arte Rococó e o renascimento da Neoclássica.</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em<em><strong> “Juramento dos Horácios”,</strong></em> três irmãos juram derrotar os inimigos ou morrer por Roma, ilustrando o novo clima de auto-sacrifício, em vez de auto-indulgência. Da mesma maneira como a Revolução Francesa derrubou os nobres decadentes, essa pintura marcou uma nova era de estoicismo. David demonstrou a diferença entre o velho e o novo através do contraste dos contornos retos e rígidos&#160; dos homens com as formas curvas das mulheres. Até mesmo a composição da pintura reforçava sua firme resolução. David situou cada figura como uma estátua, iluminada por um feixe de luz, contra um fundo simples de arcos romanos. Com o fim de assegurar a precisão histórica, vestiu roupas romanas e fez capacetes romanos para então copiar.</font></p> <ul> <ul> <li> <div align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>Estoicismo:</strong> Doutrina que aconselha a indiferença e o desprezo pelos males físicos e morais, resignação na dor e na adversidade.</font></div> </li> </ul> </ul> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:53f34893-7bbf-45ef-af07-ed926f76a0e4" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/David" rel="tag">David</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Fran%c3%a7a" rel="tag">Fran&#231;a</a></div> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Essa fé na lógica levou à ordem e às virtudes “enobrecedoras” da arte neoclássica.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9ScRw_YyuI/AAAAAAAAQNA/-YH--MBhxBk/s1600-h/A%20morte%20de%20S%C3%B3crates%2C%20Jacques-Louis%20David%5B4%5D.jpg"><font size="2" face="Verdana"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A morte de Sócrates, Jacques-Louis David" border="0" alt="A morte de Sócrates, Jacques-Louis David" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S9ScToa6AtI/AAAAAAAAQNE/LfldcFi-DUI/A%20morte%20de%20S%C3%B3crates%2C%20Jacques-Louis%20David_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="362" /></font></a><font size="2" face="Verdana"><em> “A Morte de Sócrates” , Jacques-Louis David</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O iniciador da tendência foi Jacques-Louis David (1748-1825), pintor e democrata francês que imitava a arte grega e romana para inspirar a nova república&#160; francesa. Como assinalou o escritor alemão Goethe, “<em>agora se quer heroísmo e virtudes cívicas</em>”. A arte “politicamente correta” era séria, ilustrando temas da história antiga ou da mitologia, em vez das frívolas cenas de festa rococó. Como se a sociedade tivesse tomado uma dose excessiva de doce, o princípio substituiu o prazer e a pintura deu apoio à mensagem moral de patriotismo. </font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:c61cae7e-3056-438f-8422-1e225e1d3f80" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/grega" rel="tag">grega</a>,<a href="http://technorati.com/tags/romana" rel="tag">romana</a></div> <p></p> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds2.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O ritmo rápido do progresso científico e os males do capitalismo sem freios aumentavam a confusão.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O mundo artístico dos anos 1800 fervilhava de facções, cada uma delas reagindo às outras. Em vez de um estilo predominar por séculos, como aconteceu nas épocas do Renascimento e do Barroco, movimentos e contramovimentos brotavam feito cogumelos. O que tinham sido&#160; as eras transformou-se&#160; em <em><strong>“ismos”,</strong></em> cada um representando uma tendência artística.&#160; Durante a maior parte do século, três estilos principais competiram um com o outro: o <em><strong>Neoclassicismo,</strong></em> o<em><strong> Romantismo</strong></em>, e o <em><strong>Realismo</strong></em>. Perto do final do século, rapidamente surgiram e desapareceram diversas escolas&#160; - o <em><strong>Impressionismo</strong></em>, o <em><strong>Pós-Impressionismo</strong></em>, o <em><strong>Art Nouveau</strong></em> e o <em><strong>Simbolismo</strong></em>. </font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:51672f85-fe97-4ef4-b4a2-930f84b61647" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/s%c3%a9culo+XIX" rel="tag">s&#233;culo XIX</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Neoclassicismo" rel="tag">Neoclassicismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Romantismo" rel="tag">Romantismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Realismo" rel="tag">Realismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/P%c3%b3s-Impressionismo" rel="tag">P&#243;s-Impressionismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Art+Nouveau" rel="tag">Art Nouveau</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Simbolismo" rel="tag">Simbolismo</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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No interior das residências de Paris, porém, assim como nas igrejas e nos palácios da Alemanha, da Áustria, de Praga e de Varsóvia, o rebuscado rococó dominava o cenário.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S89qfL9tg_I/AAAAAAAAQMY/F88X8k9jUrs/s1600-h/Casa%20Mil%C3%A1%2C%20Gaudi%2C%201907%2C%20Barcelona%2C%20Espanha%5B7%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Casa Milá, Gaudi, 1907, Barcelona, Espanha" border="0" alt="Casa Milá, Gaudi, 1907, Barcelona, Espanha" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S89qgp6YhpI/AAAAAAAAQMc/awuXFHqGh1U/Casa%20Mil%C3%A1%2C%20Gaudi%2C%201907%2C%20Barcelona%2C%20Espanha_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="524" height="465" /></a> <font size="2" face="Verdana"><em>Casa de Milá, Antonio Gaudi, 1907 - Barcelona</em></font></p> <p>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Embora o amor rococó pelo artifício fosse estranho ao arquiteto espanhol Antonio Gaudi, seu trabalho incorporou as curvas sinuosas desse estilo. O gênero de Gaudi nasceu do <em><strong>Art Nouveau</strong></em> e se baseou no desejo de alijar a tradição e assumir as formas aleatórias da natureza. Na recusa das linhas retas e na predominância do efeito ondulante – com janelas semelhantes a folhas de <strong><em>nenúfar</em></strong> (flor de lótus) –, o prédio de apartamentos da imagem é herdeiro do rococó.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="Detalhe: Casa de Milá, Gaudi - 1907 - Barcelona - Espanha" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Detalhe, Casa Milá, Antonio Gaudi (1852-1926)" border="0" alt="Detalhe, Casa Milá, Antonio Gaudi (1852-1926)" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S89qiVc2guI/AAAAAAAAQMg/kpG4y0SZZLQ/Detalhe%2C%20Casa%20Mil%C3%A1%2C%20Antonio%20Gaudi%20%281852-1926%29%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="404" height="606" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Detalhe: Casa de Milá</em></font></p> <p><font size="2" face="Verdana"><strong></strong></font></p> <p><font size="2" face="Verdana"><strong></strong></font></p> <blockquote> <p><font size="2" face="Verdana"><strong>Nenúfar</strong>: planta aquática (tipo Vitória-Régia) que se instala e se reproduz na superfície dos rios e que aos poucos vai fechando o fluxo das águas e tirando o seu oxigênio até matar toda a vida que ali exista</font></p> </blockquote> <p>&#160;</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:d7af38d5-63ca-4452-a20b-ac2b2978d323" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Arquitetura+barroca" rel="tag">Arquitetura barroca</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Antonio+Gaudi" rel="tag">Antonio Gaudi</a>,<a href="http://technorati.com/tags/casa+de+Mil%c3%a1" rel="tag">casa de Mil&#225;</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos"><font size="2" face="Verdana">Assine nosso feed. Inscreva-se e receba as atualizações diariamente por e-mail.. 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Essa “<em>maison de plaisance</em>”, ou casa do prazer, é profusamente decorada, porém com delicadeza. Uma série de espelhos, portas e janelas em arco se destaca entre as linhas curvilíneas de plantas, cornucópias, animais e instrumentos musicais – tudo em prata banhada em ouro, sobre um frio fundo azul. As curvas ascendentes e descendentes dos ornamentos fazem desse aposento um <em>tour de force</em> do estilo rococó.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S89BTyeHd1I/AAAAAAAAQMQ/iLM82f0_1Sc/s1600-h/Sal%C3%A3o%20dos%20Espelhos%2C%20Fran%C3%A7ois%20Cuvilli%C3%A9s%201734-39%20%20Rococ%C3%B3%5B12%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Salão dos Espelhos, François Cuvilliés 1734-39 Rococó" border="0" alt="Salão dos Espelhos, François Cuvilliés 1734-39 Rococó" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S89BVfRYzQI/AAAAAAAAQMU/rbN7F4r3DAE/Sal%C3%A3o%20dos%20Espelhos%2C%20Fran%C3%A7ois%20Cuvilli%C3%A9s%201734-39%20%20Rococ%C3%B3_thumb%5B10%5D.jpg?imgmax=800" width="478" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Salão dos Espelhos, Cuvilliés – Amalienburg - Alemanha</em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:9b1da0ec-1fa0-4d15-93a7-827e3c7b7e9b" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rococ%c3%b3" rel="tag">Rococ&#243;</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/suoerficial" rel="tag">suoerficial</a>,<a href="http://technorati.com/tags/leve+arabescos" rel="tag">leve arabescos</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Os quadros de <strong><em>Antoine Watteau</em></strong> (1684-1721), <em><strong>François Boucher</strong></em> (1703-70) e <em><strong>Jean-Honoré Fragonard</strong></em> (1732-1806) assinalam essa mudança da seriedade e da grandiosidade para o fútil e superficial na arte e na sociedade francesa.</font></p> <p align="center"><a title="&quot;Peregrinação de Citera&quot; Wateau, 1717, óleo sobre tela" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Peregrinação a Citera, Watteau, 1717" border="0" alt="Peregrinação a Citera, Watteau, 1717" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S844cnszptI/AAAAAAAAQL8/iVCunW4zIjs/Peregrina%C3%A7%C3%A3o%20a%20Citera%2C%20Watteau%2C%201717%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="488" height="333" /></a>&#160;<font size="2" face="Verdana"><em>“A Peregrinação a Citera”, Antoine Wateau</em></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na <em><strong>“Peregrinação a Citera”,</strong></em> de Wateau, casais românticos brincam numa ilha encantada onde reinam a eterna juventude e o amor. Boucher pintou também pastores e pastoras belamente vestidos entre árvores frondosas, nuvens espessas e ovelhas dóceis. O estilo de Boucher era extremamente superficial. Ele se recusava a pintar a vida, dizendo que a natureza era <strong><em>“verdade demais e mal iluminada”</em></strong>. Seus bonitos quadros de nus em poses sedutoras faziam grande sucesso entre a aristocracia decadente.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S844eWnausI/AAAAAAAAQMA/ajRDQ9rF4Fs/s1600-h/Boucher%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Boucher" border="0" alt="Boucher" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S844fYMjULI/AAAAAAAAQME/Qa9NATKi_f0/Boucher_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="488" height="395" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Leda e o Cisne, François Boucher, 1741 – óleo sobre tela</em></font>&#160;</p> <p></p> <p>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os quadros de <em><strong>Jean-Honoré Fragonard</strong></em> eram igualmente leves e excessivamente ataviados (adornados). Em seu famoso<em><strong> “O Balanço”,</strong></em> num gesto provocante, uma jovem sentada num balanço atira longe a sandália de cetim enquanto um admirador espia suas calçolas de renda.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S844g71xTMI/AAAAAAAAQMI/v14zeCkNzsA/s1600-h/O%20Balan%C3%A7o%2C%20%20Jean-Honor%C3%A9%20Fragonard%5B9%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Balanço, Jean-Honoré Fragonard" border="0" alt="O Balanço, Jean-Honoré Fragonard" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S844i3wxW6I/AAAAAAAAQMM/jinbNkcKCkY/O%20Balan%C3%A7o%2C%20%20Jean-Honor%C3%A9%20Fragonard_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="488" height="612" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“O Balanço”, Jean-Honoré Fragonard, 1767 – Óleo sobre tela</em></font>&#160;</p> <p></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:c6d42e23-8c45-4496-aede-752ca323cafb" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rococ%c3%b3" rel="tag">Rococ&#243;</a>,<a href="http://technorati.com/tags/%22fete+galante%22" rel="tag">&quot;fete galante&quot;</a>,<a href="http://technorati.com/tags/parques" rel="tag">parques</a>,<a href="http://technorati.com/tags/piqueniques" rel="tag">piqueniques</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O nome rococó é derivado de <em><strong>rocaile</strong></em>, referente a conchas e seixos que ornamenta, grotas e fontes, e surgiu como um estilo de decoração de interiores.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="A carta de Amor, François Boucher, 1750" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Carta de Amor, 1750, óleo sobre tela, François Boucher" border="0" alt="A Carta de Amor, 1750, óleo sobre tela, François Boucher" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S84d-J9O4jI/AAAAAAAAQL4/7MG5-BwOFO4/A%20Carta%20de%20Amor%2C%201750%2C%20%C3%B3leo%20sobre%20tela%2C%20Fran%C3%A7ois%20Boucher%5B9%5D.jpg?imgmax=800" width="467" height="513" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>A Carta de Amor, François Boucher – 1750 – óleo sobre tela </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em certos aspectos, o estilo rococó se assemelha ao significado da própria palavra. As artes decorativas foram um campo privilegiado para essa ornamentação delicada, curvilínea. Os pisos eram revestidos com elaborados&#160; padrões&#160; em folha de madeira, a mobília era ricamente marchetada, decorada com estofamento em <em>gobelin</em> e incrustações&#160; em marfim e casco de tartaruga. Roupas, talheres e porcelanas também eram sobrecarregados em desenhos de flores, conchas e folhas. Até o desenho das carruagens trocava as linhas retas por floreios e arabescos, e os cavalos eram ajaezados (enfeitados) com plumas imensas e arreios cravejados de pedras preciosas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A arte rococó&#160; era tão decorativa e não-funcional quanto a aristocracia que a adotou.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <blockquote> <p align="center"><em><font color="#69656f" size="2" face="Verdana"><strong>Grota</strong>: Abertura na margem de um rio, feita pelas águas das enchentes; vale profundo; depressão&#160; de terreno</font></em></p> </blockquote> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:b70f3a86-1774-4593-9aa2-5cab0460acd8" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rococ%c3%b3" rel="tag">Rococ&#243;</a>,<a href="http://technorati.com/tags/rocaile" rel="tag">rocaile</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Paris" rel="tag">Paris</a></div> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com">Assine nosso feed. 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O projeto exigia tanta água que Luís XIV arregimentou trinta mil soldados para o empreendimento, fracassado, de puxar água do rio <em>Eure</em>, a 65 quilômetros de distância.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8o6nYmD68I/AAAAAAAAQLY/MNhEC9WgTPg/s1600-h/Jardim%20%20Pal%C3%A1cio%20Versalhes%20florido%2C%20Fran%C3%A7a%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Jardim Palácio Versalhes florido, França" border="0" alt="Jardim Palácio Versalhes florido, França" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8o6p3-HuGI/AAAAAAAAQLc/fIvTdU3VANU/Jardim%20%20Pal%C3%A1cio%20Versalhes%20florido%2C%20Fran%C3%A7a_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="371" /></a> <em>A beleza das flores de Versalhes</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland, Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:b7f75996-5247-44d7-bc40-b05ae3f6c53a" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Versalhes" rel="tag">Versalhes</a>,<a href="http://technorati.com/tags/jardins" rel="tag">jardins</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Pal%c3%a1cio" rel="tag">Pal&#225;cio</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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É o tributo à ambição de um homem, Luís XIV (1638-1715) que aspirava alcançar, segundo alguns, “além do suntuoso e estupendo” <em>L’état cést moi</em> (o Estado sou eu), dizia o monarca absoluto, conhecido como <em><strong>“Rei Sol”.</strong></em> Cercado por uma corte&#160; de dois mil nobres&#160; e 18 mil soldados e criados, Luís XIV criou um ambiente de luxo ostensivo para impressionar os visitantes com o esplendor da França e de sua real pessoa.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j47tPgvPI/AAAAAAAAQKs/9SGuPUbGzTI/s1600-h/Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20Fran%C3%A7a%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Palácio de Versalhes, França" border="0" alt="Palácio de Versalhes, França" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j4_LE1CBI/AAAAAAAAQKw/ypA-WFlTPjw/Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20Fran%C3%A7a_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="355" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Vista Geral do Palácio de Versalhes, França </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">As centenas de aposentos de Versalhes foram adornadas com candelabros de cristal, mármores de várias cores, móveis em prata maciça e cortinas em veludo carmesim bordado em ouro. O próprio rei, coberto de ouro, diamantes e plumas, recebia os altos dignatários que o visitavam sentado num trono de prata de quase três metros de altura, coberto por um dossel. Seu real despertar (<em>lever</em>) e recolher (<em>coucher</em>) eram assistidos por um enxame de cortesãos, em rituais formais tão importantes para a corte quanto o nascer e o pôr-do-sol. Cada refeição do rei exigia a participação de 498 pessoas. <em><strong>“Não somos pessoas privadas”,</strong></em> dizia o rei. <em><strong>“Pertencemos inteiramente ao público.”</strong></em></font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j5ApVKTAI/AAAAAAAAQK0/V3SSwkCz8jQ/s1600-h/Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20vista%20parcial%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Palácio de Versalhes, vista parcial" border="0" alt="Palácio de Versalhes, vista parcial" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j5Cf_HJcI/AAAAAAAAQK4/ObDNrW3G11I/Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20vista%20parcial_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="336" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Palácio de Versalhes, França</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O impacto visual tinha precedência sobre o conforto das criaturas no palácio. O grande chão de mármore deixava o interior gelado, a água congelava nas bacias, enquanto milhares de velas iluminando as noites de gala tornavam os eventos de verão sufocantes de calor. Apesar desses inconvenientes, Luís XIV dava festas com apresentação de justas e torneios, banquetes e comédias de Molière.</font></p> <p align="left"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j5LYVLyTI/AAAAAAAAQK8/-gkV13KYC40/s1600-h/Galeria%20dos%20Espelhos%2C%20Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20Fran%C3%A7a%5B3%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="Galeria dos Espelhos, Palácio de Versalhes, França" border="0" alt="Galeria dos Espelhos, Palácio de Versalhes, França" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8j5M2DY1uI/AAAAAAAAQLA/1-UH1bVus2U/Galeria%20dos%20Espelhos%2C%20Pal%C3%A1cio%20de%20Versalhes%2C%20Fran%C3%A7a_thumb%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="332" /></a> </p> <p></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>Galeria dos Espelhos, Palácio de Versalhes, França</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O salão de baile era adornado com guirlandas, as árvores&#160; iluminadas com milhares de velas em castiçais e enfeitadas com laranjas de Portugal e groselhas da Holanda. A propósito, <em>La Fontaine disse</em>: <em><strong>“Os palácios viram jardins e os jardins viram palácios.”</strong></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No jardim zoológico de Versalhes havia elefantes, flamingos&#160; e avestruzes, um carrossel chinês movido por criados escondidos no subsolo e gôndolas no Grande Canal, que mede quase um quilômetro. Em Versalhes, a corte vivia num luxo ímpar, em meio à opulência do mobiliário e das obras-de-arte, a maioria classificada como arte decorativa e não como obra-de-arte.</font></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:3e1ea3b3-df25-4719-a093-295d70898535" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Versalhes" rel="tag">Versalhes</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Fran%c3%a7a" rel="tag">Fran&#231;a</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Os dois diferem é na inspiração, pois Claude se inspirava menos nas formas clássicas do que na própria natureza e na luz serena da aurora e do anoitecer que unifica seus quadros.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a title="Paisagem com Comerciantes, Claude Lorrain, c. 1630" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Paisagem com Comerciantes, Claude Lorrain, c. 1630" border="0" alt="Paisagem com Comerciantes, Claude Lorrain, c. 1630" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8jd45pFGeI/AAAAAAAAQKo/wLn_oqBfd7s/Paisagem%20com%20Comerciantes%2C%20Claude%20Lorrain%2C%20c.%201630%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="554" height="362" /></a></font><font size="2" face="Verdana"><em>“Paisagem com comerciantes”, c. 1630, óleo sobre tela, Claude Lorrain</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Claude passou grandes períodos entre os pastores, desenhando árvores, colinas e as românticas ruínas de <em>campagna</em> italiana, ao amanhecer e no fim da tarde. O arranjo típico de seus quadros contém majestosas árvores emoldurando uma radiante vista campestre e intensificando&#160; a luz central. Claude não se interessava pelas figuras humanas&#160; pequeninas que habitavam seus campos: seu único propósito ali é estabelecer a escala&#160; para os elementos naturais. Na verdade, ele pagava a outros artistas para pinta-las&#160; para ele.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:cc842a46-eca6-4cf7-8b01-f48eb5815dba" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Claude+Lorrain" rel="tag">Claude Lorrain</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Fran%c3%a7a" rel="tag">Fran&#231;a</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-9219535163263735205?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-62119575731181850212010-04-17T13:00:00.000-03:002010-04-17T13:00:02.029-03:00<p align="justify"><em><font size="2" face="Verdana">No século XVII, a França era o país mais poderoso da Europa, e&#160; Luís XIV chamou os maiores talentos para glorificar seu reinado com um palácio de inigualável esplendor. Com o advento de Versalhes, a França tomou o lugar&#160; de Roma como centro da arte européia (e ocupou&#160; esse lugar até a Segunda Guerra Mundial), mesmo tomando como modelo de sua arte as relíquias romanas.</font></em></p> <p align="justify"><font color="#400080" face="Verdana"><strong>Mestre da Composição</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">O mais famoso pintor do século XVII, Nicolas Poussin (1594-1665), não trabalhou na França, mas em Roma. Apaixonado pela antiguidade, baseou seus quadros nos antigos mitos e na história de Roma e na escultura grega. A ampla influência da obra de Poussin reviveu o estilo da antiguidade, que veio a ser a influência artística nos duzentos anos seguintes.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Poussin tomou o racionalismo clássico tão a sério que, quando Luís XIII o chamou a Paris para pintar um afresco no teto do Louvre, ele se recusou a seguir o código prevalente dos santos flutuantes. As pessoas não pairam no ar, ele argumentou com uma lógica impecável, perdendo assim a encomenda e voltando às suas amadas ruínas romanas. </font></p> <p align="center"><a title="&quot;Enterro de Focion&quot;, Nicolas Poussin, 1648.jpg" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Enterro de Focion, Nicolas Poussin, 1648" border="0" alt="Enterro de Focion, Nicolas Poussin, 1648" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8jLQaLo_tI/AAAAAAAAQKk/LzHwr_cI7tM/Enterro%20de%20Focion%2C%20Nicolas%20Poussin%2C%201648%5B26%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="295" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Enterro de Focion”, Poussin, 1648 </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Entregue às suas próprias motivações, Poussin resolveu pintar no que chamou de <em>la maniera magnífica</em>, conforme suas palavras: “O primeiro requisito mental para todos os outros, é que o tema e a narrativa sejam grandiosos, batalhas, atos heróicos ou motivos religiosos.” O artista devia excluir termos “baixos”. Aqueles que não evitavam o cotidiano, como Caravaggio (que ele detestava), “se refugiavam em (temas inferiores) devido à fragilidade de seu talento”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A obra de Poussin exerceu enorme influência no curso da arte francesa (e, consequentemente, do mundo) nos dois séculos seguintes porque todos os artistas eram formados no “Poussinismo”, o Classicismo institucionalizado.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol&#160; Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:fcc81b9f-d549-40d0-92e8-19a96b58603d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Nicolas+Poussin" rel="tag">Nicolas Poussin</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Fran%c3%a7a" rel="tag">Fran&#231;a</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Giorgione</em></strong></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8Ypk6h4LuI/AAAAAAAAQJg/a5rSfx33q6M/s1600-h/A%20Tempestade%2C%20Giorgione%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Tempestade, Giorgione" border="0" alt="A Tempestade, Giorgione" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpolKO67I/AAAAAAAAQJk/sPBi3lE7oEo/A%20Tempestade%2C%20Giorgione_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="333" /></a><em> “A Tempestade”, Giorgione</em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>4.Botticelli</em></strong></font></p> <p align="center"><a title="&quot;A Primavera&quot; Sandro Filipepi Botticelli" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Primavera, Botticelli" border="0" alt="A Primavera, Botticelli" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YppfE-TII/AAAAAAAAQJo/pChPAcFFZt0/A%20Primavera%2C%20Botticelli%5B5%5D.gif?imgmax=800" width="304" height="202" /></a><em> “A Primavera”, Botticelli</em></p> <p><em></em></p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>5.Pietro della Francesca</em></strong></font></p> <p align="center"><a title="&quot;A Ressurreição&quot;, Pietro della Francesca" href="http://multilosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Ressurreição, Pietro della Francesca" border="0" alt="A Ressurreição, Pietro della Francesca" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpqEfMOHI/AAAAAAAAQJs/tAsEJxBSGdg/A%20Ressurrei%C3%A7%C3%A3o%2C%20Pietro%20della%20Francesca%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="337" /></a><em>“A Ressurreição”, Pietro della Francesca </em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>6. El Greco</em></strong></font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YprGwusQI/AAAAAAAAQJw/_itLvpksb5k/s1600-h/O%20Enterro%20do%20Conde%20Orgaz%2C%20El%20Greco%5B3%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Enterro do Conde Orgaz, El Greco" border="0" alt="O Enterro do Conde Orgaz, El Greco" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8Yps_EvN0I/AAAAAAAAQJ0/IP8dnUyYtb8/O%20Enterro%20do%20Conde%20Orgaz%2C%20El%20Greco_thumb%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="375" /></a><em>“O Enterro do Conde Orgaz”, El Greco </em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>7. Giotto</em></strong></font></p> <p align="center"><a title="&quot;A Lamentação&quot;, Giotto di Bondone" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Lamentação, Giotto" border="0" alt="A Lamentação, Giotto" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpvHWU1yI/AAAAAAAAQJ4/ggfn6_Mm1ho/A%20Lamenta%C3%A7%C3%A3o%2C%20Giotto%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="285" /></a><em>“A Lamentação”, Giotto </em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>8. Grünewald</em></strong></font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpwvFfH-I/AAAAAAAAQJ8/4HrsVgBBC6I/s1600-h/O%20Altar%20de%20Isenheim%2C%20Gr%C3%BCnewald%5B3%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Altar de Isenheim, Grünewald" border="0" alt="O Altar de Isenheim, Grünewald" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpxcPBMvI/AAAAAAAAQKA/bihUIskUlJI/O%20Altar%20de%20Isenheim%2C%20Gr%C3%BCnewald_thumb%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="265" /></a><em> “O Altar Isenheim”, Grünewald</em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>9. Picasso</em></strong></font></p> <p align="center"><a title="&quot;Guernica&quot;, Pablo Picasso" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Guernica, Picasso" border="0" alt="Guernica, Picasso" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpyLUuCnI/AAAAAAAAQKE/rPwjMXtm5eI/Guernica%2C%20Picasso%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="182" /></a><em> “Guernica”, Picasso</em></p> <p>&#160;</p> <p><font size="3" face="Verdana"><strong><em>10. Rembrandt</em></strong></font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8YpzXTkOnI/AAAAAAAAQKI/R2aXA70Zn6g/s1600-h/A%20volta%20do%20filho%20pr%C3%B3digo%2C%20Rembrandt%5B3%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A volta do filho pródigo, Rembrandt" border="0" alt="A volta do filho pródigo, Rembrandt" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8Yp0NE6UbI/AAAAAAAAQKM/KsMbsC0WZPU/A%20volta%20do%20filho%20pr%C3%B3digo%2C%20Rembrandt_thumb%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="304" height="373" /></a><em>“A Volta do Filho Pródigo”, Rembrandt </em></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:022ed2ad-81b1-4ab9-b065-1a30778ee2a7" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Lista" rel="tag">Lista</a>,<a href="http://technorati.com/tags/obras" rel="tag">obras</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/maior" rel="tag">maior</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Vel%c3%a1zquez" rel="tag">Vel&#225;zquez</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Levando ao pé da letra o ditado de Leonardo da Vinci, <em><strong>“O espelho é nosso mestre”,</strong></em> Velázquez tentou se aproximar o mais possível daquilo que via, chegando às vezes&#160; a trabalhar anos numa tela.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O quadro é manifestamente um retrato da princesa Margarita aos cinco anos de idade, atendida pelas damas de honra e duas anãs, mas reunindo diversos retratos de corpo inteiro de um membro da corte.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8TWi7vy6OI/AAAAAAAAQJA/Ep3mj2t2jKE/s1600-h/As%20Meninas%2C%20Diego%20Vel%C3%A1zquez%2C%201656%20-%20Madrid%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="As Meninas, Diego Velázquez, 1656 - Madrid" border="0" alt="As Meninas, Diego Velázquez, 1656 - Madrid" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8TWl5L5zJI/AAAAAAAAQJE/pyAwxLj37t8/As%20Meninas%2C%20Diego%20Vel%C3%A1zquez%2C%201656%20-%20Madrid_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="426" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“As meninas”, Diego Velázquez, 1656, óleo sobre tela</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os críticos especulam que Velázquez&#160; estava brincando com a idéia da ambiguidade de imagens, ao incluir muitas versões da arte do retrato, até mesmo seu auto-retrato, à esquerda no ato de reproduzir a própria cena no espelho. Tal era sua técnica que todas as imagens parecem igualmente convincentes, tanto as indiretas (reflexos no espelho e quadros dentro do quadro) como as “diretas”.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a title="Velázquez, auto-retrato, detalhe do quadro &quot;As meninas&quot;, 1656." href="http://multiplosestilo.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="Auto-retrato, detalhe do quadro As Meninas, Velázques" border="0" alt="Auto-retrato, detalhe do quadro As Meninas, Velázques" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8TWmdQV3ZI/AAAAAAAAQJI/-9dvyTu2XFc/Auto-retrato%2C%20detalhe%20do%20quadro%20As%20Meninas%2C%20Vel%C3%A1zques%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="254" height="335" /></a>&#160;</p> <p align="center"><em>detalhe: auto-retrato, Velázquez, em as Meninas</em></p> <p align="justify">“<font size="2" face="Verdana">As Meninas” mostra a preocupação de Velásquez com o desenho e a composição. Embora as figuras pareçam agrupadas informalmente, na verdade a composição consiste numa série equilibrada de triângulos superpostos. O pintor usou apenas a metade de baixo da tela para os retratos e encheu o espaço acima com uma gama de luz e sombra para produzir a ilusão de espaço. Verticais e horizontais firmes evitam que o olhar do espectador se perca na sala.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">&#160;<a title="detalhe: quadro de Filipe IV e Mariana da Áustria, dentro do quadro &quot;As Meninas&quot;" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><em><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="detalhe, Felipe IV e Mariana da Áustria." border="0" alt="detalhe, Felipe IV e Mariana da Áustria." src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8TWnC_HydI/AAAAAAAAQJM/hlaji0EGpa0/detalhe%2C%20Felipe%20IV%20e%20Mariana%20da%20%C3%81ustria.%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="198" height="244" /></em></a><em> detalhe: Filipe IV e Mariana da Áustria</em></font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="detalhe: quadro &quot;As Meninas&quot; de Diego Velázquez" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="detalhe, No vão da escada, que abre um novo espaço, encontra-se José Nieto, primeiro-chefe tapeceiro da rainha." border="0" alt="detalhe, No vão da escada, que abre um novo espaço, encontra-se José Nieto, primeiro-chefe tapeceiro da rainha." src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8TWnuhqAGI/AAAAAAAAQJQ/MqLJMtQIUXE/detalhe%2C%20No%20v%C3%A3o%20da%20escada%2C%20que%20abre%20um%20novo%20espa%C3%A7o%2C%20encontra-se%20Jos%C3%A9%20Nieto%2C%20primeiro-chefe%20tapeceiro%20da%20rainha.%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="186" height="244" /></a> detalhe: José Nieto, primeiro chefe tapeceiro da rainha, vão da porta</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickalnd. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno. Coleção Folha. Grandes Museus do Mundo. texto de Daniela Tarabra</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:0af4efcc-83e4-488e-9720-e3834769cc9a" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Diego+Vel%c3%a1zquez" rel="tag">Diego Vel&#225;zquez</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Espanha" rel="tag">Espanha</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Numa visita a Madri, Velázquez fez um retrato com tamanha perfeição que atraiu a atenção do rei. Seu primeiro retrato de Felipe IV agradou tanto ao monarca que ele declarou que dali por diante, somente Velázquez pintaria seus retratos. Aos 24 anos, o artista era o mais prestigiado pintor do país e passaria os trinta anos seguintes pintando para a corte.</font></p> <p align="center"><a title="Retrato de Felipe IV, rei de Espanha, Diego Velázquez" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Retrato de Felipe IV, Espanha, Diego Velazquez," border="0" alt="Retrato de Felipe IV, Espanha, Diego Velazquez," src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8N-cvHxBKI/AAAAAAAAQIw/8fO8bJ-NdmA/Retrato%20de%20Felipe%20IV%2C%20Espanha%2C%20Diego%20Velazquez%2C%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="359" height="484" /></a><em>Retrato de&#160; Felipe IV, rei de Espanha,&#160; Diego Velázques</em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Assim como os retratos de Holbein, os de Velázquez eram obras-primas de realismo visual, mas os métodos espanhóis eram opostos à precisão linear de Holbein. As linhas não eram visíveis; Velázquez criava formas com pinceladas fluídas e, aplicando focos de luz e cor, foi um <em><strong>precursor do Impressionismo</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Diferia da maioria dos artistas barrocos pela simplicidade e objetividade de sua obra. Nunca esqueceu o conselho de seu mestre: <em><strong>“Busque tudo na natureza.”</strong></em> Consequentemente, jamais sucumbiu ao estilo pretencioso clássico salpicado de alegorias. Pintava o mundo como aparecia aos seus olhos. As primeiras pinturas de Velázquez retratavam até as figuras sagradas ou mitológicas como pessoas comuns, desenhadas contra um fundo neutro.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Quer pintasse o rei, quer pintasse um bobo da corte, Velázquez apresentava o modelo com dignidade e sempre com respeito pela realidade. Sua abordagem humanizou a rígida tradição formal dos retratos da nobreza, colocando os personagens em poses mais naturais, sem acessórios exagerados. Apesar de ser um virtuose na técnica, Velázquez&#160; preferia a moderação à ostentação, o realismo ao idealismo.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:90344850-c9e0-413d-b388-1969ebd980f0" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Espanha" rel="tag">Espanha</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Vel%c3%a1zquez" rel="tag">Vel&#225;zquez</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Na verdade, Wren projetou mais de cinquenta igrejas de pedra, proeza exigida pelo <em><strong>Grande Incêndio de Londres, em 1666</strong></em>, que destruiu mais de 13 mil casas e 87 igrejas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">São Paulo é a obra-prima de Wren (o artista foi enterrado na Catedral), projetada para rivalizar com a <em><strong>Basílica&#160; de São Pedro</strong></em>, em Roma. O projeto começou em condições desfavoráveis, pois os operários não conseguiam demolir os resistentes pilares da igreja incendiada. Quando as explosões com pólvora não resolveram o problema, recorreram ao aríete medieval. Depois de um dia inteiro de “golpes incessantes”, o que restava da velha igreja veio abaixo e iniciou-se a construção da nova – trabalho que duraria quarenta anos.</font></p> <p align="center"><a title="Catedral de São Paulo, fachada oeste, Christopher Wren, 1675-1712, Londres" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Catedral de São Paulo, fachada oeste, Wren (1675-1712), Londres" border="0" alt="Catedral de São Paulo, fachada oeste, Wren (1675-1712), Londres" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S8NwrIE8gYI/AAAAAAAAQIs/Desi28TrsDc/CatedraldeSoPaulofachadaoesteWren167%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="398" height="484" /></a> <em><font size="2" face="Verdana">Catedral de São Paulo, fachada oeste, Christopher Wren, 1675-1712</font></em></p> <p align="center">&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Wren era um prodígio intelectual. <em><strong>Matemático</strong></em> e <em><strong>astrônomo</strong></em> elogiado por <em><strong>Sir Isaac Newton</strong></em>, usou seu conhecimento de engenharia para projetar o domo da igreja, menor apenas que o de São Pedro. Medindo 34 metros de diâmetro e com altura de 111 metros, é maior que um campo de futebol. Somente a clarabóia e a cruz no alto do domo pesam 64 toneladas. Como suportar tamanho peso? A solução inovadora de Wren foi construir o domo de madeira revestida com uma fina camada de chumbo. Desse modo, podia criar uma bela silhueta externa e um teto altíssimo no interior com apenas uma fração do peso. São Paulo é uma das maiores igrejas do mundo. O túmulo de Wren, na grande Catedral, tem a inscrição: <em><strong>“Se quiser ver um monumento, olhe em volta”.</strong></em></font></p> <p align="center"><em><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1">Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</font><strong>.</strong></font></font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:f385dbfc-37da-4234-992e-2ab10662bd56" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Arquitetura+barroca" rel="tag">Arquitetura barroca</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Christopher+Wren" rel="tag">Christopher Wren</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Inglaterra" rel="tag">Inglaterra</a>,<a href="http://technorati.com/tags/S%c3%a3o+Paulo" rel="tag">S&#227;o Paulo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Catedral" rel="tag">Catedral</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Também no continente foi ele que pegou uma “febre do fórum” que durou a vida inteira, passando a poluir seus retratos com relíquias romanas e poses nobres. Seu dilema era que, embora pudesse ficar rico como “pintor de caras”, apenas os pintores históricos eram considerados poetas entre os artistas. Ele tentou combinar os dois gêneros, criticando Gainsborough por pintar “com olho de pintor e não de poeta”.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7-kcw3bP2I/AAAAAAAAQIk/-cjPMgA6z9I/s1600-h/Jane%2C%20Condessa%20de%20Herrington%2C%20Reynolds%2C%201777%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Jane, Condessa de Herrington, Reynolds, 1777" border="0" alt="Jane, Condessa de Herrington, Reynolds, 1777" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7-kedw1pSI/AAAAAAAAQIo/anr6-8uUI4Y/Jane%2C%20Condessa%20de%20Herrington%2C%20Reynolds%2C%201777_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="382" height="630" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Jane, Condessa de Herrington”, Reynolds, 1777</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Reynolds era imbatível na idealização da realidade. Tanto ele como Gainsborough pintaram retratos de <em><strong>Mrs. Siddons</strong></em>. Gainsborough retratou como uma dama de sua época; já Reynolds retratou-se como Musa Trágica, entronizada entre símbolos da Piedade e do Terror. Ele idolatrava tanto os mestres como Rafael, Michelangelo, Rubens e Rembrandt&#160; que chegou a pintar um auto-retrato vestido como Rembrandt. </font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Apesar do pedantismo, seus retratos faziam&#160; sucesso. <em>“Desgraçado! Como é variado!”,</em> exclamou Gainsborough sobre esse artista que sabia pintar imponentes heróis militares, nobres damas e crianças brincalhonas com a mesma maestria. Ironicamente, em seu melhor retrato. Reynolds ignorou as próprias regras, Em vez de idealizar o que ele chamava “<em><strong>deficiências e deformidades</strong></em>”, apoiou-se num estilo direto, íntimo, para captar a personalidade do modelo.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:eceb0504-4c53-41da-8cf3-b77ce58fa69c" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Sir+Joshua+Reynolds" rel="tag">Sir Joshua Reynolds</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Inglaterra" rel="tag">Inglaterra</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Com o mestre, ele aprendeu a alongar as figuras de modo a parecerem mais nobres e a pinta-las em poses negligentes, charmosas, para parecerem mais vivas.&#160; Seus retratos, com adoráveis paisagens ao fundo, trouxeram novo frescor à arte inglesa. Gainsborough pintava paisagens para seu prazer pessoal e construía em seu estúdio cenas em miniatura com brócolis, esponjas e musgos para simular a natureza virgem. Como ninguém comprava as paisagens, Gainsborough tinha que se contentar em inseri-las no fundo dos retratos.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7-QkOxL-UI/AAAAAAAAQIc/WFsbwarJhVc/s1600-h/Mrs.%20Richard%20Brinsley%20Sheridan%2C%20Gainsborough%2C%20c.%201785%5B6%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Mrs. Richard Brinsley Sheridan, Gainsborough, c. 1785" border="0" alt="Mrs. Richard Brinsley Sheridan, Gainsborough, c. 1785" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7-QmKhxvSI/AAAAAAAAQIg/-6iK2mdFbFw/Mrs.%20Richard%20Brinsley%20Sheridan%2C%20Gainsborough%2C%20c.%201785_thumb%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="624" /></a><em> “Mrs. Richard Brinsley Sheridan”, Gainsborough, c. 1785</em></font></p> <p align="left"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em <em><strong>“Mrs. Richard Brinsley Sheridan”</strong></em>, a modelo está em trajes comuns, sentada numa pedra, num ambiente campestre (o pintor queria pintar alguns carneiros para dar um ar mais “pastoral”).&#160; A beleza natural da paisagem e da modelo se harmonizaram perfeitamente. A árvore emoldurando o quadro à direita se arqueia&#160; para dentro da pintura, prendendo o olhar, enquanto as linhas curvas das nuvens e da árvore no meio do campo, as moitas, as colinas e os contornos trazem o foco de volta ao rosto da modelo. Esse movimento barroco, forçando o olhar a circular, se repete no oval do rosto.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O aspecto folhoso dos quadros de Gainsborough ajudou a estabelecer o conceito, levado a sério por pintores como<em><strong> Constable</strong></em> no século XIX, de que a natureza é um tema digno da arte.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:f75ab978-9245-4d58-9f84-266b05bfb219" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Thomas+Gainsborough" rel="tag">Thomas Gainsborough</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Inglaterra" rel="tag">Inglaterra</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis. 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As massas compravam gravuras, tiradas aos milhares, baseadas nesses quadros, e Hogarth tornou-se o primeiro inglês a ser amplamente conhecido no estrangeiro.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A missão da vida inteira de Hogarth foi superar o complexo de inferioridade da Inglaterra e a adoração dos artistas continentais. Ele criticava os Grandes Mestres, dizendo que haviam sido “<em>valorizados na fumaça</em>” do tempo e tinham se tornado quase indecifráveis. Denunciava os retratistas da moda como “<em>pintores de caras</em>”. Recusava-se a favorecer seus modelos em retratos, acreditando que as irregularidades revelavam o caráter. Em vista disso, recebia poucas encomendas, o que o levou a descobrir sua verdadeira vocação – <em><strong>gravuras satíricas</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Quando Hogarth era criança, seu pai, que era mestre-escola, foi preso por dívidas, experiência que marcou permanentemente o pintor. Em sua série <em>The Rake’s Progress</em>, Hogarth expõe francamente o lado avesso da vida, mostrando as condições deploráveis da prisão dos devedores e de Bedlam, o asilo dos loucos. Hogarth pode ser considerado também o primeiro cartunista político. Extraía inspiração de todos&#160; os segmentos da sociedade, satirizando com igual aprumo a ociosa aristocracia, os trabalhadores urbanos embriagados (inédito nas artes visuais) e os políticos corruptos.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7yxTBvXOZI/AAAAAAAAQH4/i5xQ9v8oM8Q/s1600-h/Mariage%20%C3%A0%20la%20Mode%2C%20Hogarth.%20c.%201745.%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Mariage à la Mode, Hogarth. c. 1745." border="0" alt="Mariage à la Mode, Hogarth. c. 1745." src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7yxUqVQX7I/AAAAAAAAQH8/DBv6xMY_9ls/Mariage%20%C3%A0%20la%20Mode%2C%20Hogarth.%20c.%201745._thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="349" /></a><em> “Cena do Breakfast”, da série Marriage à la Mode, Hogarth, c. 1745</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A série <em><strong>Marriage à la Mode</strong></em> ridiculariza uma jovem nova rica casada com um visconde dissoluto, casamento arranjado para elevar a posição social da primeira e a conta bancária do segundo. Como Henry Fielding, amigo de Hogarth, escreveu no romance cômico Tom Jones, “<em>Seus desígnios eram rigorosamente respeitáveis, assim como suas palavras: isto é, roubar a fortuna de uma dama por meio do casamento</em>”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Hogarth usava toques para sugerir o enredo dos quadros. “<em><strong>Em cena do Breakfast</strong></em>”, a noiva olha de soslaio para o noivo adquirido com seu dote, enquanto o desmazelado nobre parece acabrunhado, ou de ressaca, ou ambos. Os ponteiros do relógio, apontando que passa do meio dia, sugerem uma noite de farra, indicada ainda pelas cartas no chão , a cadeira caída e a espada quebrada. A touca de renda no bolso do aristocrata insinua adultério. </font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A honestidade descomprometida aliada ao humor é a marca registrada da arte de Hogarth. Ele disse certa vez que preferia ter “impedido o progresso da crueldade a ser o autor [das pinturas] de Rafael”.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:ffdd5680-5a90-4ed2-b4c2-931b3dbc0954" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/William+Hogarth" rel="tag">William Hogarth</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco+ingl%c3%aas" rel="tag">barroco ingl&#234;s</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pintora" rel="tag">pintora</a>,<a href="http://technorati.com/tags/gravador" rel="tag">gravador</a>,<a href="http://technorati.com/tags/sat%c3%adrico" rel="tag">sat&#237;rico</a></div> <p></p> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Enquanto na literatura os anos 1600 foram de extraordinária criatividade&#160; (<em><strong>Shakespeare, Donne, Milton</strong></em>), as artes visuais ficaram para trás. Como a filosofia era proibida nas religiões puritanas e os temas mitológicos nunca estiveram em alta, a arte inglesa se limitava quase exclusivamente aos retratos. No passado, a Inglaterra havia importado pintores (<em>Holbein e van Dyck</em>). Agora pela primeira vez, produzia três artistas importantes: <strong>Hogarth, Gainsborough</strong> e<strong> Reynolds</strong>.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"><strong>William Hogarth (1697-1764)</strong></font></em></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMoYB07_I/AAAAAAAAQHM/aY5nL4IsYiQ/s1600-h/Mariage%20%C3%A0%20la%20Mode%2C%20Hogarth.%20c.%201745.%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Mariage à la Mode, Hogarth. c. 1745." border="0" alt="Mariage à la Mode, Hogarth. c. 1745." src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMqLRHJEI/AAAAAAAAQHQ/8ntgGUwUCbE/Mariage%20%C3%A0%20la%20Mode%2C%20Hogarth.%20c.%201745._thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="349" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Cena de Breakfast”, da série Marriage a la Mode, Hogarth, c. 1745</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"><strong>Thomas Gainsborough (1727-1788)</strong></font></em></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMrZISdPI/AAAAAAAAQHU/g34-LOLAwck/s1600-h/Mrs.%20Richard%20Brinsley%20Sheridan%2C%20Gainsborough%5B3%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="Mrs. Richard Brinsley Sheridan, Gainsborough" border="0" alt="Mrs. Richard Brinsley Sheridan, Gainsborough" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMtJ3qRRI/AAAAAAAAQHY/vc3hIu9I3E4/Mrs.%20Richard%20Brinsley%20Sheridan%2C%20Gainsborough_thumb%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="342" height="484" /></a>&#160;</p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana">“Mrs. Richard Brinsley Sheridan”, Gainsborough. c. 1785</font></em></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"><strong>Sir. Joshua Reynolds (1723-1792)</strong></font></em></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMtqrPEUI/AAAAAAAAQHc/E0jgsi7kwxQ/s1600-h/Jane%2C%20Condessa%20de%20Harrington%2C%20Reynolds%2C%201777%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="Jane, Condessa de Harrington, Reynolds, 1777" border="0" alt="Jane, Condessa de Harrington, Reynolds, 1777" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7pMvteQzDI/AAAAAAAAQHg/9iu0lKyy7Q0/Jane%2C%20Condessa%20de%20Harrington%2C%20Reynolds%2C%201777_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="342" height="563" /></a>&#160;</p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>“Jane, Condessa de Herrington”, Reynolds, 1777.</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana">No próximo post, as informações sobre cada artista.</font></em></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:14160a11-d6e8-4e8a-a99f-40e3cb54cdf6" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Inglaterra" rel="tag">Inglaterra</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Poucos são seus quadros sobreviventes, apenas 35 a quarenta. Talvez ele não tenha pintado outros, pois nenhum pintor desde <em>Ingres</em> trabalhou com tanta deliberação.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">E nenhum pintor, exceto <em>van Eyck</em>, tinha tanta técnica quanto Vermeer no domínio da luz. Enquanto outros artistas usavam uma gama de cinza/verde/marrom, as cores de Vermeer eram mais puras e vívidas, com uma intensidade de brilho jamais vista.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Além da maestria na cor e na luz, as composições perfeitamente equilibradas, de formas retangulares, emprestavam serenidade e estabilidade a seus quadros. Uma tela típica retrata um aposento limpo, fracamente iluminado por uma janela à esquerda e uma figura empenhada numa simples tarefa doméstica. O que eleva o tema acima da banalidade é a incisiva representação da realidade visual, as cores perfeitamente verdadeiras para o olho e a luz suave que se irradia pela sala. Seus quadros não contém história, paixão ou evento. Seu verdadeiro tema é a luz, suave, doce, quase palpável, vagando pelas diversas superfícies da imagem.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Vermeer usou uma<em><strong> “câmara obscura”</strong></em> para obter maior perfeição do desenho. Consiste numa caixa escura com uma abertura minúscula por onde&#160; se projeta a imagem do objeto a ser traçado numa folha de papel. No entanto, Vermeer não se limitava a copiar as linhas de cena projetada. Seu manuseio da tinta também foi revolucionário. Embora as pinceladas pareçam planas e detalhadas nas reproduções, Vermeer frequentemente aplicava a tinta em esfregadelas e pontilhados de modo que a superfície saliente de um ponto na pintura refletisse mais luz, dando vibração e textura tridimensional mais áspera. Essa técnica se aproximava do pontilhismo dos impressionistas. Um crítico descreveu essa superfície como uma <em><strong>“mistura de pérolas socadas”.</strong></em></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kw3avnFcI/AAAAAAAAQG4/wmQZoDaPgtM/s1600-h/A%20Criada%20de%20Cozinha%2C%20Vermeer%2C%20c.%201658%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Criada de Cozinha, Vermeer, c. 1658" border="0" alt="A Criada de Cozinha, Vermeer, c. 1658" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kw4xL9Q5I/AAAAAAAAQG8/wBsJkNY4deE/A%20Criada%20de%20Cozinha%2C%20Vermeer%2C%20c.%201658_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="440" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“A Criada de Cozinha”, Johannes Vermeer, c. 1658 </em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Esse método de definir as formas, não com linhas, mas com pontinhos de luz é evidente em <em><strong>“A Criada de Cozinha”,</strong></em> especialmente no contorno da abertura da jarra de leite, um mosaico de manchinhas. Vermeer foi também um mestre na variação de intensidade da cor em relação à distância entre o objeto e a fonte de luz. O pão crocante captura a luz mais forte e a reflete através de toques precisos de <strong><em>impasto</em> </strong>(<em>tinta aplicada em camada grossa</em>). Atento demais aos pormenores, para evitar a monotonia da parede caiada de branco. Vermeer acrescentou-lhe manchas, buracos e até um prego. A composição é tão equilibrada e coesa que remover apenas um dos elementos ameaçaria a estabilidade do quadro. Embora despida de incidentes dramáticos, a absoluta concentração da criada na tarefa confere ao trabalho um ar majestoso. A respeito de Vermeer, um crítico observou que: <em><strong>“Nenhum pintor holandês homenageou tanto a mulher.”</strong></em></font></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland.&#160; Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:a23e1643-da81-4f52-8ef4-8d24759d2e37" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Johannes+Vermeer" rel="tag">Johannes Vermeer</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/dom%c3%adnio+da+luz" rel="tag">dom&#237;nio da luz</a></div> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Seu primeiro biógrafo escreveu: <em><strong>“Nos últimos anos de vida, ele trabalhava com tanta rapidez que seus quadros, vistos de perto, parecem rebocados com uma colher de pedreiro.”</strong></em> Ele praticamente entalhava o pigmento, espalhando com a espátula uma pasta pesada de “meio dedo” de espessura e desenhando na camada de tinta molhada com o cabo do pincel. O efeito é uma superfície irregular que cria um brilho ao refletir e difundir a luz, enquanto as zonas escuras levam uma fina camada vidrada para realçar a absorção da luz.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Seu único comentário sobre arte de que se tem notícia está numa carta, em que o pintor diz que trabalhava <em><strong>“com a maior e mais arraigada emoção”.</strong></em> O restante de sua contribuição para a arte ele deixou nas telas.</font></p> <p><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Auto-Retratos</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Os quase cem auto-retratos de Rembrandt no curso de quarenta anos são uma exploração artística de sua própria imagem que permaneceu única até <em>Van Gogh</em>. Seus auto-retratos vão desde o jovem de olhos brilhantes até o idoso contemplando estoicamente sua própria decadência física. Entre estes, há vários retratos luminosos do empreendedor rico e bem sucedido, vestido em peles e ouro. Mais tarde, a distinção entre luz e sombra se tornou menos pronunciada, na medida em que ele passou a usar o <em>chiaroscuro</em> numa investigação mais interna de seu ser.</font></p> <p align="center"><font color="#000000"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kJZfAT1gI/AAAAAAAAQGo/DN0NhI30VaE/s1600-h/Rembrandt%20van%20Rijn%2C%20Auto-Retrato%2C%20c.%201629-1630%5B4%5D.jpg"><font size="2" face="Verdana"><a title="Rembrandt, auto-retrato, aos 23 anos, c. 1629-30.jpg" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Rembrandt van Rijn, Auto-Retrato, c. 1629-1630" border="0" alt="Rembrandt van Rijn, Auto-Retrato, c. 1629-1630" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kJahj2cwI/AAAAAAAAQGs/CI5XaR--NSU/Rembrandt%20van%20Rijn%2C%20Auto-Retrato%2C%20c.%201629-1630%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="440" height="484" /></a></font></a><font size="2" face="Verdana"><em>“Auto-Retrato”, Rembrandt, aos 23 anos. c. 1629-30 </em></font></font></p> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A comparação entre um auto-retrato inicial e um tardio mostra a mudança das pinceladas finas para as espessas. No primeiro, Rembrandt tem cerca de 23 anos e usa uma iluminação<em> caravaggiesca</em>, (Caravaggio) deixando um lado do rosto imerso em sombra. Dava então tanta atenção aos detalhes superficiais dos trajes quanto aos traços de caráter. No auto-retrato posterior, Rembrandt tem 54 anos e o foco está no interior do homem, transmitido pela livre aplicação da tinta.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kJbSYUaJI/AAAAAAAAQGw/2nv_xbGyZQ4/s1600-h/Rembrandt%20van%20Rijn%2C%20Auto-Retrato%2C%201660.%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Rembrandt van Rijn, Auto-Retrato, 1660." border="0" alt="Rembrandt van Rijn, Auto-Retrato, 1660." src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7kJcBbsSrI/AAAAAAAAQG0/B4oHesTomhU/Rembrandt%20van%20Rijn%2C%20Auto-Retrato%2C%201660._thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="440" height="524" /></a>&#160;<font size="2" face="Verdana"><em>“Auto-Retrato”, Rembrandt, aos 54 anos, 1660</em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:f9cd9796-d613-4d21-b117-47d7617ea70f" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rembrandt+van+Rijn" rel="tag">Rembrandt van Rijn</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/auto-retratos" rel="tag">auto-retratos</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Depois de uma limpeza, ficou evidente que&#160; a cena se passava durante o dia, no dramático momento em que&#160; o grande&#160; capitão no centro dá a ordem de se pôr em marcha.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7j3JP1nUQI/AAAAAAAAQGg/c3EmqRmKOgk/s1600-h/A%20%20Guarda%20Noturna%20ou%20Ronda%20da%20Noite%2C%20Rembrandt%2C%201642%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Guarda Noturna ou Ronda da Noite, Rembrandt, 1642" border="0" alt="A Guarda Noturna ou Ronda da Noite, Rembrandt, 1642" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7j3KTjsm2I/AAAAAAAAQGk/_p7O_8P_PfE/A%20%20Guarda%20Noturna%20ou%20Ronda%20da%20Noite%2C%20Rembrandt%2C%201642_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="379" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“A Guarda Noturna” ou “Ronda Noturna”, Rembrandt, 1642</em></font>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Assim como<em> Hals,</em> Rembrandt revolucionou o retrato de grupo, não adotando o clichê de fileiras rigidamente ordenadas, mas captando um&#160; momento&#160; de ação coletiva, dando uma sensação de atividade febril&#160; por meio dos&#160; recursos barrocos de luz, movimento de pose. O capitão e o tenente parecem prestes&#160; a dar um passo para entrar no espaço do espectador, enquanto os contrastes entre focos de luz e fundo escuro obrigam a um olhar em ziguezague pela tela. As linhas diagonais cruzadas de lanças, mosquetes, bandeira, tambor e pessoas fazem a cena parecer caótica, mas, como convergem&#160; em ângulos retos, os elementos são parte de um padrão geométrico oculto que os mantém unidos. A harmonia de cores no uniforme do tenente e no vestido da menina , o vermelho da faixa e do uniforme do mosqueteiro também dão unidade ao quadro.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Diz a lenda que, como todos os membros da companhia tinham pago igualmente para se verem imortalizados no retrato, o fato de Rembrandt obscurecer alguns rostos desagradou aos modelos e marcou o começo do declínio das encomendas. Um discípulo do pintor disse que&#160; Rembrandt deu “<em><strong>maior atenção ao ímpeto de sua imaginação do que aos retratos&#160; individuais que deveria pintar</strong></em>”, mas acrescentou que o quadro é “<em><strong>tão arrojado em&#160; movimento e tão forte</strong></em>” que, comparadas a ele, outras pinturas parecem&#160; “<em><strong>cartas de baralho</strong></em>”</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="left"><font color="#400080" size="3" face="Verdana"><strong>O Estilo Rembrandt</strong></font></p> <table border="0" cellspacing="0" cellpadding="8" width="450"><tbody> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><strong>ESTILO INICIAL, C. 1622-1642</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><strong>ESTILO TARDIO, C. 1643-1669</strong></font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Contrastes dramáticos de luz/sombra</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Tons marrom-dourado, sombreado sutil</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Desenho parece saltar da tela</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Atmosfera estática, pensativa</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Cenas de grupos de figuras</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Cenas simplificadas com figura única</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Baseado na ação física</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Implica reação psicológica</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Tom vigoroso, melodramático</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Clima silencioso, solene</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Acabamento preciso, técnica detalhada.</font></p> </td> <td valign="top" width="225"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Pinceladas largas e grossas.</font></p> </td> </tr> </tbody></table> <p>&#160;</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:2794f503-9311-47a8-b0a7-dbf26df18e0f" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rembrandt+van+Rijn" rel="tag">Rembrandt van Rijn</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/estilo" rel="tag">estilo</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-7199567090482682734?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-72056329305693545912010-04-05T13:00:00.000-03:002010-04-05T13:00:05.543-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Provavelmente o pintor mais conhecido no mundo ocidental é <em><strong>Rembrandt van Rijn</strong></em> (1606-1669). Enquanto viveu, Rembrandt teve enorme sucesso como pintor de retratos. Atualmente, sua fama repousa principalmente nos quadros sérios, introspectivos, de seus últimos anos, pinturas em que o sombreado sutil implica uma extraordinária profundidade emocional.</font></p> <p align="justify"><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Início da carreira</strong></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Nos primeiros vinte anos de sua carreira, os retratos feitos por Rembrandt estavam sempre na moda, e ele vivia assoberbado com o número de encomendas. Apesar de prolífico no trabalho, era uma pessoa difícil de lidar. <em>“Um quadro fica pronto”</em> ele dizia, <em>“quando o pintor acha que está pronto.”</em> Os clientes frequentemente recorriam ao suborno para receberem seu retrato no prazo. Durante esse próspero período, Rembrandt pintava também cenas bíblicas e histórias em estilo barroco, obras extremamente detalhadas, com iluminação dramática e figuras melodramáticas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong></strong></font></p> <p align="center"><font color="#400080"><a title="Flora, Rembrandt, 1634, 1ª fase da carreira, óleo sobre tela." href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><font face="Verdana"><strong><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Flora, Rembrandt, óleo sobre tela, 1634, 1ª fase da carreira" border="0" alt="Flora, Rembrandt, óleo sobre tela, 1634, 1ª fase da carreira" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7jEyNhfAQI/AAAAAAAAQGU/_pkwcOHwa4U/Flora%2C%20Rembrandt%2C%20%C3%B3leo%20sobre%20tela%2C%201634%2C%201%C2%AA%20fase%20da%20carreira%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="484" /></strong></font></a><font face="Verdana"> <font color="#000000" size="2"><em>Flora, Rembrandt - 1634</em></font></font></font></p> <p><font color="#400080" face="Verdana"><strong>A virada da carreira</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">O ano de <em><strong>“A Guarda Noturna”</strong></em>, 1642 marcou uma virada na carreira de Rembrandt. Sua amada esposa morreu prematuramente e ele gradualmente&#160; abandonou a arte fácil do retrato com floreados barrocos, substituindo-os por um estilo calmo e profundo. Nessa fase de maturidade, a arte de Rembrandt tornou-se física e mais psicológica. Voltou-se para os temas&#160; bíblicos mas dando-lhes um tratamento mais contido. Uma gama de vermelhos e marrons e figuras solitárias passaram a dominar sua pintura, impregnada com o tema da solidão. Rembrandt expandiu os limites do <em>chiaroscuro,</em> usando gradações de luz e sombra de modo a transmitir clima, caráter e emoção.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7jE0Gema_I/AAAAAAAAQGY/gN0RRfgSJm0/s1600-h/A%20%20Guarda%20Noturna%20ou%20Ronda%20da%20Noite%2C%20Rembrandt%2C%201642%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Guarda Noturna ou Ronda da Noite, Rembrandt, 1642" border="0" alt="A Guarda Noturna ou Ronda da Noite, Rembrandt, 1642" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7jE1s2-sXI/AAAAAAAAQGc/oZE_8ckVo3Y/A%20%20Guarda%20Noturna%20ou%20Ronda%20da%20Noite%2C%20Rembrandt%2C%201642_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="379" /></a>&#160;<font size="2" face="Verdana"><em>Guarda Noturna ou Ronda da Noite, Rembrandt, 1642 – óleo sobre tela</em></font></p> <p align="left"><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Xilogavura</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Em termos de gravura, Rembrandt é considerado o mais perfeito de todos os tempos. Manuseava o buril com tamanha técnica e rapidez que seus trabalhos têm a espontaneidade de um esboço. Dizem que uma de suas gravuras mais conhecidas, a paisagem <em><strong>“Ponte dos Seis”,</strong></em> foi feita entre o primeiro e o segundo pratos de um jantar, enquanto a criada fora à vila buscar mostarda.</font></p> <p align="center"><font color="#000000" size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós- Moderno. imagem. Coleção Folha, Grandes&#160; Museus do Mundo.</em></font></p> <blockquote> <p align="center"><font size="1"><font face="Verdana"><font color="#000000"><font size="2"><strong>Buril:</strong></font><em> </em><font size="2">Instrumento de aço usado por gravadores.</font><font size="2"> </font></font></font></font></p> </blockquote> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:4b807557-6526-4b9a-948a-3292978cbfaa" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rembrandt" rel="tag">Rembrandt</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/xilogravura" rel="tag">xilogravura</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-7205632930569354591?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-58960485862649918262010-04-04T13:00:00.000-03:002010-04-04T13:00:02.163-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A contribuição de Frans Hals (1580-1666) para a arte foi sua habilidade para captar a expressão passageira. Seus quadros podiam retratar músicos, ciganos ou cidadãos respeitáveis, mas todos eram trazidos à vida, geralmente rindo e levantando uma caneca. Sua marca registrada são os retratos de homens e mulheres apanhados num momento de alegre diversão.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O quadro mais famoso de Hals. <strong><em>“O Cavaleiro Sorridente”</em></strong>, retrata um tipo matreiro com um sorriso nos lábios, brilho nos olhos e bigode airosamente&#160; curvado para cima. Hals obteve esse ar de gabolice principalmente com o efeito das pinceladas. Antes dele, os realistas holandeses se orgulhavam de disfarçar as pinceladas para esconder o processo de pintura, aumentando assim o realismo do quadro. A “assinatura” de Hals eram golpes do pincel, fortes, à maneira de esboço.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7PfwD7_tMI/AAAAAAAAQE0/8xOgdTbxN3E/s1600-h/O%20Cavaleiro%20Sorridente%2C%20Frans%20Hals%2C%201624.%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Cavaleiro Sorridente, Frans Hals, 1624." border="0" alt="O Cavaleiro Sorridente, Frans Hals, 1624." src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7Pfx-azZmI/AAAAAAAAQE4/B2ozIYZRrBo/O%20Cavaleiro%20Sorridente%2C%20Frans%20Hals%2C%201624._thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="379" height="484" /></a>“O Cavaleiro Sorridente”, Frans Hals, 1624</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em sua técnica <em><strong>alla prima</strong></em>, que significa “<em>de imediato”</em> em italiano, o artista aplica a tinta diretamente na tela, sem uma camada&#160; de preparação, e termina o quadro com essa única aplicação de tinta. Embora as pinceladas de Hals sejam claramente visíveis de perto, assim como nas telas de Rubens e Velázquez, formam imagens coerentes à distância e captam com perfeição o imediatismo do momento. Ele captou seu <em><strong>“Alegre</strong></em> <em><strong>Beberrão”</strong></em> congelando um momento de vida, os lábios separados como se prestes a falar, a mão no meio de um gesto.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7PfzbrqVbI/AAAAAAAAQE8/HcScvvNFP4U/s1600-h/O%20Alegre%20Beberr%C3%A3o%2C%20Frans%20Hals%2C%201627%2C%20%C3%B3leo%20sobre%20tela.%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Alegre Beberrão, Frans Hals, 1627, óleo sobre tela." border="0" alt="O Alegre Beberrão, Frans Hals, 1627, óleo sobre tela." src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7Pf08FepdI/AAAAAAAAQFA/pdcjliT8eGM/O%20Alegre%20Beberr%C3%A3o%2C%20Frans%20Hals%2C%201627%2C%20%C3%B3leo%20sobre%20tela._thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="379" height="454" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“O Alegre Beberrão”, Frans Hals, 1627</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Hals transformou a rígida convenção do retrato de grupo. Em seu <em><strong>“Banquete dos Oficiais da Companhia de Guarda São Jorge”</strong></em>, o artista não retrata os componentes da milícia como guerreiros, mas como festeiros num alegre banquete. Antes dele, a tradição mandava que os artistas pintassem os membros do grupo como numa foto da classe, dispostos como efígies em fileiras bem demarcadas, Hals sentou-os em poses relaxadas em volta de uma mesa, interagindo naturalmente, com cada expressão facial individualizada.</font></p> <p align="justify">&#160;</p> <p align="center"><a title="Banquete dos Oficiais da Companhia de São Jorge, Frans Hals." href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Banquete dos Oficiais da Companhia de Guarda São Jorge, Frans Hals" border="0" alt="Banquete dos Oficiais da Companhia de Guarda São Jorge, Frans Hals" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7Pf2LVzgMI/AAAAAAAAQFE/ywm43VvXv6A/Banquete%20dos%20Oficiais%20da%20Companhia%20de%20Guarda%20S%C3%A3o%20Jorge%2C%20Frans%20Hals%5B13%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="315" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“Banquete dos Oficiais da Companhia de São Jorge”, Frans Hals</em></font>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Embora a cena pareça improvisada, a composição tem um equilíbrio de poses e gestos, unidos pelo vermelho, pelo branco e pelo preto. As diagonais barrocas de estandartes, faixas e golas pregueadas reforçam a sensação de orgulho da farra de jovens.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os retratos sociais, alegres, das décadas de 1620 e 30, revelam o talento de Hals para avivar, e não preservar, o modelo. Infelizmente, seu final de vida foi triste. Embora retratista famoso, o amor ao vinho e à cerveja mostrado em seus quadros transbordou para sua vida pessoal. Com dez filhos e uma segunda mulher brigona sempre com problemas com a polícia, Hals “enchia a cara” toda noite, segundo um amigo seu, e morreu de ostracismo.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:31e1a2aa-2264-4005-aaba-79aa159bd477" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco+Holand%c3%aas" rel="tag">Barroco Holand&#234;s</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Frans+Hals" rel="tag">Frans Hals</a></div> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-5896048586264991826?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-67067805669015209282010-04-03T13:01:00.000-03:002010-04-03T13:01:00.420-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Surgiu como um gênero de pintura nos Países-Baixos pós-Reforma. Embora considerada uma forma inferior em outros lugares, o século XVII foi o período áureo da natureza-morta na Holanda, onde os artistas atingiram um extraordinário realismo retratando objetos domésticos. A natureza-morta era frequentemente emblemática: as pinturas vanitas mostravam símbolos como crânios e velas fumegantes representando a transitoriedade da vida.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7KDLjLHqOI/AAAAAAAAQEg/fRF7lL-nSqo/s1600-h/pintura%20vanita%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="pintura vanita" border="0" alt="pintura vanita" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7KDN9UYVWI/AAAAAAAAQEk/SySBZaeJHh0/pintura%20vanita_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="302" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Pieter Claesz, Vanitas, óleo sobre madeira, 1645</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os mestres holandeses que lançaram&#160; a natureza-morta como um gênero separado se interessavam pelo modo como a luz incidia em diferentes superfícies. A “Natureza-morta” de Heda contrapõe o fulgor mortiço do estanho ao brilho forte da prata e do cristal.</font></p> <p align="center"><a title="Natureza-morta,Willem Claesz Heda, c. 1635.jpg" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Natureza- Morta - Willem Claesz Heda, 1635" border="0" alt="Natureza- Morta - Willem Claesz Heda, 1635" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7KDP7dL8XI/AAAAAAAAQEo/iGL0QLDwbLk/Natureza-%20Morta%20-%20Willem%20Claesz%20Heda%2C%201635%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="356" /></a><em>“Natureza-morta”, Heda, c. 1636, óleo sobre madeira </em></p> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No século XVIII, o pintor francês Chardin difundiu o gênero no sul, concentrando-se em objetos modestos. Pintores do século XIX como Corot, Coubert e Manet usaram a natureza-morta para estudar as qualidades estéticas dos objetos. Cèzanne, os cubistas e os fovistas empregaram esse gênero para experimentações com estruturas e cores, enquanto o pintor italiano Morandi se concentrou quase exclusivamente em naturezas-mortas. Um estilo de pintura <em>trompe l’oeil fotorrealista</em> surgiu nos Estados Unidos com as naturezas-mortas dos irmãos Peale, seguido pelos “enganos” realistas de Harnett e Peto, e chegando a artistas contemporâneos, como Audrey Flack.</font></p> <p align="justify"><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Paisagem</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Antes do período barroco, as paisagens eram pouco mais que um fundo para o que acontecia no primeiro plano do quadro. Os holandeses consideraram a paisagem&#160; merecedora de um tratamento artístico próprio. Em&#160; contraste com a França, onde Poussin e Claude se concentraram numa natureza idealizada, os grandes paisagistas holandeses&#160; como Aelbert Cuyp, Jacob van Ruisdael e Meindert Hobbema&#160; trataram a natureza com realismo, geralmente com um fundo de altas nuvens num céu cinzento.</font></p> <p align="center"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7KDQVqTUxI/AAAAAAAAQEs/cXsZNp-FYC0/s1600-h/Moinho%20em%20Wijk-bij-Duurstede%2C%20Ruisdael%2C%20c.%201665%5B3%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Moinho em Wijk-bij-Duurstede, Ruisdael, c. 1665" border="0" alt="Moinho em Wijk-bij-Duurstede, Ruisdael, c. 1665" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7KDRDzCw4I/AAAAAAAAQEw/k-7tSyXHGVM/Moinho%20em%20Wijk-bij-Duurstede%2C%20Ruisdael%2C%20c.%201665%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="377" /></a><em>“Moinho em Wijk-bij-Duurstede”, Ruisdael. </em></font></p> <blockquote> <p align="center"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><em>As paisagens de Ruisdael transmitem dramaticidade através do céu tormentoso, das nuvens em movimento e de sol e sombra alternados cortando o horizonte baixo.</em></font></p> </blockquote> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><em></em></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">O mais versátil pintor de paisagens foi Ruisdael (1629-1682). Embora pintasse detalhes nitidamente definidos, enfatiza grandes espaços abertos de céu, água e campos, usava contrastes dramáticos de luz e sombra e nuvens ameaçadoras para infundir melancolia e sua obra. Essa expansividade e esse humor sombrio o distinguiram das centenas de artistas que trabalhavam&#160; em paisagens na época.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno. imagem:Coleção Folha, Grandes Museus do Mundo.RIJKSMUSEUM. Amsterdã.</em></font></p> <p align="justify"></p> <p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:4c266c75-c2f3-4382-8c11-6956082227fe" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/natureza-morta" rel="tag">natureza-morta</a></div> </p> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-6706780566901520928?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-67014635665393639812010-04-02T13:00:00.000-03:002010-04-02T13:00:05.630-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Embora a Holanda fizesse fronteira com Flandres, os dois países não podiam ser mais diferentes, tanto cultural como politicamente. Enquanto Flandres era regida pela monarquia e pela Igreja Católica, a Holanda – ou Países baixos – era um país independente, democrático e protestante. Nos rígidos e despojados templos protestantes, a arte religiosa era proibida e as fontes normais de mecenato – Igreja, corte e nobreza – tinham se acabado. O resultado foi uma democratização da arte, tanto em relação aos temas quanto aos proprietários.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Pela primeira vez, os artistas foram deixados&#160; à mercê do mercado. Felizmente, a próspera classe média tinha mania de colecionar arte. Em 1640, um visitante de Amsterdã observou: <em><strong>“Quanto à arte da Pintura e à afeição do povo pelos Quadros, acho que nenhuma outra se interpõe entre eles… Todos em geral se empenham em adornar suas casas pagando altos preços</strong></em>.” A demanda de obras era constante. Até açougueiros, padeiros e ferreiros compravam quadros para decorar suas lojas. </font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Tamanho entusiasmo produziu um surto de pintura de alta qualidade e um grande número de artistas especializados em temas específicos, como naturezas-mortas, marinhas, interiores e animais. No século XVII, havia na Holanda mais de quinhentos pintores trabalhando apenas em naturezas-mortas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A arte holandesa floresceu entre 1610 e 1670. Seu estilo realista elege como principal tema o lugar-comum. Mas o que fez de seus criadores mais do que apenas bons técnicos foi sua habilidade para captar os jogos de luz em diferentes superfícies e para sugerir texturas – das opacas às luminosas – conforme a luz é absorvida ou refletida. A maioria desses pintores, é chamada de <em><strong>Pequenos Holandeses</strong></em>, para distingui-los dos grandes mestres como<em> Halls, Rembrandt</em> e <em>Vermeer</em>, que foram além da excelência técnica e chegaram à verdadeira originalidade.</font></p> <p align="center"><font color="#000000" size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <p></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:5a24cee2-f604-4d53-a2ad-8390eeaba009" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco+Holand%c3%aas" rel="tag">Barroco Holand&#234;s</a></div> <p></p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Trabalhou com Rubens em Antuérpia durante alguns anos, mas, descontente por estar em segundo plano, seguiu seu próprio caminho, primeiro na Itália e mais tarde na Inglaterra, onde se tornou pintor da corte de<em><strong> Carlos I</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Bonito, frívolo e fabulosamente talentoso, o pintor era chamado de <em><strong>il pittore cavalleresco</strong></em> por sua esnobe futilidade. Convivia com a alta sociedade e se vestia com ostentação, trazendo sempre a espada na cinta, e adotou o girassol como seu símbolo pessoal. Magnífico retratista, van Dyck lançou um estilo nobre e ao mesmo tempo íntimo, psicologicamente penetrante, que influenciou três gerações de pintores.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Van Dyck transformou as congeladas imagens oficiais da realeza em seres humanos. Nessa nova modalidade do retrato, ele colocava os aristocratas em cenários com colunas clássicas e cortinas tremeluzentes para transmitir a ideia de refinamento e status. No entanto, a facilidade de composição de van Dyck e seu senso de movimento contido, como se o personagem estivesse numa pausa, e não numa pose, emprestavam humanidade à cena que, de outra forma, seria empedernida.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Outro motivo de popularidade de van Dyck era sua habilidade para favorecer o modelo: em seus pincéis, todos se tornavam esbeltos padrões de perfeição, apesar do testemunho ocular em contrário. Carlos I era feio e atarracado, mas as mãos de van Dyck fizeram um vistoso rei cavaleiro, de pé num outeiro, como um guerreiro supervisionando o campo de batalha, sob um dossel de folhas de uma frondosa árvore. Um truque usado por van Dyck era pintar a proporção entre cabeça e corpo na razão de um para sete, em vez de um para seis, como se usava. Esse recurso alongava a figura, mostrando-a mais esguia.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="Carlos I na Caçada, van Dyck, 1635" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Carlos I na Caçada, van Dyck, 1635, Louvre, Paris." border="0" alt="Carlos I na Caçada, van Dyck, 1635, Louvre, Paris." src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7FOOFrJ4AI/AAAAAAAAQD8/qYYG3k9bcuA/Carlos%20I%20na%20Ca%C3%A7ada%2C%20van%20Dyck%2C%201635%2C%20Louvre%2C%20Paris.%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="588" /></a> <font size="2" face="Verdana"><em>Carlos I na Caçada, Anthony van Dyck</em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:4716392c-da1d-4e52-80bc-5ece2056165d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/barroco+flamengo" rel="tag">barroco flamengo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Anthony+van+Dyck" rel="tag">Anthony van Dyck</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pintor" rel="tag">pintor</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos"><font size="2" face="Verdana"><strong><u>Assine nosso feed, e receba nossas atualizações por e-mail.</u></strong></font></a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-3338423514053729317?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-79283456220593516702010-03-31T13:00:00.000-03:002010-03-31T13:00:02.063-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O projeto mais ambicioso de Rubens foi a sequência de quadros retratando a vida de <em><strong>Marie de Médici</strong></em>, da França, uma rainha tola e cheia de caprichos, lembrada principalmente por esbanjar grandes somas de dinheiro, pelas brigas incessantes com seu marido (ela reinou temporariamente depois que ele foi assassinado) e por contratar Rubens para decorar duas galerias com pinturas comemorando seus feitos “heróicos”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><em><strong>“Meu talento é tal”,</strong></em> escreveu Rubens <strong><em>“que nenhuma tarefa, por maior que seja em tamanho… jamais superou a minha coragem.”</em></strong> Coerente com sua bravata, ele concluiu esses 21 óleos de grande porte em apenas três anos, praticamente sem ajuda de assistentes. Ainda mais difícil deve ter sido criar gloriosas cenas épicas, dada a matéria-prima. Também nessa empreitada o tato de Rubens mostrou-se à altura da tarefa. Retratou Marie dando à luz seu filho, como uma solene cena de natividade. Seu painel sobre a educação de Marie apresenta deidades como Minerva e Apolo ensinando-lhe música e eloquência.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em <strong><em>“Marie Chega a Marselha”,</em></strong> a deusa da Fama anuncia com trombetas douradas o desembarque da rainha na França. Diplomaticamente, Rubens omitiu o queixo duplo de Marie (apesar de, em cenas posteriores, retratar sua majestosa corpulência) e se concentrou em três voluptuosas enviadas de Netuno em primeiro plano. Chegando a pintar deliciosas gotas de água nas amplas nádegas dessas ninfas.</font></p> <p align="center"><a title="&quot;Marie Chega a Marselha&quot;, Peter Paul Rubens, Louvre, Paris.jpg" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Marie Chega a Marselha, Rubens 1622-25, Louvre, Paris" border="0" alt="Marie Chega a Marselha, Rubens 1622-25, Louvre, Paris" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S7D8H6jeEbI/AAAAAAAAQD4/Kl4F7VX5Abc/Marie%20Chega%20a%20Marselha%2C%20Rubens%201622-25%2C%20Louvre%2C%20Paris%5B15%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="667" /></a>“Marie Chega&#160; a Marselha”, Rubens 1622-1625. Louvre, Paris </p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Rubens compartilhou a tendência ao excesso típica da época barroca, presente nas cores exuberantes, na riqueza dos trajes, nos detalhes dourados. Aplicava o mesmo vigor à sua vida e ao seu trabalho. Qualquer que fosse o tema, Rubens imprimia à pintura um clima de triunfo e dizia: <em><strong>“O importante não é viver muito, mas viver bem!”</strong></em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:7233fa37-0f3e-4527-b3da-c3951e520742" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Peter+Paul+Rubens" rel="tag">Peter Paul Rubens</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco+flamengo" rel="tag">barroco flamengo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Marie+de+M%c3%a9dici" rel="tag">Marie de M&#233;dici</a></div> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Asine nosso feed. 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A história da pintura barroca flamenga é na verdade a história de um homem, <em><strong>Sir Peter Paul Rubens</strong></em> (1577-1640).</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><em><strong>“Príncipe dos pintores e pintor dos príncipes”,</strong></em> segundo um embaixador inglês, Rubens teve uma vida sofisticada, que o levou às cortes da Europa como pintor e como diplomata. De fato, era um pintor mais europeu que regional, que trabalhou para os governantes de <em><strong>Itália, França, Espanha</strong></em> e<em><strong> Inglaterra</strong></em>, além de <em><strong>Flandres.</strong></em> Consequentemente, seu estilo sintetiza os estilos e os conceitos do sul e do norte.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Um raro gênio criativo que reunia tanto o sucesso mundano quanto a felicidade pessoal, Rubens tinha uma formação clássica e era sociável, bonito, vigoroso e viajado. Falava fluentemente seis idiomas e tinha uma energia inextinguível. Alguém que visitou seu estúdio relata que viu o mestre pintando enquanto ouvia uma leitura de Ovídio em latim, mantinha uma conversação culta e ditava uma carta – tudo ao mesmo tempo. Um mecenas disse que <em><strong>“Rubens tem tantos talentos que seu conhecimento de pintura pode ser considerado o menor deles”.</strong></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A energia é o segredo da vida e da obra de Rubens. Sua produção de mais de dois mil quadros é comparável apenas à de Picasso. Vivia sobrecarregado de encomendas, que o tornaram rico e renomado. Acordava às quatro da madrugada e trabalhava sem parar até a noite. Ainda assim, precisava de uma equipe de assistentes para atender à demanda. Seu estúdio foi comparado a uma fábrica onde Rubens fazia pequenos esboços em cores, em óleo, ou delineava uma obra em tamanho definitivo, que seus assistentes pintavam (foi assim que<em><strong> van Dyck</strong></em> começou) e ele dava os toques finais.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Seu estúdio em Antuérpia <em>(hoje aberto a visitação pública</em>) ainda mantém o balcão sobre a área de trabalho de onde os visitantes podiam assistir à pintura de suas grandes obras. Alguém relatou uma cena de Rubens de braços cruzados, olhando fixamente para um painel em banco, e depois explodindo numa torrente de pinceladas que cobriram o painel inteiro.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6_sJ2IRvOI/AAAAAAAAQDY/0l-7pnyZjz0/s1600-h/Descida%20da%20Cruz%2C%20Rubens%2C%20c.%201612.%20Catedral%20da%20Antu%C3%A9rpia.%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Descida da Cruz, Rubens, c. 1612. Catedral da Antuérpia." border="0" alt="Descida da Cruz, Rubens, c. 1612. Catedral da Antuérpia." src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6_sKws80oI/AAAAAAAAQDc/uOm_thAsAy8/Descida%20da%20Cruz%2C%20Rubens%2C%20c.%201612.%20Catedral%20da%20Antu%C3%A9rpia._thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="353" height="484" /></a>&#160;<font size="2" face="Verdana"><em>“A Descida da Cruz”, Peter Paul Rubens</em></font></p> <p></p> <blockquote> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>Esse quadro, pleno de curvas barrocas e iluminação dramática, consagrou a reputação de Rubens</em></font></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:d6d6d99e-9d18-4b32-bc38-d67bfb84ecc4" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Peter+Paul+Rubens" rel="tag">Peter Paul Rubens</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco+flamengo" rel="tag">barroco flamengo</a></div> </blockquote> <p align="center">Assine nosso feed. É Grátis.</p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-2643309030396225641?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-47143710466043060392010-03-29T13:00:00.000-03:002010-03-29T13:00:02.295-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O que Caravaggio fez com a pintura, Francesco Borromini (1599-1667) fez com a arquitetura. Assim como os temas iluminados pelo pintor parecem saltar da tela para o espectador, as paredes ondulantes de Borromini criam a impressão de receber luz estroboscópica. A originalidade desses dois artistas revolucionou seus respectivos campos.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Borromini era um gênio rebelde, emocionalmente perturbado, que acabou se suicidando. Filho der um pedreiro, trabalhou primeiro como cortador de pedra para Bernini, e mais tarde se tornou seu arqui-rival. Mas enquanto Bernini chegou a empregar 39 assistentes para executar seus projetos esboçados às pressas, o introspectivo Borromini trabalhava obsessivamente todos os pormenores decorativos de suas obras. Rejeitava numerosas ideias antes de dizer “questo!” (“É isso!”), quando finalmente se decidia.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Mesmo em construções de dimensões modestas, Borromini combinava formas nunca antes articuladas, de uma maneira extraordinária. A estranha justaposição de superfícies côncavas e convexas fazia suas paredes parecerem vivas. De fato, essa qualidade, assim como os complexos desenhos de pisos, foi comparada às múltiplas vozes das figuras para órgão de Bach, ambas destinadas a produzir exaltação.</font></p> <p>&#160;</p> <blockquote> <p align="justify"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6-cfE5UMtI/AAAAAAAAQDI/F61w91SUl7k/s1600-h/Fachada%20de%20San%20Carlo%20alle%20Quattro%20Fontane%2C%20Borromini%2C%201665-67%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane, Borromini, 1665-67" border="0" alt="Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane, Borromini, 1665-67" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6-cgwYCaYI/AAAAAAAAQDM/YV5G5Rvtaqs/Fachada%20de%20San%20Carlo%20alle%20Quattro%20Fontane%2C%20Borromini%2C%201665-67_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="325" height="484" /></a> Fachada de <strong>San Carlo alle Quattro Fontane,</strong> Borromini. A marca registrada de Borromini é a superfície alternadamente convexa e côncava para criar a ilusão de movimento.</p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Apesar da grande elasticidade dos prédios de Borromini, a estrutura é sempre unificada e coesa. As paredes recortadas da <em><strong>Igreja de São Ivo</strong></em>, em Roma, seguem um afilamento contínuo em direção ao topo de um fantástico domo de seis abóbadas, sendo a moldura do domo idêntica à forma das paredes abaixo – uma parte orgânica do todo, em oposição ao domo renascentista, que é separado e colocado sobre um bloco de suporte. A diversidade de curvas e contracurvas típica da obra de Borromini é evidente em <em><strong>San Carlo alle Quattro Fontane</strong></em>, onde as paredes serpenteiam, parecendo estar em movimento.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6-ciICuUXI/AAAAAAAAQDQ/6kUQ1NyNhaE/s1600-h/Igreja%20de%20S%C3%A3o%20Ivo%2C%20Roma%20-%20Borromini%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Igreja de São Ivo, Roma - Borromini" border="0" alt="Igreja de São Ivo, Roma - Borromini" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6-cj8I08DI/AAAAAAAAQDU/vZBI7r1nYak/Igreja%20de%20S%C3%A3o%20Ivo%2C%20Roma%20-%20Borromini_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="484" /></a> <em>Igreja de São Ivo, Roma, Borromini</em></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:8183de55-8e58-492c-a020-c4786b43f913" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Borromini" rel="tag">Borromini</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arquitetura" rel="tag">arquitetura</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O ponto focal do interior é o altar com pálio (também chamado de Baldaquino ou dossel), obra de Bernini, em bronze, sob o domo central, marcando o local do túmulo de São Pedro. Mais alto que um edifício de dez andares, esse impressionante monumento consta de quatro gigantescas colunas espiraladas (cobertas em entalhes de vinhas, folhas, abelhas) que se lançam para o alto como enormes saca-rolhas. O conjunto que inclui quatro colossais anjos de bronze nos quatro cantos do pálio, é a essência do estilo barroco. Sua mistura de formas e cores aliadas aos materiais produz um efeito teatral de esplendor imaginativo</font>.</p> <p align="center"><em><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61epDhm8mI/AAAAAAAAQBw/rdRFi7tujf8/s1600-h/Altar%20com%20P%C3%A1lio%2C%20Colunas%20de%20Bernini%2C%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma%5B5%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Altar com Pálio, Colunas de Bernini, Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" border="0" alt="Altar com Pálio, Colunas de Bernini, Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61err4LoFI/AAAAAAAAQB0/BNkqWzsHMX0/Altar%20com%20P%C3%A1lio%2C%20Colunas%20de%20Bernini%2C%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="648" /></a>Altar com Pálio </em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Para dar um toque climático no ponto ao fundo da nave, Bernini criou a Cathedra Petri, outra extravagância multimídia para realçar a modesta cadeira de madeira de São Pedro. A suntuosa composição inclui quatro imensas figuras de suporte para o trono – quase sem toca-lo – envolvidas por uma revoada de anjos e vagalhões de nuvens. Banhando-se em raios de luz dourada de um vitral acima, tudo parece se movimentar.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61es68ymrI/AAAAAAAAQB4/nEEdkqF4VHQ/s1600-h/Catedra%20Petri%2C%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Catedra Petri, Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" border="0" alt="Catedra Petri, Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61eu-tqdMI/AAAAAAAAQB8/YVKPAtGUCYY/Catedra%20Petri%2C%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="679" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Cathedra Petri</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Do lado de fora da basílica, Bernini projetou a grande praça cercada por duas colunatas semicirculares cobertas, apoiadas em fileiras de quatro colunas&#160; sob a arcada. Ela planejou as arcadas flanqueando o imenso espaço oval como se fossem os braços maternais da Igreja acolhendo os peregrinos na Basílica de São Pedro.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61evkE79pI/AAAAAAAAQCA/NoSzzZyoZy0/s1600-h/Vista%20da%20pra%C3%A7a%20das%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma%5B10%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Vista da praça das Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" border="0" alt="Vista da praça das Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S61ewhvbimI/AAAAAAAAQCE/E8zwXdjodR4/Vista%20da%20pra%C3%A7a%20das%20Bas%C3%ADlica%20de%20S%C3%A3o%20Pedro%2C%20Vaticano%2C%20Roma_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="321" /></a>&#160;<em>Vista da praça da Basílica de São Pedro, Vaticano, Roma</em></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:1f40b5a4-fbb1-490b-9713-2954366e890b" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Bernini" rel="tag">Bernini</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Bas%c3%adlica+de+S%c3%a3o+Pedro" rel="tag">Bas&#237;lica de S&#227;o Pedro</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Vaticano" rel="tag">Vaticano</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Ele chegou a construir uma capela como cenário para expo-la, incluindo balcões pintados nas paredes, cheios de “espectadores” em relevo.</font></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Enquanto viveu,&#160;&#160; Santa Tereza tinha visões e ouvia vozes, acreditando que havia sido trespassada pelo dardo de um anjo, que lhe infundiu o amor divino. Ela descrevia sua experiência mística em termos que beiravam o erótico. <em>“A dor foi tão grande que gritei; mas ao mesmo tempo senti uma doçura tão infinita que desejei que a dor durasse para sempre.”</em></font></p> <blockquote> <p align="justify"><a title="&quot;O Êxtase de Santa Tereza&quot;, Gianlorenzo Bernini, 1645-52" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="O Êxtase de Santa Teresa, Bernini, 1645-52, Capela Cornaro" border="0" alt="O Êxtase de Santa Teresa, Bernini, 1645-52, Capela Cornaro" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S600WC2dBPI/AAAAAAAAQBc/y34FaZOz7g0/O%20%C3%8Axtase%20de%20Santa%20Teresa%2C%20Bernini%2C%201645-52%2C%20Capela%20Cornaro%5B8%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="653" /></a><em>“O Êxtase de Santa Tereza”, Bernini, 1645-1652, Capela Cornaro. Santa Maria della Vittória, Roma. Bernini fundiu escultura, pintura e arquitetura num ambiente total destinado a exacerbar a emoção.</em></p> </blockquote> <p align="justify">&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S600hQmexOI/AAAAAAAAQBg/A3QQz7NcOFA/s1600-h/O%20%C3%8Axtase%20de%20Santa%20Teresa%2C%20Bernini%2C%201645-52%2C%20Capela%20Cornaro.%20detalhejpg%5B2%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="O Êxtase de Santa Teresa, Bernini, 1645-52, Capela Cornaro. detalhejpg" border="0" alt="O Êxtase de Santa Teresa, Bernini, 1645-52, Capela Cornaro. detalhejpg" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S600iH636GI/AAAAAAAAQBk/VFcVtW_r9nk/O%20%C3%8Axtase%20de%20Santa%20Teresa%2C%20Bernini%2C%201645-52%2C%20Capela%20Cornaro.%20detalhejpg_thumb.jpg?imgmax=800" width="227" height="244" /></a> </p> <blockquote> <p align="center"><em>“O Êxtase de Santa Tereza,&#160; Bernini, detalhe</em></p> </blockquote> <p align="center">&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A escultura de Bernini, em mármore, representa a santa desfalecida numa nuvem, expressando na face uma mistura de êxtase e exaustão. Como a Igreja da Contra-Reforma sublinhava a importância de seus membros reviverem a Paixão de Cristo, Bernini tentava induzir os fiéis a uma intensa experiência religiosa, lançando mão de todos os artifícios operísticos para criar um ambiente totalmente artístico na capela. A santa e o anjo parecem flutuar nas ondulações das nuvens, banhados por raios dourados que jorram de uma abóbada celeste pintada no teto da capela. O virtuosismo do artista com a textura faz a “carne” do mármore branco parecer estremecer de vida, e igualmente convincentes&#160; são as plumas das asas do anjo e a inconsistência das nuvens. Todo o altar palpita de emoção, drama e paixão.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:1c97af99-22d6-4d87-8f0d-967f09dc38fb" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Bernini" rel="tag">Bernini</a>,<a href="http://technorati.com/tags/obra-prima" rel="tag">obra-prima</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Santa+Tereza" rel="tag">Santa Tereza</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-8523964454767065702?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-67497031935382109602010-03-26T17:05:00.001-03:002010-03-26T17:05:28.708-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Gianlorenzo Bernini (1598-1610) foi mais que um escultor do período barroco. Foi também <em><strong>arquiteto, pintor teatrólogo, compositor</strong></em> e <em><strong>cenógrafo de teatro</strong></em>. <strong><em>Caricaturista brilhante</em></strong>, quando não estava esculpindo em mármore, com a mesma facilidade com que modelava a argila, escrevia comédias e óperas. Mais que qualquer outro artista, ele deixou sua marca em Roma, com suas fontes, sua arte religiosa e seu projeto da <em><strong>Basílica de São Pedro</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Filho de escultor, aos 25 anos de idade Bernini esculpiu no mármore seu notável <em><strong>“Davi”.&#160; </strong></em>Diferentemente de Michelangelo com seu “Davi” em que a força é puxada para cima, Bernini extrai da pedra o movimento tensional e captura o momento de torção máxima. Mordendo os lábios num esforço violento, o Davi de Bernini transmite a força prestes a ser&#160; libertada, causando em quem está diante da estátua um ímpeto de se esquivar. Essa energia explosiva, dinâmica, sintetiza a arte barroca e envolve o espectador em seu movimento e emoção, ameaçando irromper de seu confinamento físico.</font></p> <p align="center"><a title="Davi, Bernini" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Davi, Bernini" border="0" alt="Davi, Bernini" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S60TgkblZUI/AAAAAAAAQBQ/oNePW5203p4/Davi%2C%20Bernini%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="349" height="484" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>“Davi”, Bernini, Galleria Borghese, Roma</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S60ThHbeIZI/AAAAAAAAQBU/TdELHXDEwjM/s1600-h/Davi%2C%20Bernini%2C%20detalhe%5B2%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="Davi, Bernini, detalhe" border="0" alt="Davi, Bernini, detalhe" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S60Th92jjOI/AAAAAAAAQBY/YtpaPctYzDI/Davi%2C%20Bernini%2C%20detalhe_thumb.jpg?imgmax=800" width="200" height="244" /></a>&#160;</font></em></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana">Davi, Bernini, detalhe</font></em></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:a0f79666-6678-4ccb-9538-113a678e08db" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Gianlorenzo+Bernini" rel="tag">Gianlorenzo Bernini</a>,<a href="http://technorati.com/tags/barroco" rel="tag">barroco</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Conduziu o realismo a novas alturas, pintando corpos em estilo absolutamente<em> <strong>“barra pesada</strong></em>”, em oposição aos pálidos fantasmas maneiristas. Desse modo Caravaggio secularizou a arte religiosa, fazendo os santos parecerem gente comum e os milagres, eventos do cotidiano.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Embora se especializasse em grandes pinturas religiosas, Caravaggio defendia a “<em>pintura direta</em>” da natureza – ao que parece, diretamente dos cortiços mais sórdidos. No “<em><strong>Chamado de São Mateus</strong></em>”, por exemplo, o futuro apóstolo está numa taverna escura, cercado de homens chiques contando dinheiro, quando Cristo ordena: “<em>Siga-me</em>”. Um foco de luz diagonal ilumina a expressão aterrada e o gesto de perplexidade do coletor de impostos.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Conversão de São Paulo, Caravaggio" border="0" alt="A Conversão de São Paulo, Caravaggio" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6vBlaZ10EI/AAAAAAAAQBI/0wxJQjePQNA/A%20Convers%C3%A3o%20de%20S%C3%A3o%20Paulo%2C%20Caravaggio%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="370" height="484" /></a><em> A Conversão de São Paulo, Caravaggio, 1601</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na “<em><strong>Ceia em Emaús</strong></em>”, Caravaggio mostra o momento em que os apóstolos descobrem que seu companheiro à mesa é o Cristo ressuscitado como se fosse um encontro inesperado num bar. Os discípulos empurrando as cadeiras para trás e estendendo os braços, uma tigela de frutas secas prestes a cair da mesa, fazem a ação saltar para fora do quadro envolvendo o espectador na cena. “<em><strong>A Conversão de São Paulo</strong></em>” confirma a habilidade de Caravaggio para lançar um olhar novo sobre um tema tradicional. Outros pintores retrataram o fariseu Saul convertido por uma voz vinda do alto e Cristo sentado num trono celestial cercado por uma corte de anjos. Caravaggio mostra São Paulo estendido no chão, caído de um cavalo cuja traseira é pintada explicitamente em primeiro plano. O foco de luz revela detalhes como as veias das pernas do cavalariço e sulcos na armadura de São Paulo, enquanto os elementos não essenciais desaparecem no fundo escuro.</font></p> <p align="center"><a title="A Ceia de Emaús, Caravaggio, 1601, Barroco" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Ceia em Emaús, Caravaggio, 1601, óleo e têmpera sobre tela" border="0" alt="A Ceia em Emaús, Caravaggio, 1601, óleo e têmpera sobre tela" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6vBmM5JQJI/AAAAAAAAQBM/ni9xTnZQPLI/A%20Ceia%20em%20Ema%C3%BAs%2C%20Caravaggio%2C%201601%2C%20%C3%B3leo%20e%20t%C3%AAmpera%20sobre%20tela%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="321" /></a><em> <font size="2" face="Verdana">A Ceia em Emaús, Caravaggio, 1601</font></em></p> <p><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Caravaggio usa a perspectiva de modo a trazer o espectador para dentro da ação. O <em>chiaroescuro</em> captura as emoções e intensifica o impacto da cena por meio dos contrastes de luz e sombra. Essa encenação não tradicional, teatral, joga um único foco de luz crua sobre o tema em primeiro plano para concentrar a atenção do espectador na força do evento e na reação dos personagens. Devido ao fundo escuro adotado por Caravaggio, seu estilo foi chamado<em> <strong>il tenebroso</strong></em> (estilo das trevas)</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Muitos dos que encomendaram decoração de altares a Caravaggio se recusaram&#160; a aceitar suas versões, considerando-as profanas e vulgares. No entanto a escolha de tipos suspeitos, de gente das classes baixas, como modelos adequados à arte religiosa, exprime a concepção, sustentada pela Contra-Reforma, de que a fé era acessível a todos.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Na visão do pintor contemporâneo Poussin, conhecido por suas cenas pacíficas, Caravaggio era um subversivo, um traidor da arte da pintura. Para a polícia, ele era um fugitivo procurado por homicídio. Mas para os grandes artistas Rubens, Velazquez e Rembrandt, ele era um audacioso inovador que lhes ensinou a tornar a pintura religiosa ao mesmo tempo hiper-real e absolutamente imediata.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:8cfa9f42-2637-465f-bd8e-27dbc9dd8fbd" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Caravaggio" rel="tag">Caravaggio</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pinturas+religiosas" rel="tag">pinturas religiosas</a>,<a href="http://technorati.com/tags/foco+de+luz" rel="tag">foco de luz</a>,<a href="http://technorati.com/tags/fundo+escuro" rel="tag">fundo escuro</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.blogspot.com"><font size="2" face="Verdana">Assine nosso feed. 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Nessa época, foram fundadas academias de arte para ensinar aos artistas as técnicas desenvolvidas na Renascença. Podia-se representar com perfeição o corpo humano visto de qualquer ângulo, desenhar a mais complexa perspectiva e reproduzir realisticamente qualquer aparência. O Barroco divergia do Renascimento, colocando a ênfase na emoção e não na racionalidade, no dinâmico e não no estático, como se os artistas barrocos pegassem as figuras da Renascença e as pusessem num redemoinho. Três artistas, em diferentes meios, representaram com excelência o pináculo do Barroco italiano: o pintor <em><strong>Caravaggio</strong></em>, e escultor <em><strong>Bernini</strong></em> e o arquiteto<em><strong> Borromini</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong><em>Michelangelo Merisi da Caravaggio</em></strong></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6l6pVLM0bI/AAAAAAAAQA0/Ei3jlKfJa7E/s1600-h/AConversodeSoPauloCaravaggio4.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="A Conversão de São Paulo, Caravaggio" border="0" alt="A Conversão de São Paulo, Caravaggio" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6l6qfn-CCI/AAAAAAAAQA4/1YPTN1NPaaQ/AConversodeSoPauloCaravaggio_thumb2.jpg?imgmax=800" width="370" height="484" /></a>A Conversão de São Paulo, Caravaggio, c. 1601, Santa Maria Del Popolo, Roma </font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong><em>Giovanni Lorenzo Bernini</em></strong></font></p> <p align="center"><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="Apolo e Daphne, Bernini" border="0" alt="Apolo e Daphne, Bernini" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6l6sA21opI/AAAAAAAAQA8/YHeD3x5N42I/ApoloeDaphneBernini_thumb1.jpg?imgmax=800" width="328" height="590" /></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>Daphne e Apolo, Bernini</em></font></p> <p align="center"><em><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong></strong></font></em></p> <p align="center"><strong><em><font color="#400080" size="2" face="Verdana">Francesco Burromini</font></em></strong></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6l6tTweGiI/AAAAAAAAQBA/fTjbOcU61kk/s1600-h/SanCarlino163816414.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="San Carlino, 1638-1641" border="0" alt="San Carlino, 1638-1641" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6l6w6FrzSI/AAAAAAAAQBE/vnN9tV38QcU/SanCarlino16381641_thumb2.jpg?imgmax=800" width="340" height="374" /></a> </p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>San Carlino, Francesco Burromini</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1">Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</font>.</font></font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:43c31890-3d69-41ef-a311-c34111eaed40" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/It%c3%a1lia" rel="tag">It&#225;lia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Bernini" rel="tag">Bernini</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Caravaggio" rel="tag">Caravaggio</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Burromini" rel="tag">Burromini</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Entre estes encontra-se a italiana <em><strong>Artemisia Gentileschi</strong></em> (1593-1653), a primeira mulher a ser conhecida e apreciada como pintora. Artista extremamente talentosa, que viajava por muitos lugares e tinha uma vida cheia e independente, coisa rara para uma mulher naqueles tempos. Gentileschi pintou temas feministas no estilo de Caravaggio, jogando a iluminação nas figuras principais contra o escuro quase liso.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6lrK3IkdrI/AAAAAAAAQAk/-Q_tv0pbNWY/s1600-h/Aremisia%20Gentileschi%2C%20auto%20retrato%2C%201615%2C%20%C3%B3leom%20sobre%20tela%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Aremisia Gentileschi, auto retrato, 1615, óleo sobre tela" border="0" alt="Aremisia Gentileschi, auto retrato, 1615, óleo sobre tela" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6lrMsV5CLI/AAAAAAAAQAo/tOAWYYtrKWQ/Aremisia%20Gentileschi%2C%20auto%20retrato%2C%201615%2C%20%C3%B3leom%20sobre%20tela_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="362" height="484" /></a><em>Artemísia Gentileschi, auto-retrato, 1615 – óleo sobre tela</em>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Estudante de arte, aos 19 anos <em><strong>Gentileschi foi estuprada</strong></em> por um colega e submetida a um julgamento humilhante, em que sofreu torturas para obriga-la a se retratar da acusação. O estuprador foi absolvido, e ela se dedicou a pintar mulheres em violentas cenas de vingança contra homens. Em “<em><strong>Judite e Criada com a Cabeça de</strong></em> <em><strong>Holofernes</strong></em>”, Gantileschi pintou a heroína hebreia (em cinco quadros diferentes) como um auto-retrato explícito. Tenso uma vela como única fonte de luz, a pintura exala ameaça e terror, mostrando Judite decapitando o lúbrico general babilônico para salvar Israel.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6lrNe6zQ3I/AAAAAAAAQAs/trI07HG77AA/s1600-h/Judite%20e%20Criada%20com%20a%20cabe%C3%A7a%20de%20Holofernes%2C%20Artemisia%20Gentileschi%5B4%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Judite e Criada com a cabeça de Holofernes, Artemisia Gentileschi" border="0" alt="Judite e Criada com a cabeça de Holofernes, Artemisia Gentileschi" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6lrOeva-5I/AAAAAAAAQAw/_23TH7o7uAA/Judite%20e%20Criada%20com%20a%20cabe%C3%A7a%20de%20Holofernes%2C%20Artemisia%20Gentileschi_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="324" height="399" /></a> <em><font size="1" face="Verdana">Judite e Criada Com a Cabeça de Holofernes, Artemisia Gentileschi</font></em></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><strong><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></strong></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:052f7028-ae58-4e8c-812a-b6e8f6d78fa4" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/seguidores" rel="tag">seguidores</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Caravaggio" rel="tag">Caravaggio</a>,<a href="http://technorati.com/tags/mulher" rel="tag">mulher</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pintora" rel="tag">pintora</a>,<a href="http://technorati.com/tags/estupro" rel="tag">estupro</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Embora o termo “barroco” seja às vezes usado no sentido negativo de superelaboração e ostentação, o século XVII não só produziu gênios artísticos excepcionais, como Rembrandt e Velazquez, mas também expandiu o papel da arte para a vida cotidiana.&#160; Artistas hoje chamados de barrocos ocorreram a Roma, vindos de toda a Europa, para estudar as obras-primas da antiguidade clássica e da Alta Renascença. Voltando à terra de origem, acrescentaram às suas obras as particularidades culturais de cada região. Assim como os colonizadores do século XVII seguiram os exploradores do século XVI, os artistas desenvolveram as descobertas anteriores. Enquanto os estilos abrangiam desde o realismo italiano ao exagero francês, o elemento comum era a sensibilidade e o absoluto domínio da luz para obter o máximo impacto emocional.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A era barroca começou em Roma por volta de 1600, quando os papas se dispuseram a financiar magníficas catedrais e grandes trabalhos, para manifestar o triunfo da fé católica depois da Contra-Reforma, e para atrair novos fiéis com a dramaticidade das “imperdíveis” obras de arquitetura. O movimento se expandiu para a França, onde os monarcas absolutistas reinavam por direito divino e gastavam somas faraônicas para se glorificar. Os palácios se tornavam ambientes de encantamento, projetados para impressionar os visitantes com o poder e a glória do rei. A riqueza proveniente das colônias sustentava o luxo do mobiliário, dos jardins, e a arte ostentada em palácios como Versailles, de Luís XIV. Embora tão opulenta como a arte religiosa, a pintura francesa elegia temas não-religiosos, derivados de modelo da Grécia e de Roma, como as tranquilas paisagens habitadas por deidades pagãs, de Poussin.</font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6acGwhMi2I/AAAAAAAAP_w/dSPxPhev9ok/s1600-h/Troca%20da%20Guarda%2C%20Rembrandt%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Troca da Guarda, Rembrandt" border="0" alt="Troca da Guarda, Rembrandt" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6acHy5WgpI/AAAAAAAAP_0/QS6mNPT8rOQ/Troca%20da%20Guarda%2C%20Rembrandt_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="404" height="337" /></a><em>Troca da Guarda, Rembrandt</em>&#160;</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em países católicos como Flandres, a arte religiosa florescia, ao passo que nas terras protestantes do norte da Europa, como a Inglaterra e a Holanda, as imagens religiosas eram proibidas. Em consequência, a pintura tendia a naturezas-mortas, retratos mecenas da arte não eram apenas mercadores prósperos, ansiosos para exibir sua riqueza, mas também os burgueses de classe média, que compravam quadros para enfeitar a casa. Desde a “<strong><em>Troca da Guarda</em></strong>” de&#160; Rembrandt, característica da arte barroca nórdica, até os panoramas sensuais, ricamente coloridos, típicos do Barroco Católico, a arte&#160; desse período tem uma exuberância dramática, teatral.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:2d48fd12-a7a0-4cde-a808-f87d73fe818e" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Barroco" rel="tag">Barroco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/estilo" rel="tag">estilo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/riqueza" rel="tag">riqueza</a>,<a href="http://technorati.com/tags/ostenta%c3%a7%c3%a3o" rel="tag">ostenta&#231;&#227;o</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-2868157028470266086?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-66908246234394861212010-03-21T17:28:00.001-03:002010-03-21T17:28:13.707-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os maneiristas cultivavam deliberadamente a excentricidade de suas obras.Alguns eram igualmente excêntricos na vida privada. Dizia-se que Rosso, que morava com um&#160; macaco, um baduíno, desenterrava cadáveres porque o processo de decomposição o fascinava. Seus quadros geralmente têm um aspecto sinistro. Sant’Ana, por exemplo, foi representada por Rosso como uma bruxa desfigurada. Ao ver um de seus quadros macabros, um padre saiu correndo, gritando que o pintor&#160; estava possuído pelo demônio.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6aBSV2TRVI/AAAAAAAAP_g/hA4FJXCfbAA/s1600-h/Sant%27Ana%2C%20Rosso%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Sant&#39;Ana, Rosso" border="0" alt="Sant&#39;Ana, Rosso" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6aBT5OBhoI/AAAAAAAAP_k/V101t_8HviA/Sant%27Ana%2C%20Rosso_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="356" height="484" /></a><em> Sant’Ana, Rosso</em></p> <p>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Pontormo era comprovadamente louco. Hipocondríaco obcecado pelo medo da morte, morava sozinho numa casa exageradamente alta, que ele construiu para se isolar. Seu quarto, no sótão era acessível apenas por uma escada portátil, que ele recolhia depois de subir. Seus quadros mostram sua bizarra sensibilidade. A perspectiva é irracional e as cores – lavanda, coral, marrom, arroxeado, verde-veneno – são instáveis. As figuras em geral têm um olhar selvagem, como se compartilhassem da ansiedade paranóica de seu criador.</font></p> <p></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6aBVs6o35I/AAAAAAAAP_o/jH3i0pU9u8g/s1600-h/A%20ceia%20de%20Ema%C3%BAs%2C%20Pontormo%2C%20Galeria%20Uffizi%2C%20Floren%C3%A7a%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A ceia de Emaús, Pontormo, Galeria Uffizi, Florença" border="0" alt="A ceia de Emaús, Pontormo, Galeria Uffizi, Florença" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6aBXDua6kI/AAAAAAAAP_s/lq8WvTSM11E/A%20ceia%20de%20Ema%C3%BAs%2C%20Pontormo%2C%20Galeria%20Uffizi%2C%20Floren%C3%A7a_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="356" height="484" /></a> A Ceia de Emaús, Pontormo</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:7f9a793c-5fdf-4bc5-9577-10f27f7b4f71" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/maneiristas" rel="tag">maneiristas</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Rosso" rel="tag">Rosso</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Pontormo" rel="tag">Pontormo</a></div> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Seu nome verdadeiro era <em><strong>Domenikos Theotocopoulos</strong></em>, mas tinha o apelido de “El Greco”, e mudou-se para Toledo quando tinha cerca de 35 anos de idade.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Nessa época, a Contra-Reforma e a Inquisição mantinham a Espanha num estado de furor religioso. Muitos dos quadros surreais, intensamente emocionais de El Greco, refletem essa atmosfera de fanatismo.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Artista extremamente autoconfiante, El Greco disse certa vez que Michelangelo não sabia pintar e se ofereceu para consertar “<em>O Juízo Final</em>”. Dizia também que detestava sair à luz do sol porque “<em><strong>a luz do dia cega a luz de dentro</strong></em>”. A característica mais marcante de sua pintura advém dessa luz interna. Uma iluminação sobrenatural, espectral, se insinua na tela, fazendo de seu estilo o mais original da Renascença.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6VMLLsgzcI/AAAAAAAAP_A/BMsXKiN3lvk/s1600-h/Ressurrei%C3%A7%C3%A3o%2C%20El%20Greco%2C%20c.%201597-1604.%20Museu%20do%20Prado%2C%20Madrid%2C%20Espanha%5B5%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Ressurreição, El Greco, c. 1597-1604. Museu do Prado, Madrid, Espanha" border="0" alt="Ressurreição, El Greco, c. 1597-1604. Museu do Prado, Madrid, Espanha" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6VMNRxr1eI/AAAAAAAAP_E/XfKRUF_eCtU/Ressurrei%C3%A7%C3%A3o%2C%20El%20Greco%2C%20c.%201597-1604.%20Museu%20do%20Prado%2C%20Madrid%2C%20Espanha_thumb%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="358" height="772" /></a><em> Ressurreição, El Greco</em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os críticos discutem se El Greco deve ou não ser considerado maneirista; alguns afirmam que ele é <em>idiossincrático</em> demais para caber numa classificação. Sua arte manifesta inegáveis atributos maneiristas, como a luz fantasmagórica e as cores adstringentes:<strong><em> rosa forte</em></strong>, <em><strong>verde-ácido</strong></em>, <em><strong>azuis</strong></em> e <em><strong>amarelos luminosos</strong></em>. As figuras são distorcidas e alongadas – a escala é variável -&#160; e as composições são plenas de movimento espiralado. Nos quadros com temas religiosos – mas não nos retratos – El Greco não dava importância à representação exata do mundo visível. Preferia criar uma visão, carregada de emoção, do êxtase celestial.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana"></font></em></p> <blockquote> <p align="left"><em><font size="2" face="Verdana"><strong>Idiossincrático:</strong> relativo ao modo de ser, de sentir próprio de cada pessoa, relativo à disposição particular de um indivíduo para reagir a determinados agentes exteriores.</font></em></p> </blockquote> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana"></font></em></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana"></font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:cfe5d52b-9fa3-4ab7-ab8b-8403d3086fb1" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Renascimento" rel="tag">Renascimento</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Espanha" rel="tag">Espanha</a>,<a href="http://technorati.com/tags/El+Greco" rel="tag">El Greco</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-6421571305527276209?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-48466612990796812152010-03-19T17:34:00.000-03:002010-03-19T17:35:36.908-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Entre a alta Renascença e o Barroco, desde a morte de Rafael, em 1520, até 1600, a arte ficou num impasse. Michelangelo e Rafael eram chamados <em><strong>“divinos”.</strong></em> Os reis imploravam por suas obras, ainda que fossem&#160; ínfimas. Todos os problemas de representação da realidade haviam sido resolvidos e a arte atingia o auge da perfeição e da harmonia. E agora?</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A resposta foi trocar a harmonia pela dissonância, a razão pela emoção, a realidade pela imaginação. Num esforço de originalidade, os artistas da Renascença tardia, chamados <em><strong>maneiristas</strong></em>, abandonaram o realismo baseado na observação da natureza. Ansiosos por algo novo, exageravam a beleza ideal representada por Michelangelo e Rafael, buscando a instabilidade ao invés do equilíbrio.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os tempos favoreciam a desordem. Roma tinha sido tomada pelos germânicos e espanhóis, e a Igreja tinha perdido sua autoridade durante a Reforma. Na época mais estável da Alta Renascença, a pintura tinha uma composição simétrica, com o peso dirigido para o centro. Na Renascença tardia, a composição se tornou oblíqua, com um vazio no centro e as figuras concentradas – frequentemente cortadas – junto à moldura. Era como se o caos mundial e a perda de uma fé unificadora <em><strong>(“O centro não pode suportar</strong></em>”, como diria mais tarde W.B. Weats) se refletissem na pintura, tirando-lhe o equilíbrio e a nitidez.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O nome “Maneirismo” vem do italiano <em>di maniera</em>, com o significado de uma obra-de-arte realizada conforme o estilo do artista, e não ditada pela representação da natureza. A pintura maneirista é prontamente identificável pelo estilo. As figuras tremem e se torcem num <em>contrapposto</em> desnecessário. Os corpos são distorcidos – geralmente alongados, mas às vezes pesadamente musculosos. As cores são sombrias, aumentando a impressão de tensão, movimento e iluminação&#160; irreal.</font></p> <p align="justify">&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6PgEIsZPtI/AAAAAAAAP-w/lRjGmWxqTjw/s1600-h/Descida%20da%20Cruz%2C%20Pontormo%2C%20%281523-1528%29%5B10%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Descida da Cruz, Pontormo, (1523-1528)" border="0" alt="Descida da Cruz, Pontormo, (1523-1528)" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6PgF6uImJI/AAAAAAAAP-0/u-oF-pJ8xZo/Descida%20da%20Cruz%2C%20Pontormo%2C%20%281523-1528%29_thumb%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="434" height="701" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Descida da Cruz, Pontormo (1523-1528)</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Maneiristas notáveis foram&#160; Pontormo e Rosso; Bronzino, cujos retratos elegantes e cheios de preciosismo exibiam pescoços longos e ombros caídos; Parmigiano, cuja “Madona de Pescoço Comprido” ostentava distorções físicas semelhantes; e Benvenuto Cellini, escultor e ourives, famoso por sua arrogante autobiografia.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:240a3dd4-bf07-4b02-bfdc-8f3643906ab5" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/maneirismo" rel="tag">maneirismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/renascimento" rel="tag">renascimento</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedsburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-4846661299079681215?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-84946093512170508102010-03-18T13:00:00.000-03:002010-03-18T13:00:04.357-03:00<p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Hans Holbein, o Jovem (1497-1543), é conhecido como um dos maiores retratistas de todos os tempos. Assim como Dürer, Holbein misturava os pontos fortes do norte e do sul, unindo a técnica germânica de linhas e precisão realista à composição equilibrada, ao <em><strong>chiaroscuro</strong></em>, à forma escultural e à perspectiva italianas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Embora nascido na Alemanha, Holbein começou a trabalhar em Basel. Quando a Reforma decretou a decoração “papal” das igrejas, as encomendas desapareceram e ele mudou-se para a Inglaterra. Seu protetor, o erudito humanista Erasmo, recomendou-o ao clérigo inglês Sir Thomas More, com as palavras:<em><strong> “Aqui</strong></em> [na Suíça] <em><strong>as artes estão congeladas</strong></em>.”. O impressionante talento de Holbein valeu-lhe a posição de pintor da corte de<em><strong> Henrique VIII</strong></em>, onde pintou retratos do rei e de quatro de suas esposas.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6E9YatkLSI/AAAAAAAAP90/5WM4cIrZ8Qo/s1600-h/Henrique%20VIII%2C%20Hans%20Holbein%2C%201540.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Henrique VIII, Hans Holbein, 1540" border="0" alt="Henrique VIII, Hans Holbein, 1540" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6E9aloIdsI/AAAAAAAAP94/GNJ5hbCT3ag/Henrique%20VIII%2C%20Hans%20Holbein%2C%201540_thumb.jpg?imgmax=800" width="454" height="541" /></a><font size="2" face="Verdana"><em>Henrique VIII, Hans Holbein, 1540</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><em><strong>“Os Embaixadores Franceses”</strong></em> ilustra sua técnica perfeita, evidente no padrão linear do tapete oriental e da cortina de damasco, a textura das peles e dos <em><strong>panejamentos,</strong></em> a impecável perspectiva do&#160; chão de mármore, o suntuoso vidrado da cor e o minucioso realismo da superfície. O objeto em primeiro plano (um crânio distorcido) e numerosos instrumentos de erudição mostram o pendor nórdico para a&#160; parafernália simbólica. Holbein pintava rostos com a mesma acurácia de Dürer, mas, em vez da intensidade dos retratos deste pintor, adotava a expressão neutra característica da arte italiana. O estilo de Holbein&#160; estabeleceu os padrões para os retratos, que continuaram a ser a mais importante forma de arte na Inglaterra nos três séculos seguintes.</font></p> <p align="center"><a title="Os Embaixadores Franceses, Hans Holbein, o Jovem" href="http://multiplosesilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Os Embaixadores Franceses, Holbein, 1533, NG, Londres" border="0" alt="Os Embaixadores Franceses, Holbein, 1533, NG, Londres" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S6E9eDHZjGI/AAAAAAAAP98/Mrt2rvf1lzY/Os%20Embaixadores%20Franceses%2C%20Holbein%2C%201533%2C%20NG%2C%20Londres%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="428" /></a><em><font size="2" face="Verdana"> Os Embaixadores Franceses, Hans Holbein, 1533</font></em></p> <blockquote> <p align="justify"><em><font size="2" face="Verdana">Retrato de dois “homens universais” expressa a versatilidade da época. Objetos como o globo, o compasso, o quadrante solar, um alaúde e um livro de orações ilustram a gama de interesses, da matemática à música, Holbein explorou amplamente todas as técnicas descobertas na Renascença: as lições de composição anatomia, representação realista das formas humanas através da luz e da sombra, da intensidade das cores e da impecável perspectiva.</font></em></p> <p align="center"><em><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1">Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</font>.</font></font></em></p> </blockquote> <ul> <li> <div align="justify"><font size="2"><font face="Verdana"><em><strong>Panejamento</strong></em>: O termo é usado para nomear a representação dos tecidos que vestem as figuras pintadas ou esculpidas, assim como o caimento, as dobras, pregas e o efeito dos panos que o artista procura reproduzir numa pintura ou escultura.</font></font></div> </li> <li> <div align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong><em>Acurácia</em></strong>: Cuidado, esmero, primor, perfeição</font></div> </li> </ul> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:5472ec5f-966b-4559-be40-e6558dfb2b4d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Holbein" rel="tag">Holbein</a>,<a href="http://technorati.com/tags/retratos" rel="tag">retratos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/precis%c3%a3o" rel="tag">precis&#227;o</a>,<a href="http://technorati.com/tags/realismo" rel="tag">realismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/padr%c3%b5es" rel="tag">padr&#245;es</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. É Grátis.</a></p> <div class="blogger-post-footer">Obrigado por prestigiar o Múltiplos Estilos<img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/5956501386203140654-8494609351217050810?l=multiplosestilos.blogspot.com' alt='' /></div>Susihttp://www.blogger.com/profile/14264430187416586366noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5956501386203140654.post-47144379911549056972010-03-17T13:00:00.000-03:002010-03-17T13:00:06.547-03:00<p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em>Recuperando o atraso em relação aos inovadores flamengos, os artistas germânicos, passaram à liderança da Escola do norte. No começo do século XVI, assimilaram os avanços pictóricos de seus pares do sul, Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael, Simultaneamente ao auge da criatividade artística italiana, aconteceu a Alta Renascença germânica, marcada pela austeridade da pintura religiosa de Grünewald, pelas perfeição técnica de Dürer e pelos insuperáveis retratos de Holbein.</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Albert Dürer (1471-1528), primeiro artista nórdico de espírito renascentista, combinou o talento nórdico para o realismo com as conquistas da Renascença italiana. Chamado de <strong><em>“Leonardo do Norte”</em></strong> pela&#160; versidade de interesses, Dürer era fascinado pela natureza e se aprofundou em estudos de botânica. Acreditando que a arte deveria se basear em cuidadosa observação científica ele escreveu: “<em><strong>A arte está firmemente fixada na natureza, e aquele que sabe encontra-la ali a possui.”</strong></em> Infelizmente, essa curiosidade acarretou seu falecimento, quando teve a ideia de&#160; entrar&#160; em um terreno alagadiço para observar o corpo de uma baleia e apanhou uma febre que o levou a morte.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Considerando sua missão levar a seus pares nórdicos as descobertas do sul, Dürer publicou o tratados de perspectiva e proporções ideais. Além disso, assumiu a posição de artista como cavalheiro e erudito, elevando o <em>status</em> da profissão, até então comparável à de mero artesão, a uma importância digna de um príncipe. Foi o primeiro a se deixar cativar pela própria imagem, deixando uma série de auto-retratos (pintou o primeiro aos 13 anos). Em seu <em><strong>“Auto-retrato”</strong></em> de 1500, pintou-se numa pose semelhante à de Cristo, indicando a exaltação do <em>status</em> do artista, para não mencionar a alta conta em que se tinha.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A reputação de maior artista da Renascença do norte se deve aos trabalhos gráficos de Dürer. Antes dele, as gravuras eram estudos primitivos em contraste preto-branco. Dürer adaptou a criação de formas por meio de<em><strong> hachura</strong></em> à gravação em madeira, conseguindo nuances de luz e sombra. Como gravador, usava o adensamento das linhas para expressar diferenças de textura e tons tão sutis quanto na pintura a óleo. Dürer foi o primeiro a usar a gravura como forma de arte maior.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5_Us8Pwc8I/AAAAAAAAP9s/LlVWAh-4JAQ/s1600-h/Os%20Quatro%20Cavaleiros%20do%20Apocalipse%2C%20D%C3%BCrer%20-%20c.%201497-98%20-%20gravura%5B7%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse, Dürer - c. 1497-98 - gravura" border="0" alt="Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse, Dürer - c. 1497-98 - gravura" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5_UuRK4JcI/AAAAAAAAP9w/3hDDzxj4i14/Os%20Quatro%20Cavaleiros%20do%20Apocalipse%2C%20D%C3%BCrer%20-%20c.%201497-98%20-%20gravura_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="341" height="484" /></a> “Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse”, Dürer, gravura – MMA NY.</font></p> <blockquote> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Dürer usava linhas finíssimas nas gravuras para obter nuances de tons e textura. Na gravura acima, a guerra, a fome e a morte assolam a humanidade</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> </blockquote> <p align="left"><font size="2"><font face="Verdana"><strong></strong></font></font></p> <blockquote> <p align="center"><font size="2"><font face="Verdana"><strong>Hachura: </strong>Técnica usada em desenho e gravura que consiste em traçar linhas finas e paralelas, retas ou curvas, muito próximas umas das outras, criando um efeito de sombra ou meio-tom. O termo encontra sua origem no francês <em>hachure -</em> <em>hache, </em>que significa &quot;machado&quot;.</font></font></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>Adensamento</strong>: Tornar denso ou espesso</font></p> <p align="center"><font size="2"><font face="Verdana"><font size="1"><em>fonte:</em></font> </font><a href="http://www.itaucultural.org.br/AplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=termos_texto&amp;cd_verbete=57&amp;lst_palavras=&amp;cd_idioma=28555&amp;cd_item=8"><font face="Verdana">Enciclopédia Itaú Cultural - Artes Visuais</font></a></font></p> </blockquote> <div style="padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; width: 288px; padding-right: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; margin-right: auto; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:825d7aac-4555-45b9-b84e-eda8e6954e8d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/D%c3%bcrer" rel="tag">D&#252;rer</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arte+gr%c3%a1fica" rel="tag">arte gr&#225;fica</a>,<a href="http://technorati.com/tags/gravura" rel="tag">gravura</a></div> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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A arte da gravura floresceu na Renascença do norte.</font></p> <p><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Xilogravura</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">A técnica mais antiga no ocidente (conhecida há longo tempo na China) é a <strong><em>xilogravura</em></strong>, que surgiu por volta de 1400 na Alemanha. Nesse método, riscava-se o desenho num pedaço de madeira macia. As partes em branco (chamadas “espaço negativo”) eram cortadas, deixando o desenho em relevo que, por sua vez, era coberto de tinta e prensado contra o papel. Os milhares de cópias assim produzidos podiam ser vendidos a um preço irrisório. Pela primeira vez a arte se tornava acessível às massas, e os artistas podiam aprender através das reproduções de trabalhos dos outros. O desenvolvimento da impressão com tipos móveis, em meados do século XV, popularizou os livros ilustrados com <em><strong>xilogravuras</strong></em>.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">A xilogravura atingiu seu ponto máximo com <em><strong>Dürer</strong></em>, mas foi sendo gradualmente substituída pelo método mais flexível e refinado da litogravura. No Japão, a xilogravura em cores sempre foi popular. No final do século XIX e no começo do século XX a xilogravura refloresceu na Europa, com trabalhos de <em><strong>Munch</strong></em>, de <em><strong>Gauguin</strong></em> e dos expressionistas alemães, que adotaram esse método devido à sua áspera intensidade.</font></p> <p><font color="#000000" size="2" face="Verdana"></font></p> <p><font color="#400080" size="2" face="Verdana"><strong>Gravura em Metal</strong></font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">Tendo início por volta de 1430, a litogravura é uma técnica oposta ao relevo saliente da xilogravura. É um dos vários métodos conhecidos como <strong><em>intaglio</em> </strong>(a tinta a ser transferida fica abaixo da superfície), em que a impressão é feita a partir de linhas ou cortes numa placa. Na litogravura, as ranhuras são feitas numa placa de metal (geralmente cobre) com um instrumento de aço chamado buril. Depois esfrega-se a tinta nas ranhuras, limpa-se as superfície e a placa é colocada numa prensa, de modo a transferir para o papel o desenho entalhado. As formas podem ser modeladas em linhas muito finas, de modo a criar nuances. Essa técnica floresceu no começo do século XVI, com <em><strong>Dürer,</strong></em> cujo uso do buril era tão sofisticado que, com a placa de cobre, ele obtinha efeitos de luz e volume muito aproximados aos conseguidos pelos holandeses no quadro a óleo e pelos italianos nos afrescos.</font></p> <p align="justify"><font color="#000000" size="2" face="Verdana">As técnicas de artes gráficas se tornaram populares nos séculos seguintes, com Daguerreótipo ou Água-Forte, Água-Forte a Ponta Seca, Litografia e Silks-Creen.</font></p> <p align="center"><font color="#000000" size="2" face="Verdana"><a title="litogravura São Jerônimo, Dürer, 1514" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="São Jerônimo, Dürer - 1514, litogravura, MMA, NY." border="0" alt="São Jerônimo, Dürer - 1514, litogravura, MMA, NY." src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S55g8E6Op9I/AAAAAAAAP9o/SxqPkqiyEUQ/S%C3%A3o%20Jer%C3%B4nimo%2C%20D%C3%BCrer%20-%201514%2C%20litogravura%2C%20MMA%2C%20NY.%5B10%5D.jpg?imgmax=800" width="470" height="601" /></a> <em>São Jerônimo, Dürer, 1514, litogravura</em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:4194793b-0eac-475d-b89a-496e4132386f" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/gravura" rel="tag">gravura</a>,<a href="http://technorati.com/tags/xilogravura" rel="tag">xilogravura</a>,<a href="http://technorati.com/tags/litogravura" rel="tag">litogravura</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Bruegel adotou o tema da vida campestre, cenas de pessoas humildes no trabalho, em festas e danças, em que sempre aparece o aspecto satírico. <em><strong>“Casamento no Campo”,</strong></em> por exemplo, mostra os convidados comendo e bebendo em gulosa concentração. Além de elevar a pintura do gênero (cenas da vida cotidiana) à estatura de obra-de-arte, Bruegel ilustrou provérbios, como <em><strong>“Um Cego Conduzindo Outro”,</strong></em> com expressões faciais horrendas, bestiais, típicas das cenas bíblicas de Bosch.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O mais famoso quadro de Bruegel,<em><strong> “Caçadores na Neve</strong></em>”, é parte de uma série que apresenta as diferentes atividades humanas conforme os meses do ano. Sua preocupação com a vida campestre nos caçadores exaustos voltando para casa, em silhueta contra a neve. Bruegel usou aqui a perspectiva climática – da nitidez no primeiro plano às formas difusas no fundo – para dar profundidade à pintura.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5rkve-XEjI/AAAAAAAAP9U/a9oJCjRyTYg/s1600-h/Ca%C3%A7adores%20na%20Neve%2C%20Pieter%20Bruegel%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Caçadores na Neve, Pieter Bruegel" border="0" alt="Caçadores na Neve, Pieter Bruegel" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5rkxF1cKyI/AAAAAAAAP9Y/mELHRwnQBMA/Ca%C3%A7adores%20na%20Neve%2C%20Pieter%20Bruegel_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="340" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “Caçadores na Neve”, Pieter Bruegel, (1565)</em></font></p> <p align="center"><em><font size="2" face="Verdana"></font></em></p> <blockquote> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Kunsthistorisches Museum, Viena Bruegel retratou os camponeses com honestidade e, ao mesmo tempo, foi satírico.</font></p> </blockquote> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós Moderno</em></font>&#160;</p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:e1007c74-244b-41b6-b58f-b042bf45f87d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/pintor" rel="tag">pintor</a>,<a href="http://technorati.com/tags/camponeses" rel="tag">camponeses</a>,<a href="http://technorati.com/tags/festas" rel="tag">festas</a>,<a href="http://technorati.com/tags/dan%c3%a7as" rel="tag">dan&#231;as</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Bruegel" rel="tag">Bruegel</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Imagens grotescas – monstros híbridos, meio humanos, meio animais – habitam suas estranhas, perturbadoras paisagens. Embora os críticos modernos tenham sido incapazes de decifrar um sentido subjacente, parece claro que Bosch acreditava que a humanidade, seduzida e corrompida pelo mal, deveria sofrer consequências catastróficas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5q8Y7vp6_I/AAAAAAAAP9M/drJbv5Q57Fw/s1600-h/O%20Jardim%20das%20Del%C3%ADcias%20Terrestres%2C%20Hieronymus%20Bosch%5B7%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Jardim das Delícias Terrestres, Hieronymus Bosch" border="0" alt="O Jardim das Delícias Terrestres, Hieronymus Bosch" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5q8bu6FOJI/AAAAAAAAP9Q/vyQyuvFF_E0/O%20Jardim%20das%20Del%C3%ADcias%20Terrestres%2C%20Hieronymus%20Bosch_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="502" /></a><font size="2" face="Verdana"><em><strong> O Jardim das Delícias Terrestres, Hieronymus Bosch</strong></em></font></p> <blockquote> <p><font size="2" face="Verdana">O quadro é provavelmente uma alegoria advertindo contra os perigos do erotismo. Essas imagens perturbadoras fizeram de Bosch um precursor do Surrealismo.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:9e1684a9-321d-409d-8b6c-b0c9f7da6e69" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Bosch" rel="tag">Bosch</a>,<a href="http://technorati.com/tags/surrealismo" rel="tag">surrealismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/alegoria" rel="tag">alegoria</a></div> </blockquote> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Seu irmão, Jan van Eyck (c. 1390-1441), mais conhecido atualmente, usou o novo meio para alcançar os píncaros do realismo.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Com formação de miniaturista&#160; e iluminador de manuscritos, Jan van Eyck pintou detalhes microscópicos em cores vivas. Um dos primeiros mestres da nova arte de pintar retratos, van Eyck chegava a pintar detalhes ínfimos como pontinhos de barba no queixo da figura. Seu “Homem de Turbante Vermelho”, que talvez seja um auto-retrato (1433), foi a primeira pintura a mostrar o modelo olhando para o espectador. Num dos mais célebres quadros da Renascença do norte, “As Bodas de Arnolfini”, van Eyck captou com exatidão a aparência e a textura das superfícies e produziu efeitos de luz direta e difusa ao mesmo tempo.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a title="&quot;As Bodas de Arnolfini&quot;, Jan Van Eyck - 1434" href="http://multiplosestuilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="O Casal Arnolfini, de Jan Van Eyck, 1434. NG Londres." border="0" alt="O Casal Arnolfini, de Jan Van Eyck, 1434. NG Londres." src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5q1emGVaeI/AAAAAAAAP9I/8ZtaMXAJTew/O%20Casal%20Arnolfini%2C%20de%20Jan%20Van%20Eyck%2C%201434.%20NG%20Londres.%5B8%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="616" /></a><font size="2" face="Verdana"><em><strong> “As Bodas de Arnolfini”, Jan van Eyck</strong></em></font></p> <blockquote> <p align="justify">Mestre do realismo, van Eyck recriou a cena do casamento em miniatura refletida no espelho. Praticamente todos os objetos simbolizam aspectos do tema do quadro – a santidade do casamento. O cão representa a fidelidade, e os tamancos largados, deixando os pés descalços, representam o solo sagrado</p> </blockquote> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:1d2116d6-47ba-479a-9273-f3bb6d2639b1" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/inventor" rel="tag">inventor</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pintura" rel="tag">pintura</a>,<a href="http://technorati.com/tags/%c3%b3leo" rel="tag">&#243;leo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/retratos" rel="tag">retratos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/detalhes" rel="tag">detalhes</a></div> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Assim sua ruptura com o estilo gótico produziu um brilhante florescimento das artes.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Enquanto os italianos buscavam inspiração na antiguidade clássica, os europeus do norte se inspiravam na natureza. Na ausência da escultura clássica para ensinar as proporções ideais, pintavam a realidade exatamente como lhes parecia, num estilo realista detalhado. Os retratos guardavam uma semelhança tão exata que Carlos VI, da França, enviou um pintor a três cortes diferentes para pintar possíveis consortes (cônjuges, esposas), baseando sua escolha somente nos retratos.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Essa precisão foi viabilizada pelo novo veículo, <em><strong>a tinta a óleo</strong></em>, preferida pelos pintores renascentistas do norte. Como o óleo demorava mais que a têmpera para secar, dava tempo para os pintores misturarem as cores. Sutis variações de luz e sombra aumentavam a ilusão tridimensional. Usavam também a “<em><strong>perspectiva climática</strong></em>” – uma aparência mais esmaecida de objetos mais afastados – para sugerir profundidade.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><font color="#400080"><strong>Na expansão da Itália para o norte da Europa, a Renascença tomou diferentes formas</strong></font>.</font></p> <table border="0" cellspacing="0" cellpadding="2" width="450"><tbody> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><strong><font color="#400080" size="2" face="Verdana">Renascença Italiana</font></strong></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><strong><font color="#400080" size="3">X</font></strong></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><strong><font color="#400080" size="2" face="Verdana">Renascença do Norte</font></strong></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>CARACTERÍSTICA</strong>:</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Beleza ideal</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Realismo Intenso</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>ESTILO:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Formas simplificadas, proporções exatas</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Traços realistas, honestidade sem bajulação</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>TEMAS:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Cenas religiosas e mitológicas</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Cenas religiosas e domésticas</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>FIGURAS:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Nus masculinos heróicos</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Cidadãos prósperos, camponeses</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>RETRATOS:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Formais, reservados</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Revelam&#160; a personalidade</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>TÉCNICA:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Afresco, têmpera, óleo</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Óleo sobre madeira</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>ÊNFASE:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Estrutura anatômica subjacente</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Aparência Visível</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>BASE DA ARTE:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Teoria</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Observação</font></p> </td> </tr> <tr> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><strong>COMPOSIÇÃO:</strong></font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Estática, equilibrada</font></p> </td> <td valign="top" width="150"> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Complexa, irregular</font></p> </td> </tr> </tbody></table> <p align="center"><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós Moderno.</font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:ad2e5044-d845-4aa4-b1d4-67d69f1282a5" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/arte" rel="tag">arte</a>,<a href="http://technorati.com/tags/desenvolvimento" rel="tag">desenvolvimento</a>,<a href="http://technorati.com/tags/cl%c3%a1ssico" rel="tag">cl&#225;ssico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/natureza" rel="tag">natureza</a>,<a href="http://technorati.com/tags/propor%c3%a7%c3%b5es" rel="tag">propor&#231;&#245;es</a>,<a href="http://technorati.com/tags/realismo" rel="tag">realismo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/perspectiva." rel="tag">perspectiva.</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Ele menosprezava o objetivo religioso da arte e propunha que os artistas buscassem no estudo das ciências, como a história, a poesia e a matemática, os fundamentos de seu trabalho. Alberti&#160; escreveu o primeiro manual sistematizado de perspectiva, oferecendo aos escultores as normas das proporções humanas ideais.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Outro renascentista de múltiplos talentos foi Brunelleschi (1377-1446). Excelente ourives, matemático, relojoeiro e arquiteto, ele é mais conhecido, porém, como o pai da engenharia moderna. Brunelleschi não só descobriu a perspectiva matemática como lançou o projeto da igreja em plano central, que veio a substituir a basílica medieval. Somente ele foi capaz de construir o domo da Catedral de Florença, chamada então a <em><strong>oitava maravilha do mundo</strong></em>. Sua técnica consistiu em construir duas células, uma apoiando a outra, encimadas por uma clarabóia estabilizando o conjunto. No projeto da Capela Pazzi, Brunelleschi utilizou motivos clássicos na fachada, ilustrando a retomada das formas romanas e a ênfase renascentista na simetria e na regularidade.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5mafB0RVyI/AAAAAAAAP8w/wfIp6MVi5qg/s1600-h/Filippo%20Brunelleschi%20-%20Capela%20Pazzi%20-%20Floren%C3%A7a%20-%20It%C3%A1lia%20-%201429-1461%5B9%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Filippo Brunelleschi - Capela Pazzi - Florença - Itália - 1429-1461" border="0" alt="Filippo Brunelleschi - Capela Pazzi - Florença - Itália - 1429-1461" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5magR0cFbI/AAAAAAAAP80/NqHzJnaeLLo/Filippo%20Brunelleschi%20-%20Capela%20Pazzi%20-%20Floren%C3%A7a%20-%20It%C3%A1lia%20-%201429-1461_thumb%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="298" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Capela Pazzi</em></font></p> <p></p> <p>&#160;</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Em 1502, Bramante (1444-1514) construiu o<strong><em> Tempietto</em></strong> (Pequeno Templo) em Roma, no local&#160; onde São Pedro foi crucificado. Embora pequeno, é o protótipo perfeito da igreja com plano central encimada por domo, expressando os ideais renascentistas de ordem, simplicidade e proporções harmoniosas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="center"><a title="Tempietto, Bramante. (1444-1514). Roma" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Tempietto, Bramante. 1444-1514. Roma" border="0" alt="Tempietto, Bramante. 1444-1514. Roma" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5mahXJvLKI/AAAAAAAAP84/ZOIRkCf_m7E/Tempietto%2C%20Bramante.%201444-1514.%20Roma%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="364" height="484" /></a><em> <font size="2" face="Verdana">Tempietto (Pequeno Templo), Bramante. 1444-1514. Roma</font></em></p> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Famoso por suas vilas e seus palácios, Palladio (1508-80) teve enorme influência sobre os séculos posteriores através do seu tratado. <em><strong>Quatro Livros de Arquitetura</strong></em>. Pioneiros do neoclássico, como Thomas Jefferson e Christopher Wren, se basearam no manual de Palladio. A<em><strong> Villa Rotonda</strong></em> incorporou detalhes gregos e romanos, como pórticos, colunas jônicas, domo plano, como o do Panteon, e aposentos dispostos simetricamente em torno de uma rotunda central.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a title="Villa Rotonda, Palladio, inicio em 1550. Vicenza." href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Villa Rotonda, Palladio, início em 1550. Vicenza." border="0" alt="Villa Rotonda, Palladio, início em 1550. Vicenza." src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5maiLXHeyI/AAAAAAAAP88/F0HzzcxdT90/Villa%20Rotonda%2C%20Palladio%2C%20in%C3%ADcio%20em%201550.%20Vicenza.%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="304" /></a><em> <font size="2" face="Verdana">Villa Rotonda, Palladio, início em 1550. Vicenza</font></em></p> <p align="center"><em><font size="1" face="Verdana">Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</font></em></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:fd86cefc-92c7-4cdd-a8d5-cde30535ebe5" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/arquitetura" rel="tag">arquitetura</a>,<a href="http://technorati.com/tags/renascen%c3%a7a" rel="tag">renascen&#231;a</a>,<a href="http://technorati.com/tags/It%c3%a1lia" rel="tag">It&#225;lia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Brunelleschi" rel="tag">Brunelleschi</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Bramante" rel="tag">Bramante</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Palladio" rel="tag">Palladio</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Retomaram elementos como arco pleno, construção em concreto, domo redondo, pórtico, abóbada cilíndrica e colunas.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong>Regras</strong></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Dado que os arquitetos se consideravam mais estudiosos do que construtores, baseavam seus trabalhos nas teorias apresentadas nos diversos tratados. As regras estéticas formuladas por Alberti tinham ampla aceitação.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong>Razão</strong></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">As teorias enfatizavam a base racional contida nas ciências, na matemática e na engenharia. A razão pura substituía a mentalidade mística da Idade Média.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong>aRitmética</strong></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Os arquitetos dependiam da aritmética para produzir a beleza e a harmonia. Um sistema de proporções ideais assentava as partes de um edifício em relações numéricas, como a razão de 2/1 para uma nave com altura igual ao dobro da largura da igreja. As plantas dos prédios se baseavam em formas geométricas, principalmente no círculo e no quadrado.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:501791fc-da3d-42db-b573-fa0fd2b33a54" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Romanos" rel="tag">Romanos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Regras" rel="tag">Regras</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Raz%c3%a3o" rel="tag">Raz&#227;o</a>,<a href="http://technorati.com/tags/aRitm%c3%a9tica" rel="tag">aRitm&#233;tica</a>,<a href="http://technorati.com/tags/renascentista" rel="tag">renascentista</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Esse trabalhoso método possibilitava uma pintura convincente de qualquer textura, do metal polido ao brilho da seda, de cabelos louro-dourados à pele cálida. Um dos primeiros artistas a abandonar os painéis de madeira, Ticiano adotou o óleo sobre tela&#160; como seu veículo característico.</font></p> <p>&#160;</p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5aorJ3MiiI/AAAAAAAAP8c/xfDRxyTMmWE/s1600-h/Bacanal%20dos%20Adrianos%20Ticiano.%201518%20-%20Museu%20do%20Prado%20Madrid%20-%20Espanha%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Bacanal dos Adrianos Ticiano. 1518 - Museu do Prado Madrid - Espanha" border="0" alt="Bacanal dos Adrianos Ticiano. 1518 - Museu do Prado Madrid - Espanha" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5aosqZlmUI/AAAAAAAAP8g/6J9CX2t1AFA/Bacanal%20dos%20Adrianos%20Ticiano.%201518%20-%20Museu%20do%20Prado%20Madrid%20-%20Espanha_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="411" /></a><font size="2" face="Verdana"> “<strong><em>Bacanal dos Adrianos</em></strong>”, Ticiano, </font></p> <blockquote> <p align="center"><font size="2" face="Verdana">Esta festa pagã contém os principais ingredientes do estilo inicial de Ticiano: cores fortes e contrastantes amplas formas femininas e composição assimétrica.</font></p> </blockquote> <p><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Depois que&#160; sua esposa morreu, em 1530, a pintura de Ticiano emudeceu um pouco, tornando-se quase monocromática. Extremamente prolífico até os oitenta anos, à medida que sua vista enfraquecia, suas pinceladas amoleciam. No fim de sua vida, eram pinceladas largas, carregadas de tinta, largadas na tela. Um discípulo afirmou que Ticiano “pintava mais com os dedos do que com os pincéis”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"><strong>Prolífico:</strong> adj. Prolífero, Que faz prole,&#160; fecundo, fértil, que tem prole numerosa</font></p> </blockquote> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:ca26c025-8cc4-4b4e-9c92-5643e5e61d7c" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/pintura+moderna" rel="tag">pintura moderna</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Ticiano" rel="tag">Ticiano</a>,<a href="http://technorati.com/tags/pai" rel="tag">pai</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Estátua em mármore (Período Arcaico, 530-520 a. C)" border="0" alt="Kouros. Estátua em mármore (Período Arcaico, 530-520 a. C)" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5VdYhk7eEI/AAAAAAAAP8I/4wt0_dN69g0/Kouros.EsttuaemmrmorePerodoArcaico53.jpg?imgmax=800" width="175" height="244" /></a>&#160;</p> <blockquote> <p align="center">Kouros. Estátua em mármore (Período Arcaico)</p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No <em><strong>Período Arcaico</strong></em> (610-490 a.C), os gregos desenvolveram uma arte que, aos poucos, desvinculou-se dos padrões orientais e instituíram padrões de simetria na criação da estatuária que pode ser exemplificada pelo <em><strong>kouros</strong></em>, representação masculina, e <em><strong>koré</strong></em>, representação feminina. Na pintura em cerâmica, desenvolveu-se o estilo de figuras negras, que se tornou predominante no período.</font></p> <blockquote> <p align="center"><a title="Amazona ferida. Cópia romana de um original grego em mármore (Período Clássico, 450 a.C)" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Amazona ferida. Cópia romana de um original grego em mármore (Período Clássico, 450 a. C)" border="0" alt="Amazona ferida. Cópia romana de um original grego em mármore (Período Clássico, 450 a. C)" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5VdZB_7MKI/AAAAAAAAP8M/IRAWy9qHYJo/Amazonaferida.Cpiaromanadeumoriginal.jpg?imgmax=800" width="178" height="244" /></a> Amazona ferida. (Período Clássico, 450 a. C.)</p> </blockquote> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No <em><strong>Período Clássico</strong></em> (490-323 a.C.) em oposição às convenções formais do Período Arcaico, as esculturas adquiriram plena liberdade de movimento e expressão, tornando infinitas as possibilidades de inovação estética. Na cerâmica, o estilo de figuras negras foi substituído pelas figuras vermelhas, o que possibilitou uma maior liberdade expressiva</font>.</p> <blockquote> <p align="center"><a title="Taça áticas de figuras vermelhas (Período Clássico, 490-480 a.C)" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Taça ática de fiuras vermelhas (Período Clássico, 490-480 a. C)" border="0" alt="Taça ática de fiuras vermelhas (Período Clássico, 490-480 a. C)" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5VdZ2FCU_I/AAAAAAAAP8Q/M8QCk3HGNag/TaaticadefiurasvermelhasPerodoClssic%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="244" height="185" /></a> Taça ática de figuras vermelhas (Período c/Clássico, 490-480 a.C)</p> </blockquote> <p align="left">&#160;</p> <blockquote> <p align="center"><a title="Afroidite de Rodes, em mármore (Período Helenístico, 100 a. C.)" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Afrodite de Rodes, em mármore (Período Helenístico, 100 a. C)" border="0" alt="Afrodite de Rodes, em mármore (Período Helenístico, 100 a. C)" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5VdaWwIB6I/AAAAAAAAP8U/VVXu961J4D4/Afrodite%20de%20Rodes%2C%20em%20m%C3%A1rmore%20%28Per%C3%ADodo%20Helen%C3%ADstico%2C%20100%20a.%20C%29%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="150" height="244" /></a> Afrodite de Rodes, em mármore (Período Helenístico)</p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Por fim, no <em><strong>Período Helenístico</strong></em> (323-31 a. C) a expansão territorial dos gregos em direção ao oriente fez surgir uma cultura cosmopolita que reformulou sua língua, religião, culturas e arte. A escultura alcançou seu ponto de maior detalhamento e realismo. A arte helenística influenciou um vasto território (desde o Egito até a Ásia Central), além de deixar para os romanos uma importante herança cultural. </font></p> <p align="left">&#160;</p> <p></p> <blockquote> <p align="center"><a title="Jóquei de Artemísion (Período Helenístico, 140 a. C)" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Jóquei de Artemísion (Período Helenístico, 140 a. C.)." border="0" alt="Jóquei de Artemísion (Período Helenístico, 140 a. C.)." src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5VdbGhvxyI/AAAAAAAAP8Y/wm9p4BPmx54/J%C3%B3quei%20de%20Artem%C3%ADsion%20%28Per%C3%ADodo%20Helen%C3%ADstico%2C%20140%20a.%20C.%29.%5B3%5D.jpg?imgmax=800" width="244" height="187" /></a> Jóquei de Artemísion (Período Helenístico), </p> <p align="center">&#160;</p> <p align="center"><font size="1"><em>fonte: Apostilas ETAPA</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:c5c5e0fc-0559-4fa1-85af-68f2f2154848" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Per%c3%adodo+Arcaico" rel="tag">Per&#237;odo Arcaico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Per%c3%adodo+Cl%c3%a1ssico" rel="tag">Per&#237;odo Cl&#225;ssico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Per%c3%adodo+Helen%c3%adstico" rel="tag">Per&#237;odo Helen&#237;stico</a></div> </blockquote> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Enquanto os outros dois eram reverenciados, Rafael era adorado. Um contemporâneo dos três, chamado Vasari, que escreveu a primeira história da arte, afirmou que Rafael era “tão amável e bondoso que até os animais o amavam”.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O pai de Rafael, um pintor medíocre, ensinou ao precoce filho os rudimentos da pintura. Aos 17 anos de idade, Rafael era considerado um mestre independente. Aos 26 anos, chamado a Roma pelo papa para decorar os aposentos do Vaticano, pintou os afrescos, com ajuda de cinquenta discípulos, no mesmo ano em que Michelangelo terminou o teto da Capela Sistina. <em><strong>“Tudo o que ele sabe</strong></em>”, disse Michelangelo, <strong><em>“aprendeu comigo.”</em></strong></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Rico, bonito e bem-sucedido, seguindo de triunfo em triunfo, Rafael era uma estrela na esplendorosa corte papal. Dedicado admirador das mulheres, ele era “muito amoroso”, segundo Vasari, e tinha “prazeres secretos além de todas as medidas”. Quando apanhou uma febre, depois de um encontro à meia-noite, morreu, no dia que completaria 37 anos, toda a corte “mergulhou em luto”.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5Q-zg0X_5I/AAAAAAAAP7w/Ql93Dj7pgrI/s1600-h/Escola%20de%20Atenas%2C%20Rafael.%201510-11%20Vaticano%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Escola de Atenas, Rafael. 1510-11 Vaticano" border="0" alt="Escola de Atenas, Rafael. 1510-11 Vaticano" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5Q-1dl0-sI/AAAAAAAAP70/0vlarFJX920/Escola%20de%20Atenas%2C%20Rafael.%201510-11%20Vaticano_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="377" /></a> Escola de Atenas, Rafael – Vaticano - Roma</p> <blockquote> <p align="center"><font color="#69656f" size="2" face="Verdana">Essa obra prima de Rafael encarna o equilíbrio da Alta Renascença, sua qualidade escultural, a perspectiva arquitetônica e a fusão de elementos pagãos e cristãos.</font></p> </blockquote> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">A arte de Rafael foi a que mais expressou todas as qualidades da Alta Renascença. De Leonardo, ele assimilou a composição piramidal e aprendeu a modelar rostos em luz e sombra (<em>chiaroscuro</em>). De Michelangelo, Rafael adotou as figuras dinâmicas, de corpo inteiro, e a pose <em>contrapposto</em>.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:2facf2fd-24d5-4bfa-bea1-cc83d9a93d5a" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Rafael" rel="tag">Rafael</a>,<a href="http://technorati.com/tags/popular" rel="tag">popular</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Renascen%c3%a7a" rel="tag">Renascen&#231;a</a>,<a href="http://technorati.com/tags/corte+papal" rel="tag">corte papal</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds,feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Estatueta em argila (período neolítico)" href="http://histoblogsu.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="O pensador" border="0" alt="O pensador" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNhCkyngI/AAAAAAAAP7E/hvsQ40R0kt4/Opensador.jpg?imgmax=800" width="191" height="244" /></a> </p> <blockquote> <p align="center"><font size="2"><font face="Verdana"><em><strong>O pensador</strong></em>. Estatueta em argila (Período Neolítico entre 4 500 e 300 a. C).</font></font></p> </blockquote> <p></p> <p></p> <blockquote> <p align="center"><a title="Harpista da Ilha de Keros. Escultura em mármore (período Cicládico, entre 2 700 e 2 300 a.C)" href="http://histoblogsu.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Harpista da Ilha de Keros" border="0" alt="Harpista da Ilha de Keros" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNhoKsMrI/AAAAAAAAP7I/8JegPgKi4_A/HarpistadaIlhadeKeros.jpg?imgmax=800" width="186" height="244" /></a><font size="2" face="Verdana"> <strong><em>Harpista da ilha de Keros</em></strong>. Escultura em Mármore (Período Cicládico, entre 2700 e 2300 a.C.).</font></p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No período Cicládico (2800-2000 a.C.) desenvolveu-se, nas ilhas Cíclades, um estilo caracterizado por linhas simples e harmônicas exemplificado nos ícones de mármore com representações humanas ou divinas.</font></p> <p><a title="Afresco do Interior do palácio de Cnossos (Período Cretense, construído entre 1700 e 1400 a.C" href="http://histoblogsu.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Afresco do interior do palácio de Cnossos (Período Cretense)" border="0" alt="Afresco do interior do palácio de Cnossos (Período Cretense)" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNiVcQVLI/AAAAAAAAP7M/iyP70W5DQzU/AfrescodointeriordopalciodeCnossosPe.jpg?imgmax=800" width="244" height="156" /></a> </p> <blockquote> <p align="center">Afresco do interior do palácio de Cnossos (Período Cretense , construído entre 1700 e 1400 a.C.)</p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">No Período Cretense ou Minóico ( 2100-1450 a. C.) tem-se o desenvolvimento arquitetônico de “palácio-cidades” e da arte palaciana em murais e afrescos. O naturalismo, a intensidade das cores e a fluidez das linhas são características desse período.</font></p> <blockquote> <p align="center"><a title="Adaga micênica ornamentada com cenas de caça. Cobre com detalhes em ouro (1500 a 1300 a.C) Período Micênico" href="http://histoblogsu.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Adaga micênica ornamentada com cenas de caça" border="0" alt="Adaga micênica ornamentada com cenas de caça" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNi_NRsEI/AAAAAAAAP7Q/tsZaP8zkdAw/Adagamicnicaornamentadacomcenasdecaa.jpg?imgmax=800" width="304" height="92" /></a>Adaga micênica ornamentada com cenas de caça. Cobre com detalhes em ouro (Período Micênico, entre 1500 a 1300 a. C). </p> </blockquote> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Herdando certos&#160; elementos da arte cretense, o Período Micênico (1700-1220 a. C.) foi caracterizado pela riqueza de detalhes decorativos dos objetos pertencentes à aristocracia.</font></p> <blockquote> <p align="center"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNkEO1CrI/AAAAAAAAP7U/EIzdTuwsaKI/s1600-h/nforaticaPerodoGeomtrico3.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Ânfora ática Período Geométrico" border="0" alt="Ânfora ática Período Geométrico" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNk5CXG6I/AAAAAAAAP7Y/Zz3bfJ1WNcQ/nforaticaPerodoGeomtrico_thumb1.jpg?imgmax=800" width="215" height="244" /></a><font size="2"><font face="Verdana"><strong><em> Ânfora</em></strong> ática do <em>Período Geométrico</em> (entre 750 e 700 a. C.)</font></font></p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Diferentemente dos dois estilos anteriores (de caráter naturalista), o Período Geométrico (900-700 a.C.) caracterizou-se pelas linhas abstratas e formas geométricas criadas a partir da imaginação dos artistas.</font></p> <blockquote> <p align="center"><a title="Cerâmica grega modelada em cabeça de grifo proveniente das ilhas Cíclades (Período Orientalizante, 675-650 a. C)" href="http://histoblogsu.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Cerâmica grega modelada em cabeça de grifo proveniente das ilhas Cíclades" border="0" alt="Cerâmica grega modelada em cabeça de grifo proveniente das ilhas Cíclades" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5LNlR0G_wI/AAAAAAAAP7c/46YpGn8DmoM/Cermicagregamodeladaemcabeadegrifopr%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="137" height="244" /></a>&#160;<font size="2" face="Verdana">Cerâmica grega modelada em cabeça de grifo proveniente das ilhas Cíclades (Período Orientalizante 675-650 a.C.).</font></p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O intenso comércio marítimo entre a Grécia continental, suas colônias e as civilizações orientais alterou profundamente as manifestações artísticas dos povos gregos, que passaram a representar em seus vasos ícones com nítida influência oriental. Foi o Período Orientalizante (700-610 a.C.).</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>fonte: apostilas ETAPA</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:7fc224d4-eca1-433f-a8ca-3495b313c6a4" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/arte+grega" rel="tag">arte grega</a>,<a href="http://technorati.com/tags/per%c3%adodo+neol%c3%adtico" rel="tag">per&#237;odo neol&#237;tico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/per%c3%adodo+cretense" rel="tag">per&#237;odo cretense</a>,<a href="http://technorati.com/tags/per%c3%adodo+cicl%c3%a1dico" rel="tag">per&#237;odo cicl&#225;dico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/per%c3%adodo+mic%c3%aanico" rel="tag">per&#237;odo mic&#234;nico</a>,<a href="http://technorati.com/tags/per%c3%adodo+geom%c3%a9trico" rel="tag">per&#237;odo geom&#233;trico</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Assim como braços e pernas flanqueiam o tronco humano, as unidades arquitetônicas deveriam cercar simetricamente um eixo vertical central.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O </font><font size="2" face="Verdana">melhor exemplo desse estilo inovador é a <strong><em>Colina Capitolina</em></strong>, em Roma, o primeiro centro cívico da Renascença. A colina havia sido o coração simbólico da Roma antiga, e o papa queria re</font><font size="2" face="Verdana">staurá-la em sua primitiva grandiosidade.&#160; As duas edificações existentes então se situavam, uma em relação à outra, num escrúxulo ângulo de oitenta graus. Michelangelo tirou partido dessa disposição acrescentando outra construção no mesmo ângulo, ladeando o edifício central, o&#160; <em><strong>Palácio dos Senadores</strong></em>. Isto feito, redesenhou a fachada dos edifícios laterais de modo a ficarem idênticos e deixou o quarto lado aberto, com vista panorâmica para o Vaticano.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5FJD3ahKTI/AAAAAAAAP6s/Yy5y_J7xgM4/s1600-h/Colina%20Capitolina%2C%20Roma%20-%20Michelangelo%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Colina Capitolina, Roma - Michelangelo" border="0" alt="Colina Capitolina, Roma - Michelangelo" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5FJF-ugqfI/AAAAAAAAP6w/x-DuiP0wr5M/Colina%20Capitolina%2C%20Roma%20-%20Michelangelo_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="404" height="211" /></a> Colina Capitolina, Roma – Itália&#160; - obra de Michelangelo</p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Uma estátua do Imperador Marco Aurélio sobre um piso oval dava unidade ao conjunto. Os arquitetos renascentistas julgavam o oval “instável” e o evitavam, mas, para Michelangelo, a medida e a proporção não eram determinadas por fórmulas matemáticas e, sim “guardadas nos olhos”.</font></p> <p align="left"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5FJHvQaU6I/AAAAAAAAP60/7vLcrcXlV2E/s1600-h/Piazza%20Campidoglio%20-%20Roma%2C%20Michelangelo%5B6%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Piazza Campidoglio - Roma, Michelangelo" border="0" alt="Piazza Campidoglio - Roma, Michelangelo" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5FJJAPKmvI/AAAAAAAAP64/k23ilAyQflg/Piazza%20Campidoglio%20-%20Roma%2C%20Michelangelo_thumb%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="407" /></a> </p> <p></p> <p align="center">Piazza Campidoglio</p> <p align="center">&#160;</p> <p align="center"><a title="estátua do imperador Marco Aurélio" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="estátua do Imperador Marco Aurélio" border="0" alt="estátua do Imperador Marco Aurélio" src="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5FJKJ6s6kI/AAAAAAAAP68/PAWnSwKeu7Y/est%C3%A1tua%20do%20Imperador%20Marco%20Aur%C3%A9lio%5B4%5D.jpg?imgmax=800" width="221" height="484" /></a> </p> <p align="center">estátua do Imperador Marco Aurélio, no centro da Praça</p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland, Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:ad0d9d3e-ae08-46ee-8e34-db166a396ff1" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Michelangelo" rel="tag">Michelangelo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/arquitetura" rel="tag">arquitetura</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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E o artista lhe deu mais de 340 figuras representando a origem e a queda do homem, no empreendimento artístico mais ambicioso da Renascença. O fato de Michelangelo ter realizado tal proeza em menos de quatro anos, sem assistentes, é testemunha de sua singularidade.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Apenas as condições físicas apresentavam um formidável desafio. Com o comprometimento de quase metade de um campo de futebol, o teto apresentava três mil metros quadrados para projeto, esboço, alvenaria e pintura. As infiltrãções umedeciam demais a alvanaria. A curva da abóbada cilíndrica atravessada por abóbadas cruzadas, dificultava ainda mais o trabalho de Michelangelo. Como se não bastasse, ele tinha que trabalhar encolhido numa posição desconfortável, num andaime com altura equivalente a sete andares.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5BQ8_mbmdI/AAAAAAAAP6Y/T3G8RQJRAos/s1600-h/CriaodeAdoMichelangelo15081512capela%5B1%5D.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="Criação de Adão, Michelangelo, 1508-1512 - capela Sistina" border="0" alt="Criação de Adão, Michelangelo, 1508-1512 - capela Sistina" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5BQ-Leii0I/AAAAAAAAP6c/N3i3E6ZtneY/CriaodeAdoMichelangelo15081512capela%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="450" height="338" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> Criação de Adão, Michelangelo – Capela Sistina, Vaticano, Roma</em></font></p> <blockquote> <p align="center"><font color="#69656f" size="2" face="Verdana"><em>Um Deus com aparência de Zeus transmite a chama da vida a Adão.Michelangelo usou o nu masculino para expressar todas as aspirações e emoções humanas.</em></font></p> </blockquote> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Apesar de seu desdém pela pintura, que ele considerava uma arte inferior, o afresco de Michelangelo atingiu um ponto máximo, com figuras retiradas&#160; não do mundo real, mas do mundo de sua própria criação. Os nus, jamais pintados em escala tão colossal, são simplesmente apresentados, sem cenário e sem ornamentos. Assim como em sua escultura, os torsos são mais&#160; expressivos que os rostos. As formas nuas, contorcidas, têm uma qualidade de relevo, como se tivessem sido esculpidas em pedra colorida</font>. </p> <p align="center"><a title="&quot;O Juízo Final&quot;, Michelangelo - Capela Sistina, Vaticano, Roma" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="O juízo Final, Michelangelo , 1541 - Capela Sistina, Vaticano, Roma" border="0" alt="O juízo Final, Michelangelo , 1541 - Capela Sistina, Vaticano, Roma" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5BQ_jW9IrI/AAAAAAAAP6g/ixO74VzweEE/OjuzoFinalMichelangelo1541CapelaSist.jpg?imgmax=800" width="454" height="325" /></a><font size="2" face="Verdana"><em> “O Juízo Final, Michelangelo, Capela Sistina, Vaticano, Roma (1541)</em></font></p> <blockquote></blockquote> <p align="left"><font color="#69656f" face="Trebuchet MS"></font></p> <p align="left"><a href="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5BRBAtbBQI/AAAAAAAAP6k/DRH9F8vwylE/s1600-h/SoBartolomeumrtirqueimadovivo.detalh.jpg"><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="São Bartolomeu, mártir, queimado vivo. detalhe de o Juízo Final" border="0" alt="São Bartolomeu, mártir, queimado vivo. detalhe de o Juízo Final" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S5BRB-yzYrI/AAAAAAAAP6o/1Tp6WD9QFMs/SoBartolomeumrtirqueimadovivo.detalh%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="178" height="244" /></a> </p> <blockquote> <p align="center"><font color="#69656f" size="2" face="Verdana"><em>Detalhe: de “Juízo Final”, Michelangelo, Capela Sistina, Vaticano. São Bartolomeu, mártir queimado vivo, segura sua própria pele com um grotesco auto-retrato de Michelangelo.</em></font></p> </blockquote> <p align="center"><font size="2" face="Verdana"><em></em></font></p> <p></p> <p></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana"></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Tomando uma parede inteira da Capela Sistina, o afresco “<em>O Juízo Final</em>”, de Michelangelo, foi terminado 29 anos após a pintura do teto. A pintura impressiona pela atmosfera sinistra. Cristo não é representado como um Redentor misericordioso, mas como um Juíz vingativo, alcançando um efeito tão aterrorizante que o Papa Paulo III caiu de joelhos diante do afresco, gritando: <em><strong>“Senhor perdoai os meus pecados!”</strong></em> Aqui também Michelangelo mostrou sua habilidade suprema para apresentar formas&#160; humanas em movimento: quase quatrocentas figuras contorcidas em luta, em resistência, sendo atiradas ao inferno.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:d9e6a666-273f-4da3-86c0-381d5d2f61cb" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Capela+Sistina" rel="tag">Capela Sistina</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Michelangelo" rel="tag">Michelangelo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Cria%c3%a7%c3%a3o+de+Ad%c3%a3o" rel="tag">Cria&#231;&#227;o de Ad&#227;o</a>,<a href="http://technorati.com/tags/O+Ju%c3%adzo+Final" rel="tag">O Ju&#237;zo Final</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Vaticano" rel="tag">Vaticano</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos"><font face="Verdana"><strong><u>Assine nosso feed. É Grátis. 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Deus havia&#160; criado a vida a partir do barro, e o escultor libertava a&#160; beleza da pedra. Segundo ele, sua técnica consistia em <strong><em>“libertar a figura do mármore que a aprisiona”</em></strong>. Enquanto outros escultores adicionavam pedaços de mármore para disfarçar seus erros, Michelangelo fazia suas esculturas num bloco único. “Ainda que rolem do alto de uma montanha, não caíra um só pedaço”, disse outro escultor da época.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">O primeiro trabalho a lhe trazer renome, esculpido quando o artista tinha 23 anos, foi<em><strong> “Pietá”,</strong></em> que significa “piedade”. O arranjo piramidal é derivado de Leonardo, com a clássica postura do rosto da Virgem refletindo a expressão calma, idealizada, das estátuas gregas. A precisão anatômica do corpo de Cristo se deve à dissecação de cadáveres efetuada por Michelangelo. Quando a estátua foi descoberta, um apreciador a atribuiu a um escultor mais experiente, recusando-se a acreditar que um jovem desconhecido fosse capaz de realizar tal obra. Além disso, Michelangelo esculpiu seu nome na faixa que atravessava o seio da Virgem. Foi seu único trabalho asinado.</font></p> <p align="center"><a title="escultura: Pietá, de Michelangelo. Basílica de São Pedro. Roma. Obra-prima onde Michelangelo reúne Cristo e a Virgem numa composição piramidal" href="http://multiplosestilos.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Pietá, de Michelangelo - 1498-1500" border="0" alt="Pietá, de Michelangelo - 1498-1500" src="http://lh4.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4wHH6G8TkI/AAAAAAAAP5Q/wFCRHRyyS-w/Piet%C3%A1%2C%20de%20Michelangelo%20-%201498-1500%5B5%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="502" /></a><strong><em>“ Pietá”</em></strong></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Stickland. Arte Comentada. Da Pré-Historia ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:a1df5955-dbac-4199-9e34-e3515444e1d2" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Mchelangelo" rel="tag">Mchelangelo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/escultor" rel="tag">escultor</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Piet%c3%a1" rel="tag">Piet&#225;</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Mas o <strong><em>príncipe Lourenço, o Magnífico, da família Médici</em></strong>, reconheceu o talento do garoto e, quando Michelangelo tinha 15 anos levou-o para a corte florentina, onde o tratou como a um filho.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Foi Michelangelo quem mais contribuiu para elevar o <em>status </em>da atividade do artista. Acreditando que a criatividade era uma inspiração divina, quebrou todas as normas. Os admiradores se referiam a ele como <em><strong>“o divino Michelangelo</strong></em>”, mas o preço dessa glória foi a solidão. Certa vez Michelangelo perguntou a seu rival, o gregário Rafael, que vivia cercado de cortesãos. “Onde você vai com tanta gente, tão contente quanto um monsenhor?”&#160; E Rafael, desferiu a resposta: “Onde você vai, solitário como um carrasco?”</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Michelangelo se recusava a ensinar aprendizes e não deixava ninguém ficar assistindo enquanto trabalhava. Quando reprovavam o fato de não ter se casado e não ter deixado herdeiros, ele respondia: “<em><strong>Sempre tive uma esposa muito exigente na minha arte, e meus filhos são minhas obras</strong></em>”. Era muito emocional, rude e excêntrico. Só se sentia&#160; feliz quando estava trabalhando ou escolhendo um bloco de mármore na pedreira. Seu humor podia ser cruel: Quando lhe perguntaram porque uma coruja, num quadro de outro artista, era tão mais convincente que os outros elementos, ele respondeu que <em><strong>“todo pintor faz um bom auto-retrato”.</strong></em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Arquiteto, escultor, pintor, poeta e engenheiro, Michelangelo não conhecia limitãções. Certa vez, quis esculpir um colosso numa montanha inteira. Fez esculturas até sua morte, com quase noventa anos. Suas últimas palavras foram:<em><strong> “Lamento estar morrendo justamente quando estou aprendendo o alfabeto da minha profissão.”</strong></em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno.</em></font></p> <p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:ed00caf3-1409-4f76-be99-9f627ae6c281" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Michelangelo" rel="tag">Michelangelo</a>,<a href="http://technorati.com/tags/renascimento" rel="tag">renascimento</a>,<a href="http://technorati.com/tags/biografia" rel="tag">biografia</a>,<a href="http://technorati.com/tags/divino" rel="tag">divino</a></div> </p> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine&#160; nosso feed. 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Seus interesses e conhecimentos abrangiam <em><strong>anatomia, engenharia, astronomia, matemática, história natural, música, escultura, arquitetura e pintura</strong></em>, o que faz dele o gênio mais versátil de todos os tempos. Embora suas anotações não fossem conhecidas pelos cientistas, Leonardo foi um precursor de muitas das maiores descobertas e invenções das culturas subsequentes. Ele construiu canais, instalou aquecimento central, drenou pântanos, estudou as correntes de ar, inventou um método de impressão, um telescópio e bombas portáteis. A partir de seus estudos dos vasos sanguíneos, desenvolveu a teoria da circulação cem anos antes de Harvey. Foi o primeiro a projetar uma máquina voadora e a ilustrar o funcionamento interno do corpo humano. Seus desenhos do desenvolvimento do feto eram tão preciosos que ele estaria apto a ensinar ambriologia aos estudantes de hoje.</font></p> <p align="center"><a href="http://lh6.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4giD8P258I/AAAAAAAAP5E/--iQaKW5sXQ/s1600-h/No%20%20Ventre%2C%20Leonardo%20da%20Vinci.%20c.%201510%5B14%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="No Ventre, Leonardo da Vinci. c. 1510" border="0" alt="No Ventre, Leonardo da Vinci. c. 1510" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4giEwZHqTI/AAAAAAAAP5I/MosxdpCQZxk/No%20%20Ventre%2C%20Leonardo%20da%20Vinci.%20c.%201510_thumb%5B12%5D.jpg?imgmax=800" width="189" height="244" /></a><font size="1" face="Verdana"><em></em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>“No ventre.” c. 1510, Royal Collection, Castelo de Windsor</em></font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada, Da Pré-História ao Pós-Moderno </em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:5e134dbc-9bad-4d43-85b1-31bef2dc806d" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/Da+Vinci" rel="tag">Da Vinci</a>,<a href="http://technorati.com/tags/estudos" rel="tag">estudos</a>,<a href="http://technorati.com/tags/g%c3%aanio" rel="tag">g&#234;nio</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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Leonardo dizia que o artista tinha dois objetivos: pintar<strong><em> “o homem e a intenção de sua alma”.</em></strong> Aqui ele revolucionou a arte ao captar ambos, principalmente o que ia na alma de cada figura.</font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Leonardo imortalizou o momento dramático em que Cristo anunciou que um de seus discípulos iria traí-lo e a reação emocional de cada um ao perguntar: “Senhor, serei eu? Através de uma gama de gestos e expressões, Leonardo revelou pela primeira vez na arte o caráter fundamental e o estado psicológico de cada apóstolo. O uso da perspectiva, com todas as linhas diagonais convergindo para a cabeça de Cristo, fixou Cristo no ápice da composição piramidal.</font></p> <p align="center"><a title="Afresco: A Última Ceia, de Leonardo da Vinci" href="http://histoblosu.blogspot.com"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="A Última Ceia, de Leonardo da Vinci" border="0" alt="A Última Ceia, de Leonardo da Vinci" src="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4gYB9lZnqI/AAAAAAAAP5A/16sg3xRGhYo/A%20%C3%9Altima%20Ceia%2C%20de%20Leonardo%20da%20Vinci%5B14%5D.jpg?imgmax=800" width="454" height="233" /></a> <em><font size="1" face="Verdana">A Última Ceia, Leonardo da Vinci (1495)</font></em></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Infelizmente, Leonardo não tinha temperamento adequado às exigências do afresco tradicional, que requeria um trabalho de pincel rápido e certeiro, em vez da acumulação de nuances difusas. Em “A Última Ceia”, ele experimentou uma emulsão de óleo e têmpera que não aderiu bem à alvenaria. Leonardo ainda era vivo quando o mural começou a se desfazer. A situação piorou quando o prédio que abrigava o mural foi usado como estábulo e parcialmente destruído na Segunda Guerra Mundial. A umidade acumulada atrás da barricada de sacos de areia que cobria a parede praticamente destruiu o afresco. Atualmente, está sendo restaurado centímetro a centímetro.</font></p> <p align="center"><font size="1" face="Verdana"><em>Carol Strickland. Arte Comentada. Da Pré-História ao Pós-Moderno</em></font></p> <div style="padding-bottom: 0px; margin: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; display: inline; float: none; padding-top: 0px" id="scid:0767317B-992E-4b12-91E0-4F059A8CECA8:0d7db9ef-7b06-4271-a789-664642a64bef" class="wlWriterEditableSmartContent">Technorati Marcas: <a href="http://technorati.com/tags/afresco" rel="tag">afresco</a>,<a href="http://technorati.com/tags/Leonardo+da+Vinci" rel="tag">Leonardo da Vinci</a>,<a href="http://technorati.com/tags/A+%c3%9altima+Ceia" rel="tag">A &#218;ltima Ceia</a></div> <p align="center"><a href="http://feeds.feedburner.com/multiplosestilos">Assine nosso feed. 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O objeto de todas essa atenção foi o retrato mais famoso do mundo a <strong>“Monalisa”.</strong></em></font></p> <p align="center"><a href="http://lh5.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4gLIuZuc2I/AAAAAAAAP44/FipPJFdbwJE/s1600-h/Monalisa%2C%20de%20Leonardo%20da%20Vinci%5B4%5D.jpg"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="Monalisa, de Leonardo da Vinci" border="0" alt="Monalisa, de Leonardo da Vinci" src="http://lh3.ggpht.com/_5ZVfrqNx7ZM/S4gLJrBEY_I/AAAAAAAAP48/7hyPOhPaajY/Monalisa%2C%20de%20Leonardo%20da%20Vinci_thumb%5B2%5D.jpg?imgmax=800" width="313" height="484" /></a><font size="1" face="Verdana"><em>Monalisa</em></font></p> <p align="justify"><font size="2" face="Verdana">Históricamente, ela não era uma pessoa importante mas provavelmente, a jovem esposa de um mercador florentino chamado Giocondo (“Mona” era abreviatura de Madona, que quer dizer Senhora). O retrato definiu os padrões para a Alta Renascença em vários aspectos decisivos. O uso da perspectiva com todas as li